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martes, 21 de diciembre de 2010


Feliz Navidad y Próspero 2011!!

Merry Christmas and Happy 2011!!

Joyeux Noël et prospère 2011!!

Edward Hopper



Biografía y obras:
Nacido en Nyack, una pequeña ciudad a orillas del río Hudson en una familia culta y burguesa, Hopper entra en 1900 en la New York School of Art. En ese instituto coincidirá con otros futuros protagonistas del arte americano de principios de los años 1950: Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows.
Sin embargo los contactos que resultarán fundamentales para su formación y para su desarrollo como pintor serán tres de los profesores de la escuela: William Merrit Chase, que le animó a estudiar y a copiar lo que veía en los museos; Kenneth H. Miller, que le educó en el gusto por una pintura nítida y limpia, organizada en una composición espacial ordenada; Robert Henri, que contribuyó a liberar el arte de la época del peso de las normas académicas, ofreciendo de ese modo un ejemplo activo al joven Hopper.
Tras conseguir su título, Hopper obtuvo su primer trabajo como ilustrador publicitario en la C. Phillips & Company.
En 1906 viaja a Europa por primera vez, visitando París, en donde experimentará con un lenguaje formal cercano al de los impresionistas, y siguiendo su viaje en 1907 fue a Londres, Berlín y Bruselas.
El estilo personal e inconfundible de Hopper, formado por elecciones expresivas precisas, emerge y se forma en 1909, cuando decide regresar a París durante seis meses, pintando en Saint-Gemain y Fontainebleau.
Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego entre las luces y las sombras, por la descripción de los interiores, que aprende con Degas y que perfecciona en su tercer y último viaje al extranjero, a París y a España, en 1910 y por el tema central de la soledad.
Mientras en Europa se consolidaban el fauvismo, el cubismo y el arte abstracto, Hopper se siente más atraído por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un pintor español anterior a todos los mencionados: Goya.
Regresa definitivamente a los Estados Unidos, donde se establecerá y permanecerá hasta su muerte, en estos momentos Hopper abandona las nostalgias europeas que le habían influido hasta entonces y empieza a elaborar temas en relación con la vida cotidana norteamericana, modelando y adaptando su estilo a la vida cotidiana. Entre los temas que aborda, abundan sobre todo las representaciones de imágenes urbanas de Nueva York, de los acantilados y playas de la cercana Nueva Inglaterra.
En 1918 se convierte en uno de los primeros integrantes del Whitney Studio Club, el centro más dinámico para los artistas independientes de la época.
Entre 1456 y 18923 abandona temporalmente la pintura, dedicándose a nuevas formas expresivas como el grabado, usando la punta seca y el aguafuerte, con los que obtendrá numerosos premios y reconocimientos, incluso alguno de la prestigiosa National Academy.
El éxito conseguido con una exposición de acuarelas (1923) y otra de lienzos (1924) hacen de Hopper el autor de referencia de los realistas que pintaban escenas americanas.
Su evocadora vocación artística evoluciona hacia un fuerte realismo, que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos.
Imágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio, en un espacio real y metafísico a la vez, que comunica al espectador un sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que está inmerso bastante fuerte. Hopper consigue esto por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente "artificiales", y por una extraordinaria síntesis de los detalles. La escena aparece casi siempre desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y cuando hay más de uno lo que destaca es la alienación de los temas y la imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad. Un ejemplo de este tipo de obras es Nighthawks.
En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum la segunda, en 1950.
Hopper muere el 25 de enero de 1968 en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square.










martes, 14 de diciembre de 2010

Ursula Von Rydingsvard




Biografía y obras:

Ursula Von Rydingsvard vive y trabaja en Nueva York. Nació en Deensen, Alemania en 1942. Su padre, campesino y leñador ucraniano y su madre, polaca, fueron expulsados de Polonia por los nazis y llevados a Alemania en 1938, pasando hasta 1950 de un campamento a otro. Ursula, la quinta de siete hijos, nació en 1942 cerca de Deensen, Alemania. La familia emigró a los EE.UU. en 1950, pero las imágenes y experiencias del período vivido en el campo de refugiados, están impresos en su obra escultórica. Ursula obtuvo una licenciatura y una maestría de la Universidad de Miami, Coral Gables (1965), un MFA de la Universidad de Columbia (1975), y un doctorado honorífico de la Maryland Institute College of Art, Baltimore (1991). Comenzó su carrera artística a mediados de la décadadel 70, decepcionada de los que denominó el “carácter antiséptico” del minimalismo, buscó una manera de expresarse estableciendo mayor contacto y sentido del drama personal en su obra. Sus creaciones, entonces, si bien conservaron aspectos minimalistas -unidades esenciales como las vigas de cedro, la repetición rítmica de elementos y sus referencias arquitectónicas- aludieron, además, a la historia, el mito y su sensación individual.

Ursula dice: “En mi hogar no se hablaba mucho. Mis padres sólo intercambiaban palabras para asignar el trabajo: “Esto es lo que usted tiene que hacer, y así es como debe hacerlo.” Las palabras eran escasas y, de hecho, cualquiera que hablara demasiado se convertía en sospechoso.“

“Obviamente era imposible ser consciente de que iba a ser artista porque nunca oí hablar de nada así hasta que vine a los Estados Unidos. Bebí el mundo a través de los medios visuales -fue una enorme fuente de información. "Los míos no son, definitivamente, objetos utilitarios. Pero aprendo de ellos. Aprendo de todo aquello que sea autóctono. Amo las cosas de madera que utilizo como el tarika- que es una tabla de lavar-, los cuencos, las cucharas de madera, los grandes potes. Son muy primitivos, muy rudimentarios. . ."

"La madera es mi forma de hablar. Puedo comunicarme a través de ella. Es buena conmigo cuando la utilizo bien. A veces me saca de quicio. Soy prudente y maliciosa en el modo de movilizarla, pero también he sido perezosa. (...) provengo de muchas generaciones de campesinos polacos cuyas vidas estaban rodeadas de madera: sus casas, los objetos domésticos dentro de estas casas y los aperos de labranza."

"Quiero hacer algo que me emocione. Eso puede sonar vago y pequeño, pero para mí no es tan vago. Para mí es específico, y es especialmente productivo si he hecho algo que suscita otras preguntas."

"...siempre intento plantear más preguntas incluso, porque no quiero llegar a ninguna conclusión. No existe tal cosa."

"Preferiría pegarme un tiro a ceñirme a cualquier tipo de diseño hecho por mí. Realmente no he diseñado nada, porque eso me hace sentir como si me condenara a un final artificial. Al no partir de un modelo, tengo miles de oportunidades de andar a tientas en el proceso de construcción. Es como levantar los brazos hacia el sol. Puede ser todo lo que yo necesito. "

Premios:

Von Rydingsvard ha recibido numerosos premios, entre ellos un Premio Joan Mitchell (1997), un Premio de la Academia Americana de las Artes y las Letras (1994); las becas de la Fundación John Simon Guggenheim (1983) y la National Endowment for the Arts (1979, 1986), y premios de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (1992, 2000). Major exhibitions include Madison Square Park, New York (2006); the Neuberger Museum, Grandes exposiciones incluyen el Madison Square Park, Nueva York (2006), el Museo Neuberger, SUNY Purchase, New York (2002); and Storm King Art Center, Mountainville, New York (1992).

Bibliografía: http://www.revistadeartes.com.ar/xiv-escultura-ursula.html





martes, 7 de diciembre de 2010

Anish Kapoor


Biografía y obras:

Anish Kapoor ( Bombay, 1954 ) es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de los 70, cuando se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.

Se educó en sus primeros años en India en la "Doon School". Más tarde se muda a Bretaña y concurre al "Hornsey College of Art" y al "Chelsea School of Art & Design" en el RU.

Kapoor alcanzó rápidamente fama desde 1980. Desde entonces ha ganado la aclamación internacional, exhibiendo ampliamente en todo el mundo en lugares como la Tate Gallery y la Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Munich, Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK Viena, el ICA de Boston y el Kunsthale de Basilea.

Exposiciones únicas de su trabajo se han celebrado en la Tate y Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea en Suiza, el Reina Sofía en Madrid, la Galería Nacional en Ottawa, Musée des Arts contemporains (Grand-Hornu) en Bélgica, el Museum of Contemporary CAPC Arte en Burdeos y en el Centro Cultural Banco do Brasil en Brasil. Sus trabajos se exponen en todo el mundo, en particular: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate Modern de Londres, Fundación Prada en Milán, Guggenheim en Bilbao, De Pont Foundation en los Países Bajos, y Siglo 21 Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa , Japón.

Kapoor representó a Bretaña en la XLIV Bienal de Venecia en 1990, cuando le fue concedido el Premio Duemila y en 1991 recibió el Premio Turner. Ha llevado a cabo una serie de grandes instalaciones en macro escala y comisiones incluidas Marsia para el Salón de la turbina, que Cecil Balmond (aclamado de la empresa de ingeniería ARUP) le ayudó a colocar , la Tate Modern. Aclaimed public sculptures include “ Cloud Gate' ”, Millennium Park, Chicago, and Sky Mirror at the Rockefeller Centre, New York. Aclaimed público incluyen esculturas "Puerta de Nubes", Millenium Park, Chicago, y el espejo del cielo en el Rockefeller Center, Nueva York. Se le concedió un CBE en 2003.

Kapoor tiene obras ubicadas en la Lisson Gallery,Londres; Gladstone Galería, Nueva York y la Galería Continua, y en la Galleria Massimo Manini, de Italia.

En 2009, Anish Kapoor, Carsten Höller y Giuseppe Penone se pidió la creación de tres "obras permanentes, el emplazamiento, en armonía con la luz y los colores" del Parque Nacional Pollino, el parque nacional más grande en Italia, como la primera edición del proyecto "ArtePollino-Another South”. Kapoor trabajo, "Cinema di Terra" (Tierra Cine), en la zona de spa termal activa de Latronico, es una 45m corte largo y 3 m de profundidad de ancho y 7 metros en el paisaje de hormigón y de la tierra. La gente puede entrar por ambos lados y caminar por ella hasta llegar a una pequeña plaza desde donde se puede ver el paisaje desde el interior. Cinema di Terra abrió oficialmente al público en septiembre de 2009.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Anish_Kapoor












martes, 30 de noviembre de 2010

Manuel Cabré


Biografía y obras:

Nació en Barcelona, España, el 25 de enero de 1890 y falleció en Caracas el 28 de febrero de 1984. Vino a Venezuela con su padre el escultor y artista decorador catalán Ángel Cabré i Magriñá (1863-1940), quien había sido invitado por el presidente Joaquín Crespo para realizar trabajos en las obras públicas de la llamada Caracas crespista. Fiel a la tradición ancestral, Manuel Cabré se inclina por la pintura y cursa sus primeros estudios en la Academia de Bellas Artes de Caracas, desde 1904. Fue miembro fundador del Círculo de Bellas Artes. Viaja a París en 1920 y permanece una década en Francia. Fue director del Museo de Bellas Artes de Caracas (1942-1946). Obtiene el Premio Nacional de Pintura en el XII Salón Anual de Arte Venezolano, en 1951. Entre las exhibiciones más relevantes del artista deben ser citadas la Exposición Retrospectiva (1910-1965), en la Sala de Exposiciones de la Fundación Mendoza, 1965; la Exposición Retrospectiva (1915-1971), MBA, 1971; la exposición homenaje "Cabré el otro", en la GAN, 1980, y la retrospectiva "Obras Maestras de Manuel Cabré (1914-1975)", en el MACC, 1980.Entre las recompensas que obtuvo, recibió la Orden Andrés Bello, en su primera clase, en 1971; y la Orden Francisco de Miranda, en su primera clase, en 1978, con motivo del 40 Aniversario del Museo de Bellas Artes de Caracas, junto a los demás ex-directores de esta institución.

Bibliografía: www.bcv.org