César Rengifo (1915 - 1980)

Biografía y obras:

Destacado pintor y dramaturgo venezolano. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes entre 1930 y 1935. En 1936, cuando Romulo Gallegos se desempeñaba como ministro de Educación, César Rengifo consiguió una beca para especializarse en pedagogía de las artes plásticas en Santiago de Chile; para luego viajar a ciudad México para inscribirse en la Academia de San Carlos, donde estudia las técnicas del muralismo de 1937 a 1938. Durante su estadía en la capital mexicana, Rengifo fue influido de manera significativa por la obra de Diego Rivera, alcanzando un estilo que se apartó de la preceptiva de la Escuela de Caracas y dio relevancia al mensaje social de la pintura, gracias a un realismo fundado en una temática rural suburbana para el que adoptó una técnica que, por el empaste liso y sus efectos de relieve y claroscuro obtenidos con los tonos sombríos, se aproxima a la de los primitivos italianos.

En 1939, a su regreso a Venezuela, realizó en el Museo de Bellas Artes su primera exposición individual, a la vez que se revelaba como un importante autor teatral del género realista. Sin embargo, la primera gran exposición pictórica realizada por Rengifo no llegaría sino hasta 1947, también en el Museo de Bellas Artes. En 1954 obtuvo el Premio Nacional de Pintura y entre 1955 y 1956 realizó el vasto mural en mosaico Amalivaca, que narra el mito caribe de la creación del mundo y el cual se halla en la plaza Diego Ibarra, en Caracas. Por encargo de la Comisión del Sesquicentenario de la batalla de Carabobo, del Ministerio de la Defensa, realizó en 1973 el mural Creadores de la nacionalidad, ubicado en el Paseo de Los Próceres de Caracas. En términos generales, la vida de César Rengifo se desenvolvió entre dos disciplinas en las que demostró por igual su talento: la pintura y el teatro. A través de la mismas intentó establecer una profunda conexión entre el sentido de las imágenes simbólicas y el fondo de la realidad del destino y la identidad del venezolano, así como sus frustraciones y esperanzas. En su rol de creador teatral, además de su labor pedagógica realizada en este campo, fue autor de 40 piezas, casi todas publicadas y montadas en Venezuela y el exterior. Como reconocimiento a su talento en este ámbito artístico, recibió en 1980 el Premio Nacional de Teatro. En 1989, sus obras completas fueron recogidas y publicadas en 8 tomos por parte de la Universidad de Los Andes. En 1995 su viuda Ángela Carrillo donó a la Biblioteca Nacional algunos de las obras originales escritas por César Rengifo.

Bibliografía: www.venezuelatuya.com

Mateo Manaure

Biografía y Obras:

 Nace el 18 de octubre de 1926 en Uracoa, estado Monagas. En 1941 entra a estudiar hasta 1946 en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas, actual Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas cuando era dirigida por Antonio Edmundo Monsanto. Ahí, estudia artes gráficas en el taller de Pedro Angel González, de quien fue asistente. Ya por esas épocas comienza a participar en el Salón Arturo Michelena y el Salón Oficial de Arte Venezolano del Museo Bellas Artes de Caracas. En 1947 gana la primera edición del Premio Nacional de Artes Plásticas, disputado con Pascual Navarro y viaja a París, Francia. Regresa al año siguiente a Caracas donde participa en la organización del Taller Libre de Arte. A su regreso a París en 1950, participa en el grupo de Los Disidentes, junto a artistas como Alejandro Otero, Pascual Navarro, Carlos González Bogen, Perán Erminy, Rubén Nuñez, Narciso Debourg, Dora Hersen, Aimeé Batistini y J.R. Guillent Pérez.

De regreso a Caracas fundó, junto a Carlos González Bogen la Galería Cuatro Muros y realizan la Primera Exposición de Arte Abstracto en el país. Era el año 1952. También comienza su colaboración con el proyecto de Ciudad Universitaria de Carlos Raúl Villanueva, donde, además de aportar 26 de sus propias obras, sunge como supervisor de las obras de arte. A partir de ahí participa en otras realizaciones públicas, como las policromías de la Urbanización 23 de Enero. Desde hacía ya varios años, Manaure se desenvolvía dentro del arte abstracto, que conformaba la vanguardia artística venezolana de ese entonces. Luego, regresa al arte representativo desde las artes gráficas, especialmente la litografía, pero no abandona la expresión abstracta. En 1984 lo nombran Presidente de la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos. El año 2009 se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure, en Maturín, Estado Monagas.

La obra de Mateo Manaure ha pasado por distintas etapas. La primera, de tendencia representativa con temas clásicos como el desnudo, el paisaje y la naturaleza muerta, con un cáracter gestual. Luego, al ir a París, su obra evoluciona hacia la abstracción geométrica y luego se torna en abstracción lírica. De esa manera, Mateo Manaure trabajó alternadamente la representación y la abstracción. Entre las series realizadas por él encontramos Pinturas Sobremontaje, Los Suelos de mi Tierra, Cuvisiones, Columnas Policromadas, Mirar a América, Orinoquia, Ofrenda a mi raza, entre otras.

En la emblemática avenida Libertador de Caracas se despliega el gran mural Uracoa (2011) que es una reproducción horizontal de dos de las obras del mismo artista que recubre las escaleras de emergencia del edificio de Petróleos de Venezuela (Pdvsa)ubicado en la ciudad capital.

El mural Uracoa ha sido enmarcado en el proyecto Vibra Caracas, porque vibra con los Módulos Cromáticos de Juvenal Ravelo en la misma avenida Libertador. Ambas obras forman parte de la serie de intervenciones de arte en la calle desarrolladas en la Plaza Venezuela y el bulevar de Sabana Grande, que actualmente consta de 22 obras a lo largo de todo el espacio.

Mateo Manaure vive hoy como uno de los artistas venezolanos más respetados.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Mateo_Manaure

Erich Heckel

Biografía y obras:

 (31 de julio de 1883 - 27 de enero de 1970) fue un pintor e ilustrador alemán, y miembro fundador del grupo expresionista Die Brücke (El Puente) que existió desde 1905 hasta 1913.

 Nació en Döbeln (Sajonia). Como otros miembros del grupo Die Brücke admiró muchísimo la obra de Edvard Munch, y pretendía tender un «puente» entre la pintura alemana neorromántica y la moderna pintura expresionista. Los cuatro miembros fundadores usaron mucho la técnica de impresión al ser un medio barato y rápido de producir arte al alcance de todos.

En 1937 el partido nazi declaró que su obra era degenerada; le prohibió mostrar su obra en público, y más de 700 cuadros suyos fueron confiscados de los museos de la nación. Para el año 1944 todos sus bloques de grabado en madera y las planchas de sus láminas habían sido destruidas.

Después de la Segunda Guerra Mundial  vivió en Hemmenhofen cerca del Lago Constanza, enseñando en la Academia Karlsruhe hasta 1955. Siguió pintando hasta su muerte, en Radolfzell (1970).

Como la mayoría de los miembros de Die Brücke, fue un prolífico artista gráfico, con 465 grabados en madera, 375 aguafuertes, y 400 litografías descritas en el catálogo raisonné Dube, de las que más de 200, sobre todo aguafuertes, datan de los últimos siete años de su vida.

Una gran exposición retrospectiva, Erich Heckel – Su obra en los años 1920, se celebró entre octubre de 2004 y febrero de 2005 en el Museo Brücke en Berlín.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Erich_Heckel

Sarah Lucas

Biografía y obras:

 Nacida en 1962 en Londres, Inglaterra, es una artista que ha tenido reconocimiento en el grupo de los Jóvenes Artistas Británicos (Young British Artists o YBA's en inglés) en los años 1990s.

Su obra es conocida por su agudo ingenio y el uso de elementos ready-made. Estudio en el London College of Printing antes de ingresar al Goldsmiths College, adonde acudió en el período 1984 - 1987. Allí tuvo una relación con Damien Hirst y posteriormente con Gary Hume. Su obra temprana consistió en instalaciones de esculturas, y con ello formó parte de la exhibición Freeze.

En entrevistas admitió que luego de Freeze su carrera perdió visibilidad por unos cuantos años y fue conocida principalmente como la novia de Gary Hume. En 1990, luego vivir varios años con él en Nueva York, se separaron y Lucas retornó a Londres, en donde comenzó una larga relación con Angus Fairhurst.

El éxito vino en 1991 cuando expuso su obra en solitario en el City Racing. Consistió ésta en collages hechos con portadas de periódicos británicos. Las dramáticas piezas, con gran énfasis en sexo, deformidad, violencia y sensasionalismo tipificaron muchos de los elementos asociados con el YBAs. Charles Saatchi compró el set completo y lo exhibió en la Saatchi Gallery, en Londres, al año siguiente. Lucas usó el dinero procedente de la venta para financiar "The Shop", un proyecto ejecutado con su amiga Tracey Emin, conocido como "The Birds" en 1993. Muchas de las obras de Lucas de ese periodo fueron parodias sutiles del trabajo de contemporáneos suyos más famosos.

Fuera de las contribuciones que realizó a las exhibiciones Brilliant, en 1995, y Sensation, en 1997, Lucas no exhibió en solitario hasta 1998, cuando Sadie Coles le organizó una exposición en un edificio vacío en Clerkenwell. En el 2000 le fue encargada la instalación de una serie de obras en el museo Freud, lo cual estuvo acompañado de una exhibición en la galería Sadie Coles. Los trabajos allí presentados eran formas feminoides inspiradas por Louise Bourgeois

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Sarah_Lucas

Gotthar Graubner

Biografía yobras:

(Erlbach, 13 de junio de 1930 - Neuss, 24 de mayo de 2013)1 fue un pintor contemporáneo alemán. Nació en Erlbach, Sajonia, República de Weimar, en 1930. Estudió en la Academia de las Artes de Berlín (1947-48) y en la de Dresde (1948-49). Dejó Alemania Oriental en 1954. Estudió en la Academia de Artes de Düsseldorf (1954-59). En 1965 obtuvo un nombramiento para la Academia de Bellas Artes de Hamburgo de la que en 1969 se convirtió en profesor. En 1988 realizó pinturas encargadas por el Presidente Federal de Alemania, dos grandes obras para el Palacio de Bellevue de Berlín, la sede del presidente de la República Federal. Entre 1976 y 1992 desempeñó el cargo de profesor en la Academia de Düsseldorf.

Su obra Piel negra fue seleccionada como una dentro del programa 100 Great Paintings («100 grandes pinturas») de la BBC en 1980. Desde 1996 era miembro de la Academia de Artes Sajona con sede en Dresde. Falleció el 24 de mayo de 2013, a los 82 años. Fue un artista que se caracteriza por una filosofía única y el uso del color en su obra. Comenzó a desarrollar un estilo propio en 1955. Antes de esa fecha, su obra se distinguía por emplear el color con moderación en formas y bordes del lienzo. Entre 1955 y 1957 experimentó con diferentes enfoques hacia el color. Experimentó con acuarela y más tarde lienzo. En lugar de centrarse en formas de color geométricas, se centró en usar el color profusamente.

En los sesenta comenzó a crear obras en las que había cojines de color del tamaño del cuadro montados sobre ellos y más tarde los cubrió con tejido de nailon. Son los Kissenbilder (cuadros cojín). Esto era un intento de reforzar el efecto espacial de las superficies de color. Más tarde fueron expuestas en la galería de Alfred Schmela en Düsseldorf.

En 1970 realizó la obra Espacio de niebla. El estilo de Graubner nunca fue interrumpido por las tendencias o estilos a la moda. Desarrolló su propio estilo de hacer que el color fuera el medio de la obra en sí. Permite que su obra funcione con independencia de cualquier tipo de representación o tema. Su anterior concepto de intensidad de color siguió evolucionando en su obra.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Gotthard_Graubner

Antony Gormley

 Biografía y obras:

 Nacido el 30 de agosto de 1950, es un escultor inglés. Sus trabajos más conocidos incluyen Angel of the North, una escultura pública en Gateshead encargada en 1995 y erigida en febrero de 1998, y Another Place, en Crosby Beach cerca de Liverpool. Para la ciudad de Leeds, diseño la escultura Brick Man. También ha hecho una serie de piezas titulada Columna rota con un número consecutivo. Por ejemplo en la piscina municipal de Stavanger en Noruega está la "Columna rota nº9".

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Antony_Gormley

Nic Fiddian Green

Biografía y obras:

Nic Fiddian Green nació en Hampshire en 1963. Se graduó en la Wimbledon School of Art de Londres , con una licenciatura en Escultura , y llegó a alcanzar su maestría en la Escuela de San Martín de Arte , donde también tuvo un Diploma Avanzado en fundición a la cera perdida .

Él es mejor conocido como escultor ecuestre, que trabaja principalmente en bronce y plomo golpeado. Realiza su primera exposición en 1986 , y desde entonces ha sido la demanda de galerías y coleccionistas por igual : su obra se muestra ahora con regularidad en Londres, Nueva York y Australia . Además es conocido por la realización de importantes encargos específicos del lugar : dos piezas monumentales recientes han acudido Caballo de Glyndebourne Opera House en Sussex, y cabeza de caballo en el viento , de Inversiones del Tesoro en Barrow Street, Dublín.

Al igual que muchos de los que han pasado una vida con los caballos y los conocen íntimamente lo daba por sentado durante sus primeros años de vida : estaban simplemente allí .  Su opinión cambió en 1983, cuando vio por primera vez los mármoles de Elgin en el Museo Británico . Empezó a ver el caballo como una entidad espiritual  no sólo un ser vivo con una belleza y una energía particular para sí mismo, sino un recipiente universal para toda la amplitud de emociones. Un caballo  no es una escultura de animal en el sentido tradicional va más allá del retrato para convertirse en un estudio de la energía y la quietud , euforia o melancolía . Esta cualidad espiritual se manifiesta en gran parte de su obra . Es uno de los pocos escultores contemporáneos para abordar temas religiosos de frente. Su cabeza de Cristo es tal vez la más poderosa y explícita la obra cristiana del arte producido en los últimos diez años, tierna pero firme en su evocación de la terrible experiencia de Cristo y de su lugar en un mundo cada vez más secular.

Una de las claves de la obra de Fiddian Green es su amor por los materiales , se expresa en el hecho de que - inusualmente entre escultores contemporáneos - que lanza su propia obra. Después de haber obtenido su diploma en bronce de fundición a presión , se puso en práctica en 1992, cuando recibió el encargo de llevar a cabo un proyecto en Gozo , la isla vecina de Malta, y creó su propia fundición allí para llevarlo a cabo. Inspirado por esta experiencia que sigue proyectando sus propias esculturas.

Bibliografía: http://www.holmesadamsprojects.com/nicfiddiangreen.php