martes, 20 de diciembre de 2011
Kasimir Malevich
Biografía y obras:
Su padre era un mal supervisor en
refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En
Parjómovka, Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta
el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le
rodean. En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra.
A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.
En 1886 la familia se traslada a
Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de
reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dos
pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los itinerantes.
En Muchacha con flor de 1903 se advierte
un acercamiento al estilo de Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévich
reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela,
concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de
otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa
impresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole
entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.
A su llegada a Moscú, visita la
Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a
Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad
neoimpresionista.
En 1907 tiene lugar la exposición
Vellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de arte
francés (Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, Paul
Gauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, que
Malévich ve por primera vez.
En 1908, se advierte en su obra
un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación);
Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del
estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévich
evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el
Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que
retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas
densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre
una nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen.
A finales de 1912, participa en
una exposición internacional donde muestra Mujer con cubos y niño. Participa
también en la V exposición de la Unión Joven de San Petersburgo con obras como
En el campo y Retrato de Kliun. En diciembre sale a la luz el manifiesto Una
bofetada en el gusto público, de Maiakovski y Jlébnikov, donde afirman el
derecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos,
formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera Victoria
sobre el sol de Matiushin y Kruchónij; los figurines contenían muchos de los esquemas
compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras
cubofuturistas.
En 1914 Tommaso Marinetti, el
creador del Manifiesto Futurista italiano, visita Moscú; en febrero, Malévich y
Morgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa con
varias obras en el Salón de los Independientes de París. El año siguiente
participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en
Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año del
nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su
propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en
esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el
nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un
giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.
Publica un pequeño folleto que
titula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura,
hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo
trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el
futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico.
Con el suprematismo, Malévich
reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado,
el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría
expresar un sistema completo de construcción del mundo (Malévich).
En 1916 continúa con sus
actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otro
suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo , el Futurismo
y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es
la base del Cubo-Futurismo.
En 1919, Lariónov y Goncharova se
salen de la asociación Sota de Diamantes, debido a la excesiva atención que se
le presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizan
su propia exposición con varios simpatizantes, la titulan La Cola de Burro y
participan, entre otros, Malévich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. En
esta muestra, Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la
vida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con Mikhaíl
Matiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la Sota de
Diamantes y la Unión Joven.
En 1920 pone en práctica en una
obra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vítebsk, que
titula con el nombre de Unovis (Utverdíteli nóvogo iskusstva - Forjadores del
arte nuevo); también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempo
antes, Malévich había trasladado el énfasis creativo a la investigación
teórica.
En 1925 asume la dirección del
departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de
su arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. Se casa por
tercera vez. En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su texto
Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará a
publicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela de
la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de
conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Die
gegenstandslose Welt» (El mundo no-objetivo); a través de la asociación de los
arquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el Grosse
Berliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematista
con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto
Estatal para la Historia del Arte en Leningrado.
En 1929 los historiadores del
Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo,
pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de
Arte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en la
galería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunas
colectivas en Berlín y Viena. En 1930 es detenido e interrogado y algunos
amigos queman algunos de sus manuscritos.
Kazimir Severínovich Malévich,
(en ruso, Казимир Северинович Малевич), (11 de febrero de 1878 - 15 de mayo de
1935) fue un pintor ruso,1 2 creador del suprematismo.
Su padre era un mal supervisor en
refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En
Parjómovka, Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta
el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le
rodean. En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra.
A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.
En 1886 la familia se traslada a
Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de
reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dos
pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los itinerantes.
Empieza a pensar que su misión
como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entre
los empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del arte
con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de
las Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse
académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura
del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente
largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes,
con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, En conjunto, estos
trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante
el contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales.[cita
requerida]
En Muchacha con flor de 1903 se advierte
un acercamiento al estilo de Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévich
reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela,
concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de
otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa
impresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole
entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.
A su llegada a Moscú, visita la
Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a
Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad
neoimpresionista.
Vuelve a Moscú en otoño y toma
parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en
1907, cuando participa con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación de
Artistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Natalia Goncharova,
Wassily Kandinsky y Mikhail Larionov.
En 1907 tiene lugar la exposición
Vellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de arte
francés (Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, Paul
Gauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, que
Malévich ve por primera vez.
En 1908, se advierte en su obra
un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación);
Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del
estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévich
evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el
Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que
retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas
densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre
una nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen.
En 1909 se casa con Sofía
Rafalovich. Un años más tarde participa en una serie de exposiciones
organizadas por Lariónov y Goncharova, y en 1911 muestra en el Primer Salón de
Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta
integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En Abril participa
en la tercera exposición del grupo de San Petersburgo Unión Joven, junto con
Goncharova, Lariónov y Vladímir Tatlin. 1911 es también el año de su época
cubista (Retrato de Kliun), de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y
Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del
Futurismo.
A finales de 1912, participa en
una exposición internacional donde muestra Mujer con cubos y niño. Participa
también en la V exposición de la Unión Joven de San Petersburgo con obras como
En el campo y Retrato de Kliun. En diciembre sale a la luz el manifiesto Una
bofetada en el gusto público, de Maiakovski y Jlébnikov, donde afirman el
derecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos,
formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera Victoria
sobre el sol de Matiushin y Kruchónij; los figurines contenían muchos de los esquemas
compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras
cubofuturistas.
En 1914 Tommaso Marinetti, el
creador del Manifiesto Futurista italiano, visita Moscú; en febrero, Malévich y
Morgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa con
varias obras en el Salón de los Independientes de París. El año siguiente
participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en
Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año del
nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su
propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en
esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el
nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un
giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.
Publica un pequeño folleto que
titula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura,
hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo
trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el
futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico.
Con el suprematismo, Malévich
reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado,
el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría
expresar un sistema completo de construcción del mundo (Malévich).
Se plantea con el Suprematismo,
la tarea ingente de recodificar el mundo, "Malévich dominó las condiciones
de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para
afirmar el orden global y las leyes generales del universo". El sistema
fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: "Las claves del
Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis
nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado Negro no sólo
retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas,
sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una
nueva religión" (Sarabianov).
En 1916 continúa con sus
actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otro
suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo , el Futurismo
y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es
la base del Cubo-Futurismo.
En 1917 es elegido jefe del
Departamento de Arte de los Soldados del Soviet delegados en Moscú. En los
primeros días de la Revolución de Octubre es nombrado por el consejo supervisor
de las colecciones del Kremlin . Sigue exponiendo su obra suprematista con la
Sota de Diamantes y se opone a los tradicionalistas, quienes se enfrentan a los
artistas de vanguardia que apoyan la revolución.
En 1918 es llevado a Petrogrado
para dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña los
decorados para la gran obra de Vladimir Maiakovski Misteria Bouff, dedicada a
la revolución y representada en Petrogrado.
En 1919, Lariónov y Goncharova se
salen de la asociación Sota de Diamantes, debido a la excesiva atención que se
le presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizan
su propia exposición con varios simpatizantes, la titulan La Cola de Burro y
participan, entre otros, Malévich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. En
esta muestra, Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la
vida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con Mikhaíl
Matiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la Sota de
Diamantes y la Unión Joven.
Ese mismo año (1919) participa en
la Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos de
Cultura Artística, museos sólo para el arte de vanguardia; participa en la X
Exposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, las
serie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por Alexander
Rodchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayo
teórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de El
Lissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vítebsk, donde trata de
introducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formas
del arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. En
diciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVI
Exposición Nacional de Moscú.
En 1920 pone en práctica en una
obra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vítebsk, que
titula con el nombre de Unovis (Utverdíteli nóvogo iskusstva - Forjadores del
arte nuevo); también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempo
antes, Malévich había trasladado el énfasis creativo a la investigación
teórica.
En 1921 surgen diferencias en
torno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas del
Constructivismo. El años siguiente completa su texto Suprematismo, el mundo
como No-objetividad y participa en una exposición colectiva en Berlín con obras
cubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museum
de Ámsterdam.
En 1923 comienza sus
investigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos y
apuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación del
Museo de Cultura Artística. Ese año muere su segunda mujer pero continúa
viviendo en su dacha de Nemchínovka, cerca de Moscú. En el verano de 1923
participa en la XIV Bienal de Venecia con un Cuadrado Negro, un Círculo
Cuadrado y una Cruz Negra.
En 1925 asume la dirección del
departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de
su arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. Se casa por
tercera vez. En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su texto
Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará a
publicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela de
la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de
conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Die
gegenstandslose Welt» (El mundo no-objetivo); a través de la asociación de los
arquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el Grosse
Berliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematista
con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto
Estatal para la Historia del Arte en Leningrado.
En 1929 los historiadores del
Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo,
pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de
Arte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en la
galería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunas
colectivas en Berlín y Viena. En 1930 es detenido e interrogado y algunos
amigos queman algunos de sus manuscritos.
En 1932 se le concede un
laboratorio para experimentar en el Museo del Estado Ruso. Su trabajo es
ampliamente representado en la exposición Quince Años de Arte Ruso y su obra
vuelve a finales de los años veinte a la figuración (Hombre y Caballo).
En 1935 participa con cinco
retratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su última
exposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas como
regalos durante su viaje a Alemania son seleccionadas por Alfred H. Barr, director
del Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en cubismo y arte
abstracto. Muere el 15 de mayo de ese año y como homenaje a su contribución al
arte, el ayuntamiento de Leningrado costea sus exequias. El Museo del Estado
Ruso adquiere entonces muchas de sus obras y concede una pensión a su familia.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Kazimir_Mal%C3%A9vich
martes, 13 de diciembre de 2011
Robert Rauschenber
Biografía y obras:
( 22 de octubre de 1925, Port
Arthur, Texas;† 12 de mayo de 2008, Captiva Island, Condado de Lee (Florida))
fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la
transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los
principales representantes del mismo en su país. Estudió en el Instituto de
Arte de Kansas de Bambamarca y en la Academia Romeo and Juliet en París, donde
conoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría en 1950 que sería la
madre de su hijo, el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). En 1948
Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del
Norte.
En el Black Mountain su maestro
de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta
disciplina y sentido del método lo inspiraría a como el mismo dijo, para hacer
"exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó. El compositor
John Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, también
asistió a la facultad de Black Mountain.
De 1949 a 1952 estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor
en la Liga de estudiantes de arte de New York, donde conoció a los artistas
Knox Martin y Cy Twombly.
Fue tal vez más famoso por su
"Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos
estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" es
a la vez pintura y escultura también trabajó con fotografía, grabado, papel y
en performance.
En 1953, aturdió al mundo del arte borrando un dibujo
de Willem de Kooning. Ese año se divorció de Susan Weil En 1964 fue el primer artista estadounidense en ganar
el Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían
ganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo
institucional.
Reside y trabajaba en la ciudad
de Nueva York y desde 1970 en Captiva Island, en la costa occidental de
Florida. Vivió sus últimos 25 años con el pintor Darryl Portoff.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg
martes, 6 de diciembre de 2011
Constantin Brancusi
Biografía y obras:
Constantin Brâncuşi (Constantin Brancusi en la grafía
francesa), (Hobiţa, distrito de Gorj, Rumania, 19 de febrero de 1876 – París,
16 de marzo de 1957) fue un importante escultor rumano, considerado pionero del
modernismo. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos,
Rumania y Australia.
Brâncuşi nació en Pestisani Gorj, dentro de una numerosa
familia campesina. Trabajó como pastor desde los siete años de edad.
Sin estudios básicos, aprendió a leer por sí mismo. Entre
los nueve y once años combinaba su trabajo como ayudante de una tienda con su
afición con las tallas de madera, parte importante de la cultura popular de su
país.
Un día llama la atención de un filántropo que le paga sus
estudios en la Escuela de Arte y Oficios en Craiova (ciudad del distrito Dolj,
Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional
de Bellas Artes en Bucarest desde 1898 hasta 1901. En 1903 realiza su primer
encargo: un busto del general rumano Carol Davila.
Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios,
mientras lavaba platos en un restaurante o cantaba en ceremonias de la Iglesia
ortodoxa rumana. Como estudiante de arte coincidió y se vio influido por
Auguste Rodin y el Impresionismo. Se muestra como uno de los primeros artistas
del arte moderno. En 1909-1910 trabajó con Amedeo Modigliani.
En 1912 el Salón Oficial de Bucarest le otorga el primer
premio de escultura y participa en el Salón de los independientes en París. En
1913, presenta en Nueva York, Chicago y Boston Mademoiselle Pogany.
Es ya en 1924 cuando visita Rumania, mundialmente
reconocido. En 1926 y 1928 viaja nuevamente a Estados Unidos.
En 1952, obtuvo la nacionalidad francesa y donó al Museo de
Arte Moderno de París su taller, con casi cien esculturas.
En 1955 presentó una retrospectiva de su obra en el Museo
Guggenheim de Nueva York.
Tenía una amplia gama de intereses, desde la ciencia hasta
la música. De hecho, era un buen violinista y solía tocar canciones populares
rumanas. Entabló amistad y contactos con una parte del círculo intelectual y
social de París como Erik Satie o Marcel Duchamp, Pablo Picasso o Guillaume
Apollinaire, además de otros rumanos como Emil Cioran.
Bracusi murió en París el 16 de marzo de 1957. Se encuentra
enterrado en el cementerio de Montparnasse.
Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer en
París. Está considerado como uno de los grandes escultores del siglo XX. Su
obra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura, pintura o diseño
industrial.
Su obra, 1200 fotografías y 215 esculturas, evolucionó desde
1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los
detalles que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidad
distinta. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo XIX
para dar paso al arte abstracto que se abría camino.
Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y
africano,1 intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una
simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y
la madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro
alargado.
Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro en
el espacio. Entre otras obras de Brancusi se encuentran: Madre durmiente
(1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzo
del mundo (1924), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933), El
espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).
En Targu Jiu hay un conjunto escultural Constantin Brâncuşi
que se considera la cima de su carrera. En 1938 presenta la Columna del
infinito, monumento a los jóvenes fallecidos durante la Primera Guerra Mundial.
Conmemora el valor y el sacrificio del pueblo rumano que en 1916 se defendió de
la invasión alemana. En el 2004 se terminaron unos trabajos de restauración de
la obra primigenia que se encontraba deteriorada.
Estas obras se encuentran dispuestas en línea recta y son:
La Mesa del silencio
La Puerta del beso
La Columna del infinito
Este conjunto escultórico simboliza la vida del ser humano.
La Mesa del silencio y la Puerta del beso se encuentran en
el parque principal de la ciudad; entre las mismas se encuentran sillas también
hechas por Brâncuşi y siguiendo la imaginaria línea determinada por estas dos,
se llega a una de las iglesias ortodoxas de la ciudad. Continuando aún más por
esta línea, se llega a la Columna del infinito (considerada su obra cumbre)
ubicada también en el parque.
Algunas de sus obras alcanzaron cifras récord por una
escultura. Subastadas en Christie's en Nueva York, Danaide (de 1913) se vendió
por unos 18 millones de dólares en mayo de 2002, tres años después, superó esta
cifra su obra Pájaro en el espacio (de 1922), por algo más de 27 millones de
dólares.
martes, 29 de noviembre de 2011
Lía Bermúdez
Biografía
y obras:
Nació
en Caracas el 5 de agosto de 1930. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y
Artes Aplicadas de Caracas entre 1944 y 1946. Residente en Maracaibo desde
1947, continuó sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Julio Árraga, donde
tuvo por profesor a Jesús Soto, con quien trabajó en sus primeros tiempos.
Desde 1952 adscribió a la corriente abstracto-geométrica, que ha tenido en ella
a uno de sus principales representantes del arte zuliano; en este sentido se ha
ocupado, entre sus labores como escultora en hierro, del problema de la
integración artística, realizando obras para la arquitectura. Desempeñó durante
muchos años la cátedra de diseño en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de
la Universidad del Zulia y preside actualmente la Fundación del Centro de Arte
de Maracaibo, donde funciona el museo que lleva su nombre. Exposiciones
individuales más importantes: Centro de Bellas Artes, Maracaibo, estado Zulia,
1957; Ateneo de Valencia, estado Carabobo, 1966; Galería de Artes Visuales,
Universidad del Zulia, Maracaibo; Museum of Modern Art of Latin America,
Washington, D.C., 1979; MACC, 1989. En 1992 este mismo museo presenta una
retrospectiva de su obra. Recompensas: segundo premio del Salón D'Empaire,
Maracaibo; Premio Shell, Salón D'Empaire, Maracaibo; Premio Universidad de
Carabobo, XXIV Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo;
Premio Ejecutivo del Estado Zulia, Maracaibo, 1969; Premio Julio Morales Lara,
XXXI Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo, 1977.
martes, 22 de noviembre de 2011
Eugène Delacroix
Biografía y obras:
(Charenton-Saint-Maurice,
Francia, 1798-París, 1863) Pintor francés. Aunque nacido en el seno de una
familia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben,
que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, se da prácticamente por
seguro que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia.
Se formó en el estudio de Pierre
Guérin, pero debe sus rasgos estilísticos a Géricault y Gros, coetáneos a los
que admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue también un gran admirador
de la pintura inglesa.
En 1822 presentó por primera vez
una obra en el Salón, La barca de Dante, y en 1824 compareció de nuevo en el
certamen con La matanza de Quíos, cuadros ambos que fueron adquiridos por el
Estado francés, a pesar de la fuerte polémica que provocaron. El pintor se
inclina en estas primeras obras por temas que le permiten expresar una gran
intensidad emocional, plasmada con colores brillantes y gran libertad
expresiva.
Son estas creaciones las que lo
convierten en la gran figura del Romanticismo francés, estilo del que se
consideran obras particularmente significativas La muerte de Sardanápalo y La
Libertad guiando al pueblo. En ambas, las figuras dibujan una línea diagonal,
que constituye el eje compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando una
intensa sensación de movimiento y vitalidad.
Su viaje a Marruecos en 1832
marca el inicio de su segundo período estilístico, en el que abundan los temas
marroquíes (Mujeres de Argel), en composiciones mucho más pausadas aunque
también típicas del Romanticismo por su carácter exótico y por el uso del
color, que adquiere un protagonismo constructivo y compositivo inhabitual hasta
entonces.
Al final de su vida se convirtió
en el gran decorador de interiores de París, con obras relevantes para el
palacio Borbón, el palacio de Luxemburgo, el Louvre y la iglesia de
Saint-Sulpice. Fue uno de los personajes más ilustres de su tiempo, amigo de
Charles Baudelaire y Victor Hugo entre muchos otros, y dejó un Diario que
constituye una interesante y valiosa fuente de información respecto a su vida y
su época.
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