Blog de tipo educativo dedicado a los maestros del arte universal en sus multiples expresiones
martes, 28 de abril de 2009
Edgar Negret
miércoles, 22 de abril de 2009
George Segal (1924-2000)
Museos y colecciones - National Gallery of Art, Washington D.C. - National Gallery of Canada, Ottawa - Birmingham Museum of Art, Alabama - Brooklyn Museum of Art, Nueva York - Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvania - Cleveland Museum of Art, Ohio - Fukuoka Art Museum, Fukuoka, Japon - Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C. - MACRO - Museo d'Arte Contemporanea Roma, Italia - Miami Art Museum, Florida - Modern Art Museum of Fort Worth, Texas - Museum of Contemporary Art, Chicago - Museum of Contemporary Art, Los Angeles - Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Bruselas - Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. - Von der Heydt-Museum, Wuppertal, Alemania.
(Bibliografía: http://www.picassomio.es/george-segal.html)
martes, 14 de abril de 2009
Baltasar Lobo Biografía y Obras
Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde su escultura tuvo influencias de Constantin Brancusi y Jean Arp. La obra de Baltasar Lobo fue expuesta en la Galerie Vendôme en la Rue de la Paix junto con la de notables artistas como Henri Matisse, Fernand Léger, Maurice Utrillo y Pablo Picasso.
Baltasar Lobo fue uno de los artistas que contribuyó al proyecto de la Ciudad Universitaria de Caracas e hizo las ilustraciones para la traducción inglesa de la obra Platero y yo de Juan Ramón Jiménez. En 1984, fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas de España.
Baltasar Lobo murió en 1993 y fue enterrado en París en el Cementerio de Montparnasse. El Museo Baltasar Lobo está en la ciudad de Zamora, próxima a su lugar de nacimiento. Actualmente se está llevando a cabo una rehabilitación del castillo de Zamora a manos de Moneo, con el fin de albergar el museo de Baltasar Lobo.
La vida, del que se iba a convertir en el escultor zamorano de mayor renombre internacional en el S.XX, arranca un 22 de Febrero de 1910 en el seno de una familia humilde de Cerecinos de Campos, Zamora. Ya desde la infancia, su espontánea habilidad para el dibujo y el modelado, así como su temprana y decidida vocación artística, dirigieron sus pasos por el camino de la escultura. Con 12 años entró como aprendiz en el taller del escultor-imaginero Ramón Núñez en Valladolid, a la vez que se iniciaba como modelador en la Escuela de Artes y Oficios. Gracias a una beca en 1927 puede continuar su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde también pudo asistir a las clases de Círculo de Bellas Artes, especializándose en la talla directa de la madera y el mármol. Durante estos años descubre con admiración la obra de los grandes artistas españoles del momento, Picasso, Dalí, Miró o Gargallo entre otros.
Maternidad, Ciudad Universitaria de Caracas
Su participación en la Guerra Civil en el bando republicano (se apasiona de las ideas anarquistas, adheriéndose a la CNT y dibujando para numerosas publicaciones ácratas de la época) le obligará, cuando ésta concluye en 1939, a tomar el amargo camino del exilio junto a su esposa Mercedes Comaposada Guillén, fundadora de la organización libertaria Mujeres Libres; se moverán por varias ciudades francesas hasta fijar definitivamente su residencia en París.
En la capital del arte moderno entabla pronto amistad con Pablo Picasso y el escultor Henri Laurens, en cuyo taller trabajará unos años y de quién tomará su interés por simplificar las formas, su afición por los volúmenes curvilíneos, así como su concepto de estructuración poscubista de la escultura.
Durante la década de los 40 va a ir perfilando su estilo, empezará con una figuración muy simplificada en relación con las formas populares y con un cierto carácter arcaico, por Ej. “Ídolo” (1941), “Campesina” (1942); para continuar por caminos de creciente abstracción y depuración de las formas. Su deseo por indagar en el desnudo femenino se traducirá en una iconografía repleta de “bañistas” y “maternidades” y más tarde en los centauros y las ninfas. Así, a partir de los años 50 veremos un Lobo ya maduro con un lenguaje propio e inequívoco que aúna en sus esculturas la rotundidad de volúmenes con una gran perfección en el modelado de las formas, especialmente elocuente en las piezas realizadas en mármol y bronce pulidos, en las que el escultor aprovecha la plasticidad táctil y luminosa del material hasta obtener obras radiantes, dotadas de una bellísima y oscilante transparencia interior. Ej.: “Levante” (1962), “Al Sol” (1970).
El sentido monumental de su obra alcanzará su plenitud con 2 esculturas urbanas basadas en desnudos masculinos: “A los españoles muertos por la libertad” (1948), monumento en piedra que se levanta en Annecy y “El homenaje al poeta León Felipe” (1983), bronce que encontramos en Zamora.
Desde muy pronto, a diferencia de lo que le pasaría en España, la obra de Lobo fue objeto de una importante difusión dentro de Francia recorriendo también galerías y museos de ciudades como Praga, Bruselas, Luxemburgo, Zúrich, Caracas o Tokio, lo que le otorgará desde los años 70 un lugar destacado dentro de la escultura contemporánea europea.
Hasta 1960, en que El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid le organiza una retrospectiva, el escultor zamorano no pudo reencontrarse con su público, para el que había pasado demasiado tiempo desapercibido. Posteriormente la Galería Theo seguiría de cerca la trayectoria del artista.
Su reconocimiento internacional se tradujo también en numerosos premios y distinciones como el Premio André Susse de Escultura (1958), el Premio Jacques Lenchener (1974), el Premio Oficial de las Artes y las Letras (Francia, 1981), la Orden Andrés Bello del Gobierno de Venezuela (1989) y la Medalla de Oro Susse Fréres Fondeul. Los galardones en España llegarían necesariamente tras el cambio político: el Premio Nacional de Artes Plásticas de 1984 y el Premio de Castilla y León de las Artes de 1985.
En la década de los 80 afortunadamente se estrecharon sus lazos con la tierra que le vio nacer y que él nunca quiso olvidar, así en 1984 podrá celebrar su primera exposición en Zamora y, dos años después, la VIII Bienal de esta ciudad, le dedicará una sala especial en homenaje a su fructífera trayectoria artística.
Por desgracia la muerte le sorprenderá en París a los 83 años cuando estaba preparando, en colaboración con diversas entidades públicas y financieras, un ambicioso proyecto museográfico para la exhibición y estudio de su obra en la capital zamorana, y que en un futuro no muy lejano esperamos se convierta en una total realidad; mientras se encuentra una ubicación definitiva, gracias al Patronato Baltasar Lobo podemos disfrutar de una exposición permanente de parte de su obra en la iglesia románica de San Esteban, acondicionada para tales efectos.
Bibliografía:
Wikipedia la enciclopedia libre
Baltasar Lobo Catálogo Museo de Arte Contemporáneo de Caracas
domingo, 5 de abril de 2009
Vincent Van Gogh Biografía y Obras
Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación con los demás y en lo económico, fue un fracasado en cuanto a lo amoroso. En el trabajo tampoco le fue demasiado bien y le hubiera sido difícil sobrevivir de no ser de la caridad de su hermano Théo. Nuestro artista se enfrenta desde una óptica muy personal a una vida que para él resulta frustante. Los niveles que alcanzó le llevaron al suicidio, en una de sus últimas cartas manifiesta abiertamente cómo la pintura le estaba llevando a la destrucción. Abrió caminos al expresionismo posterior.
Era hijo de pastor protestante, trabajó para la casa de subastas Goupil, la cual abandonó impulsado por el deseo de ayuda a sus semejantes. Así, es como pasa a ser miembro del apostolado seglar en una zona muy pobre de Holanda. Intentó entrar en un seminario de protestantismo, pero no fue aceptado por su carácter inestable. Hay un mito negro entorno a su figura, siempre se habla de Van Gogh como "el loco pelirrojo que se cortó una oreja". Como tantas veces en la historia, hay que indagar sobre los motivos que le llevaron a cometer la famosa amputación por la que el artista es conocido, quizá así no se le consideraría como aquel epiléptico, esquizofrénico que ingresa en el manicomio y se pega un tiro. Es por ello, que nos vamos a aproximar a sus etapas vitales.
Fue en el 1879 cuando comenzó a pintar de modo vehemente. Empezó a rellenar álbumes copiando del natural . También le marcó mucho el barroco holandés, tuvo un claro referente en Rembrandt en cuanto a cromatismo. Cultivó temas de clases populares. En el punto de vista conceptual se vio muy marcado por la literatura francesa, E.Zola le apasionaba. En esta etapa pone de manifiesto con claro realismo la vida cotidiana de los menos protegidos, se acerca con dignidad a una situación de abandono social. Sus gamas ahora son oscuras, los entornos pobremente iluminados y con tensiones de luces y sombras. Su punto de partida se encuentra en pintores realistas franceses: Courbet, Daumier, Millet... .En 1885 se trasladó a Amberes por lo que se familiariza con la pintura de Rubens y Frank Hals. En 1886 se traslada a París atraído por Impresionismo del que tanto le había hablado su hermano Théo. El descubrimiento del Impresionismo supuso en nuestro artista una gran decepción y un duro golpe porque es ahora cuando se da cuenta de que su pintura no tiene vigencia, se sintió marginado y fuera de onda. El conocimiento del Impresionismo supuso un estímulo para su cambio: Abandona argumentos pictóricos, decantándose por el paisaje y el retrato. Aclara su paleta, usa una gama luminosa. Por lo general usa colores puros en pincelada de pequeños toques que puede recordar al Puntillismo . Se inscribe en el Taller de Cormont, allí conoce a E.Bernard, y a T.Lautrec, Gauguin. En 1888 se traslada a Arlés. Marchó allí animado por Lautrec, buscando lo apacible. En Arlés encontró una primavera plácida y de equilibrio, que cambió en la navidad del mismo año al contactar con Gauguin. En Arlés se instaló en una pequeña pensión, encima del café de la estación alquila la famosa Casa Amarilla, donde pensó establecer el refugio de sus amigos. En estos años pinta obras que son muy conocidas. Gauguin es invitado por Van Gogh a pasar las navidades del 88 en su casa. Pronto surgen desacuerdos y fricciones entre ellos. Gauguin se burlaba de la candidez de Van Gogh y arremetía contra su modo de pintar, asegurando que los verdaderos temas eran aquellos que se terminaban en taller y no al aire libre. El 23 de diciembre estalla la gran crisis. Van Gogh, agotado por las impertinencias de Gauguin intenta agredirle con una navaja de afeitar, sin embargo, su acumulado resentimiento le lleva a mutilarse la oreja. Había nacido el primer síntoma de su desequilibrio. En mayo de 1889 es internado en un manicomio de Saint Rémy.. Allí, permaneció un año alternando la alucinación con momentos de tranquilidad. En ningún momento dejó de pintar, las obras de este periodo evidencian sus tensiones y desequilibrios. Trigales y cipreses se hacen frecuentes en la producción de este tiempo. Las llamaradas oscuras y la pincelada crispada y nerviosa permite descargar su tensión interior. La naturaleza que le atrae es trémula, con escabrosos accidentes de terreno. Predominan las visiones tétricas y lúgubres que distorsionan la realidad. También realiza copias de los grandes maestros a partir de grabados en blanco y negro. Su recluimiento no le impide el realizar algunas de sus obras más importantes. Después, Van Gogh sale del manicomio y se establede en Auvers, donde lo acoge el conocido Doctor Gadchet, amigo de su hermano Théo. En Auvers-sur-Oise pasó sus últimos meses, abrumado por la soledad, se dio un tiro el 27 de julio de 1890 del que muere dos días después.
(Bibliografía: http://www.spanisharts.com)