martes, 28 de febrero de 2012

Robert Anning Bell



Biografía y obras:
 (14 de abril 1863 - 1933) fue un artista y diseñador Inglés. Nació en Londres en 1863, hijo de Robert George Bell, un quesero, y María Charlotte Knight. Estudió en la University College School , el Colegio Westminster de Arte y la Royal Academy Schools, seguido por un tiempo en París. A su regreso, compartió un estudio con George Frampton . Con Frampton, diseñó una serie de diseños para un retablo que se expusieron en las Artes y Oficios de la Sociedad de Exposiciones y posterior instalado en la Iglesia de Santa Clara, el Liverpool . De 1895 a 1899 Bell fue instructor en la Universidad de Liverpoolescuela de arquitectura. Durante este tiempo él llegó a ser asociado con la cerámica de Della Robbia en Birkenhead y también se estaba convirtiendo cada vez más éxito como diseñador e ilustrador de libros. En 1911, Bell fue nombrado jefe de la sección de diseño en la Escuela de Arte de Glasgow , y desde 1918 hasta 1924 fue profesor de diseño en el Royal College of Art . Continuó pintando y expone en la Real Academia , el Club de Arte de Nueva Inglés y la Real Sociedad de Pintores de Acuarelas .
































martes, 21 de febrero de 2012

Alfred Sisley


Biografía y obras:
 (París, 30 de octubre de 1839 - Moret-sur-Loing 29 de enero de 1899) fue un pintor impresionista franco británico.
De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Empieza a pintar como aficionado e ingresa en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille. La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882.
Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.
Sisley nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.















































martes, 14 de febrero de 2012

Tom Wesselmann


Biografía y obras:
 (Cincinnati, Ohio, 23 de febrero de 1931 – Nueva York, 22 de diciembre de 2004) fue un pintor de pop-art estadounidense. Hasta su fallecimiento, Wesselmann era uno de los últimos grandes maestros del pop-art americano en activo, muy popular por sus audaces e impactantes desnudos femeninos.
Se matriculó para la carrera de Psicología en 1951, pero al año siguiente fue llamado a filas por la guerra de Corea. Sin embargo, finalmente fue destinado a Fort Riley, en Kansas.

Creó tiras de cómic sobre la vida militar, y posteriormente diversificó sus temas. Abandonó el Ejército (1954), reanudó la carrera de Psicología y se licenció en 1956. Fue entonces cuando se trasladó a Nueva York para dedicarse al cómic. Estudió en la Cooper Union School of Art and Architecture hasta 1959.

Sus primeros tanteos como pintor, bajo influencia de Willem de Kooning, se mueven en el expresionismo abstracto entonces en boga. En 1959 elaboró sus primeros collages abstractos, pero pronto se interesó por la figuración de Matisse, Van Gogh y Modigliani, y al año siguiente pintó sus primeras obras figurativas, incluyendo paisajes.
Su primera muestra individual, en la Tanager Gallery de Nueva York, tuvo lugar en 1961. Ese mismo año inició su extenso ciclo de Great American Nudes (Grandes desnudos americanos). Los primeros eran collages de formato reducido, pero los posteriores los realizó al óleo (proviene del latín oleum que significa aceite) y con colores acrílicos en grandes formatos. En algunos de ellos incorporó objetos reales. En fechas posteriores, Wesselmann produjo series sobre fumadores así como enormes bodegones con elementos de la vida cotidiana, como electrodomésticos, botellas, helados... Experimentó con la escultura, por medio de planchas recortadas.

Su producción gráfica es amplia y abarca varias técnicas (litografía, serigrafía, aguatinta).
Protagonizó una sonada antológica en Japón en 1993-94.




















martes, 7 de febrero de 2012

Antoni Tàpies (1923 - 2012) (II)

                                                                                 Lunes 6 de Febrero de 2012
Antoni Tàpies, uno de los maestros del arte de vanguardia del siglo XX y nombre imprescindible de la historia del arte español, ha muerto hoy a los 88 años. Tàpies nació en Barcelona en 1923 en una familia burguesa involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despertó muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura. Esta predisposición se vió acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inició sus tanteos artísticos.
Progresivamente se dedicó con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acabó dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya exponía sus obras, que destacaban en la panorámica artística del momento.
Pintura matérica
Partícipe de una sensibilidad generalizada que afectó a los artistas de ambos lados del Atlántico, a raíz de la II Guerra Mundial y del lanzamiento de la bomba atómica, Tàpies expresó muy pronto un interés por la materia, la tierra, el polvo, los átomos y las partículas, que se plasmó formalmente en el uso de materiales ajenos a la expresión plástica academicista y en la experimentación de nuevas técnicas.
Las pinturas matéricas forman una parte sustancial de su obra. Tàpies creía que la noción de materia debía entenderse también desde la perspectiva del misticismo medieval como magia, mimesis y alquimia. En este sentido hay que entender el deseo del artista de que sus obras adquieran el poder de transformar nuestro interior.
Durante los años cincuenta y sesenta fue elaborando una serie de imágenes, generalmente extraídas de su entorno inmediato, que aparecerán en las distintas etapas de su evolución. Muchas veces, una misma imagen, además de aparecer representada de diversas formas, tiene múltiples significaciones diferenciadas que se irán superponiendo. Su mensaje se centra en la revaloración de lo que se considera bajo, repulsivo, material (no en vano Tàpies escoge a menudo temas tradicionalmente considerados desagradables y fetichistas, como un ano defecando, un zapato abandonado, una axila, un pie...).
Denuncia y protesta
Su obra fue siempre permeable a los acontecimientos políticos y sociales del momento. A finales de los años sesenta y principios de los setenta, su compromiso político contra la dictadura de Franco se intensificó, y las obras de este período tienen un marcado carácter de denuncia y protesta. Coincidiendo con la eclosión del arte povera en Europa y el posminimalismo en EE.UU., Tàpies acentuó su trabajo con objetos, no mostrándolos tal como son, sino imprimiéndoles su sello e incorporándolos a su lenguaje. A principios de los ochenta, una vez restaurado el Estado de Derecho en España, el interés de Tàpies por la tela como soporte adquiere una fuerza renovada.
Durante esos años realiza obras con goma-espuma o con la técnica del aerosol, utiliza barnices y crea objetos y esculturas de tierra chamoteada o de bronce, y se mantiene muy activo en el campo de la obra gráfica. Por otra parte, a finales de los ochenta parece reforzarse su interés por la cultura oriental, una preocupación que ya se había ido gestando en los años de la posguerra y que se convierte cada vez más en una influencia filosófica fundamental en su obra, por su énfasis en lo material, por la identidad entre hombre y naturaleza y por la negación del dualismo de nuestra sociedad. Igualmente, Tàpies se siente atraído por una nueva generación de científicos, capaces de apoyar una visión del universo que entiende la materia como un todo, sometido al cambio y la formación constantes.
Reflexión sobre el dolor
Las obras de los últimos años constituyen esencialmente una reflexión sobre el dolor -físico y espiritual-, entendido como parte integrante de la vida. Influido por el pensamiento budista, Tàpies considera que un mayor conocimiento del dolor permite dulcificar sus efectos, y de este modo, mejorar la calidad de vida.
El paso del tiempo, que ha sido una constante en su obra, adquiere ahora nuevos matices, al vivirse como una experiencia personal que comporta un mejor autoconocimiento y una comprensión más clara del mundo que le rodea. Durante estos últimos años consolidó un lenguaje artístico que, por una parte, traduce plásticamente su concepción del arte, y por otra, unas preocupaciones filosóficas renovadas con el paso del tiempo. Su práctica artística siguió siendo permeable a la brutalidad del presente, a la vez que ofrecía una forma que, pese a su ductilidad, permanecía fiel a sus orígenes. En este sentido, las obras de los últimos años no sólo se inscriben en la contemporaneidad, sino que también son un registro del pasado del artista.
Obra gráfica y ensayo
Paralelamente a la producción pictórica y objetual, Tàpies fue desarrollando desde 1947 una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. En este sentido, vale la pena destacar que el artista realizó un gran número de carpetas y libros de bibliófilo en estrecha colaboración con poetas y escritores como Alberti, Bonnefoy, Du Bouchet, Brodsky, Brossa, Daive, Dupin, Foix, Frémon, Gimferrer, Guillén, Jabès, Mestres Quadreny, Mitscherlich, Paz, Saramago, Takiguchi, Ullán, Valente y Zambrano, entre otros.
Asimismo desarrolló una tarea de ensayista que dió lugar a una serie de publicaciones, algunas traducidas a distintos idiomas: La práctica del arte (1971), El arte contra la estética (1977), Memoria personal (1983), La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista (1989), El arte y sus lugares (1999) y Valor del arte (2001).










Georges Seurat


Biografía y obras:
(París, 2 de diciembre de 1859 – 29 de marzo de 1891) fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX.
A pesar del humilde trabajo de su padre, que era alguacil, su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos. Su padre era nativo de Champaña y su madre era parisina. En 1875 Seurat ingresa en la escuela municipal de dibujo, en la clase del escultor Justin Lequien. Aquí conoce a Edmond Aman-Jean, con el que mantuvo una estrecha amistad toda su vida. En 1878, gracias a Edmond, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudiará hasta 1879. A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres. Consciente de ello, inicia su trabajo en el Louvre con gran intensidad copiando las obras maestras de Rafael, Holbein y Poussin. Interesado en adquirir mayores conocimientos técnicos estudia con detenimiento "La loi du contraste simultané des couleurs", y aplica sus conocimientos técnicos en su arte. Seurat creó la técnica de puntillismo que fue utilizada sólo por él y por sus mas intimos loos.
Después de un año de servicio en la academia militar de Brest, regresó a París en 1880. Su estancia en Brest le permite descubrir la fuerza del mar que tendrá tanta importancia en su pintura. Una vez en París, compartió un pequeño estudio en la ribera izquierda del Sena con Aman-Jean y Ernest Laurent antes de mudarse a su estudio propio. Durante los siguientes dos años se dedicó a perfeccionar el arte del dibujo en blanco y negro y las propiedades físicas de la luz. Su precaria situación económica le obliga a tener que recurrir a la venta de sus cuadros pero sin necesidad de adaptarse al gusto de sus clientes. Durante 1883 inició su primer gran obra, un enorme lienzo titulado Un baño en Asnieres que en 1886 fue vendido al Louvre. Después que su pintura fuera rechazada por el Salón de París, Seurat se negó a presentarla en establecimientos como el Salón, aliándose con los artistas independientes de París. En 1884 él y otros artistas (incluyendo a Maximilien Luce ) formaron la Société des Artistes Indépendants.1 Allí conoció y estableció una amistad con su compañero artista Paul Signac. Seurat compartió sus nuevas ideas acerca del puntillismo con Signac, quien posteriormente pintó con la misma técnica. En el verano de 1884 Seurat comenzó la creación de su obra maestra "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", que le llevó dos años completar. Su cuadro se expone en 1886 junto a otras obras de pintores de su grupo. Con este cuadro nace el término puntillismo, o técnica de la mezcla óptica de los colores.
En verano de 1885 Seurat pinta en Grandcamp un conjunto de paisajes marinos, en que perfecciona la técnica puntillista. Uno de estos cuadros, "Le bec du Hoc à Grandcamp" fue, al parecer, la única obra vendida por el autor en vida al precio de 300 francos. Durante los años siguientes Seurat continua con su estilo particular llegando a realizar obras puntillistas incluso con personas. Al mismo tiempo, su obra continúa sin ser entendida por el público y por los críticos llegando a causar escándalos pero a la vez, es apoyado por sus compañeros neo-impresionistas.
En 1889 realiza el cuadro "La torre Eiffel" monumento que le fascinaba. A partir de este momento Seurat empieza a aislarse cansado de las polémicas que rodean su obra y de las disensiones con los propios miembros del grupo artístico. Después se mudó del bulevar de Clichy a un estudio cercano más tranquilo donde vivió secretamente con una joven modelo, Madeleine Knobloch, que en febrero de 1890 dio a luz al hijo del artista. No fue sino hasta dos días antes de su muerte que presentó su joven familia a sus padres. Tras la muerte de Seurat, Madeleine dio a luz a su segundo hijo, cuyo nombre es desconocido. Seurat, tenía varias amantes que sin su esposa se enterara ; tuvo más de 15 hijos no reconocidos y según parece estos han creado polémicas sobre quien se quedaría con su gran fortuna.
Seurat murió de difteria a la temprana edad de 31 años, y fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise. Su muerte evitó que completara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores. Su último trabajo ambicioso, "El circo", quedó incompleto.
Seurat toma de los teóricos del color la noción de un acercamiento científico a la pintura. Seurat creía que un pintor podía usar el color para crear armonía y emoción en el arte de la misma forma que los músicos usan variaciones del sonido y el tiempo para crear armonía en la música. Seurat teorizó que la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural, y se condujo a probar esta conjetura. Él pensaba que el conocimiento de la percepción y de las leyes ópticas podría ser utilizado para crear un nuevo lenguaje artístico basado en su propio sistema de heurística y comenzó a mostrar esta lengua usando líneas, y esquema e intensidad del color. Seurat llamó a este lenguaje Cromoluminarismo.
Su carta a Maurice Beaubourg en 1890, captura sus sentimientos sobre el acercamiento científico a la emoción y la armonía. Afirmó que "El arte es armonía. La armonía es la analogía de los contrarios, y de similares elementos del tono, del color, y de la línea, considerados a través su dominancia y bajo la influencia de la luz en combinaciones alegres, serenas o tristes".
Las teorías de Seurat pueden ser resumidas de esta forma: La emoción de la alegría puede ser alcanzada por la dominación de tonalidades luminosas, por el predominio de colores cálidos, y por el uso de las líneas dirigidas hacia arriba. La calma se alcanza a través de un uso equilibrado de la luz y la oscuridad, por el balance entre colores fríos y cálidos, y por líneas horizontales. La tristeza se alcanza utilizando colores oscuros y fríos y líneas que señalan hacia abajo.