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miércoles, 19 de diciembre de 2012

Feliz Navidad y Próspero Año 2013


Carl Larsson


Biografía y obras:
 (Estocolmo, 28 de mayo de 1853- Falun, 22 de enero de 1919) fue un pintor y diseñador de interiores sueco.
Su infancia fue un continuo ir y venir rodeado de miseria: sus padres carecían de ingresos económicos y apenas podían mantener a Carl y a su único hermano, Johan. De hecho, Carl tuvo que acudir a una escuela para pobres, la posterior escuela primaria de Ladugårdsland. El cólera, la enfermedad, la vida en los barrios bajos y la suciedad eran constantes en el entorno del joven Larsson.
Por suerte, en 1866 tuvo la oportunidad de ir a la Academia de Arte de Estocolmo; en este curso preparatorio obtuvo hasta 12 medallas por su calidad como dibujante, pudiendo así optar a un curso de dibujo antiguo. En 1871, simultaneando sus estudios en la Academia, trabaja en el estudio fotográfico de los hermanos Roesler, y como dibujante en la revista humorística Kasper.
Durante de la década de los setenta del siglo XIX, estuvo realizando numerosas ilustraciones para libros; sin embargo, alrededor de 1877, tras viajar a París por primera vez, se ve sumido en la pobreza e incluso piensa en el suicidio.
Sin embargo, dos años después cambia su suerte al conocer a la que será su musa y gran apoyo moral para el resto de su vida, la también artista Karin Bergöö; después de conocerla y casarse con ella, comienza a recibir encargos, como el de decorar el techo y las lunetas del Palacio Bolinder, en Blasieholmshammen; además, realiza varios viajes que ayudan a conformar su talante artístico, visitando sucesivamente Suecia, Italia y Londres.
En 1888 la familia Larsson se establece en la idílica 'Lilla Hyttnäs, una villa en Sundborn, aún hoy en pie, la cual reflejó innumerables veces en sus acuarelas, como símbolo de la felicidad familiar y de la prosperidad, premio a su infancia y adolescencia miserable y empobrecida.
El estilo de Carl Larsson, que bebe del realismo de Barbizon, de la tarjeta postal y del Modernismo a partes iguales, cautivó a la época por la ternura que evocan sus numerosísimas ilustraciones donde representaba a su esposa y a los siete hijos que tuvo con ella: Suzanne, Ulf, Pontus, Lisbeth, Brita, Kersti y Esbjörn, nacido en 1900. Estos niños llegaron a ser tan populares que casi fueron tomados como personajes con identidad propia del arte de entonces.
Su principal objetivo como artista era representar el "lado amable de la vida", después de toda una época de penurias: escenas cotidianas, cargadas de ternura y calidez, de su esposa con sus hijos, los niños jugando, los veranos en la playa, interiores del hogar, etc. El personal estilo de decoración de Karin y de Larsson dio como fruto una manera completamente moderna de acondicionar y estructurar una casa, de forma que fueron considerados verdaderos "diseñadores" de interiores, adelantados a su tiempo: colores cálidos, interiores plenos de luz, vajillas sencillas y demás detalles contrastaban con el estilo oscuro, recargado y victoriano de otros hogares de la misma época.
Larsson trabajó principalmente a la técnica de la acuarela, siendo más del noventa por ciento de sus trabajos totales.
Su existencia plácida y tranquila en familia fue plasmada en diferentes álbumes, que publicó con gran éxito de ventas en toda Europa.


































































miércoles, 12 de diciembre de 2012

Elisa Elvira Zuloaga


Biografía y obras:
Nació en Caracas,Venezuela el 25 de noviembre de 1900, estudió en el taller de André Lothe y en el taller del grabador inglés William Hayter en la ciudad de Paris, igualmente con Ozefant en Nueva York.
En un primer momento su obra se relaciona con el estilo de la Escuela de Caracas, aunque ella busca rasgos más interpretativos con la estilización de las formas del paisaje, lo que no se encuentra en la tradición de los paisajistas de Caracas, ha  sido una importante artista gráfica del país y en este género alcanzó la abstracción dentro de la cual se continuó expresando en la década de los 60, volviendo posteriormente al paisaje tradicional, Es considerada junto a Pedro Ángel González pionera del grabado en Venezuela  fue miembro fundador  y Presidente vitalicio del TAGA, su figura en el grabado y la pintura venezolana es la de una avanzada en la exploración lírica, su manera tan personal y consecuente  mantiene un trato constante con los estratos de la   vida terrenal que la rodea.
Murió en Caracas en 1980 la mayor parte de su taller fue donado  al TAGA siendo su obra gráfica un valiosa contribución al patrimonio artístico y cultural.
Bibliografía:
Obras Singulares del Arte en Venezuela de Juan Calzadilla























































































miércoles, 5 de diciembre de 2012

Giorgio Morandi


Biografía y obras:
(Bolonia, 20 de junio de 1890 - 18 de junio de 1964) fue un pintor italiano, considerado uno de los mejores del siglo XX de su país.
Nació en el seno de una familia en la que compartió espacio con otros siete hermanos. En 1907, tras un breve periodo laboral en la misma empresa en la que trabajaba su padre, recibió instrucción artística en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En un viaje que realizó por esa época a Florencia, descubrió la obra de los primitivos renacentistas italianos, Giotto, Masaccio y Uccello, a los que estudió siguiendo el prisma cezanesco (por Paul Cézanne), artista a quien había descubierto poco tiempo antes.
En un primer momento siguió a los futuristas y al movimiento Novecento italiano, tras establecer contacto con Boccioni y Carrà, siendo invitado a participar en la exposición futurista celebrada en el Palacio Baglioni de Bolonia, y en la muestra Libera Futurista de Roma. Tras su amistad con Giorgio de Chirico su obra comenzó a influenciarse por la de éste. En 1927 participó en la primera exposición del movimiento novecentista, vinculado con el régimen de Mussolini. Poco a poco su estilo fue definiéndose e independizándose del De Chirico. Parte esencial de su iconografía comenzaron a ser los utensilios de la vida diaria: vasos, botellas, etc. Dichos objetos, colocados sobre una mesa, se convertían en los máximos protagonistas de sus cuadros. Seguía así a su admirado Cézanne en la elección de los bodegones sencillos como medio de expresión de su pintura.
En 1945 se celebró su primera exposición individual, en la galería Fiore de Florencia. Entre 1930 y 1956 Morandi fue profesor de grabado en aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. En 1948 fue premiado con el primer premio en la Bienal de Venecia. Visitó por primera vez París en 1956, siendo galardonado al año siguiente con el gran premio en la Bienal de São Paulo.
En 1960 el director Federico Fellini rendiría tributo a Morandi en su largometraje La Dolce Vita, donde aparecían algunas de sus pinturas.
Giorgio Morandi fallecería en 1964 en su ciudad natal. En el año 2001 el Museo Morandi abriría sus puertas en una sección del Palazzo d'Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.























































































miércoles, 28 de noviembre de 2012

Georges Mathieu


Biografía y obras:
 (Boulogne-sur-Mer, Francia, 27 de enero de 1921 - 10 de junio de 2012) fue un pintor y publicista francés.
Tras estudiar Filosofía y Derecho, comenzó a pintar en 1942. En 1947 se estableció en París, y en la década de 1950 adquirió fama internacional como uno de los máximos representantes del Expresionismo abstracto.
Es en París donde comenzó a exponer sus obras, realizadas a base de manchas espontáneas de color, pero su gran innovación fue la introducción de fulgurantes improvisaciones de trazos caligráficos, que aparecen en su pintura ya a finales de la década de 1930. Considerando la pintura como una «pura manifestación del ser», y más pura cuanto mayor era la velocidad con la que el artista creaba su obra, convierte su pintura en espectáculo al elaborar sus creaciones a gran escala, en público y en muy breve tiempo, anticipando de este modo los fenómenos artísticos conocidos bajo las denominaciones «happening» y «action painting». Así, en el teatro Sarah Bernardt de París realizó un cuadro de tres metros en menos de una hora, y en Tokio otro de doce metros en veinte minutos.
Resulta característica de este autor la elección de los títulos de sus cuadros tomando como base batallas y hechos históricos de la historia de Francia, de ahí denominaciones tales como La muerte de Felipe el Atrevido (1952), La batalla de Bouvines (1954) y Los Capetos doquiera que sea (1954).

























































miércoles, 21 de noviembre de 2012

Frank Stella


Biografía y obras:
 (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía.
Inició sus estudios artísticos en la Phillips Academy y en la Universidad de Princeton, viéndose influido por las obras de Noland, especialmente por sus «cuadros recortados» que estaban pintados con colores planos o bandas monocromas. Se dio a conocer con la exposición «Sixteen Americans», que organizó el MoMA en 1959. Al renunciar al expresionismo abstracto, Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.
A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.
En 1960 presenta su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. En 1962 exhibe en una muestra colectiva en el Museo Whitney de Nueva York y en 1963 es nombrado artista residente en el Dartmouth college de New Hampshire.
Entre otras tantas exposiciones colectivas que se realizaron durante la década de los sesenta, Stella participó en algunas de las más importantes, relacionadas con la nueva abstracción y el arte minimalista, como por ejemplo, «Toward a New Abstraction» (Museo Judío de Nueva York, 1963) o «Systemic Painting» (Museo Guggenheim de Nueva York, 1966).
Participó en la VIII Bienal de São Paulo (1965) con otros artistas norteamericanos. Ese mismo año participa del Premio Internacional Torcuato Di Tella, en Buenos Aires, con tres de sus pinturas de marcos recortados. En 1968 participó en la documenta 4 de Kassel con los grabados hechos en Gemini GEL junto al maestro impresor Kenneth Tyler, con quien seguirá trabajando hasta la actualidad. En 1969 expone en el Museo Metropolitano de Nueva York. En 1970 se celebró una retrospectiva en el MoMA. Estuvo en la Bienal de Venecia en 1972 y en 1977, en la documenta 6 de Kassel.
Desde mediados de los años ochenta hasta mediados de los noventa, Stella creó un gran corpus de obras que responde en términos generales al Moby-Dick de Herman Melville. Durante esta época, el creciente relieve de las pinturas de Stella dio paso a una plena tridimensionalidad, con formas escultóricas derivadas de conos, pilares, curvas francesas, olas, y elementos arquitectónicos decorativos. Para crear estas obras, el artista usó collages o maquetas que eran luego agrandadas y recreadas con ayudantes, cortadores de metal industriales y tecnología digital. En los años noventa, Stella comenzó a realizar esculturas para espacios públicos y desarrollar proyectos arquitectónicos. En 1993, por ejemplo, creó todo un esquema decorativo para el Teatro Princesa de Gales de Toronto, que incluye un enorme mural. El artista vive y trabaja en la Manhattan, Nueva York.
















































































miércoles, 14 de noviembre de 2012

Frans Hals

Biografía y obras:
(Amberes, h. 1580-Haarlem, actual Países Bajos, 1666) Pintor holandés. Sus padres, de origen flamenco, se establecieron en 1591 en Haarlem, ciudad en la que se formó como pintor y donde desarrolló la totalidad de su carrera. En 1610 aparece ya inscrito en la guilda y, a partir de 1620, recibió multitud de encargos que le permitieron desplegar una gran actividad pictórica.

Pese a ello, tuvo siempre dificultades económicas, que se han achacado a su condición de bebedor empedernido, fama que le acompañó siempre, aunque no es absolutamente seguro que responda a la realidad. Se casó en dos ocasiones, tuvo diez hijos o más y al final de su larga vida su penuria era tal que el ayuntamiento de Haarlem le concedió un modesto subsidio económico para que pudiera subsistir.
El banquete de los oficiales de la milicia cívica de San Jorge, pintado en 1616, constituye el punto de partida de su estilo más característico: el de retratista de grupo que capta a sus personajes, no en alineación estática como hasta entonces, sino en el momento de participar conjuntamente en una actividad común, a menudo un banquete.
El éxito de esta obra le supuso recibir numerosos encargos más en la misma línea, cuya culminación la constituyen dos indiscutibles obras maestras: Los regentes del asilo y Las regentes del asilo, en las cuales Hals utilizó dramáticamente los contrastes de blanco y negro.

El artista compaginó la realización de estas obras con retratos individuales, efectuados por encargo o por el mero placer de pintar (mujeres, bebedores, ciegos), que destacan por la inmediatez, tanto en la captación del modelo (plasmado en un gesto, en una actitud fugaz) como en la aplicación de la pincelada (se cree que nunca trazó dibujos preparatorios). Su pintura de toques, de puro color, fue ignorada durante las dos centurias siguientes, pero sirvió de inspiración, en el siglo XIX, a los precursores del impresionismo.