Darío Ortiz Robledo

Biografía y obras:

(Ibagué, 12 de septiembre de 1968) es un pintor y escritor colombiano. Se graduó del Colegio San Tarsicio de Bogotá en el año 1986.1 Artista neo-realista colombiano conocido por sus composiciones basadas en temas clásicos.

Desde 1987 publica textos breves sobre arte y es colaborador del diario tolimense El Nuevo Día desde 1995. Entre sus publicaciones se cuentan los libros Oscar Rodríguez Naranjo, el pintor de la belleza (1996), Neorealism art for a new century 2000, en colaboración con Carol Damian y los ensayos Los dibujos de Vásquez de Arce y Ceballos (2007), Breve historia de las artes plásticas en el territorio del Tolima (2007), Una novela pintada (2008), El tableautin: esos curiosos cuadros pequeños y su presencia en la obra de Borrero Álvarez (2008), Arte y Cultura (2011) libro de ensayos dentro de los Textos históricos de la colección de pensamiento tolimense, publicado por la Academia de historia del Tolima. En 2003 funda el Museo de Arte del Tolima institución que preside desde entonces.

Pintor autodidacta, expone individualmente desde los 18 años en 1987 y de manera colectiva desde 1984. Ha realizado un centenar de exposiciones colectivas en más de 20 países y una treintena de exposiciones individuales en Italia, Estado Unidos, Francia, Austria, Eslovaquia, China, Corea del sur, Argentina, Ecuador, Venezuela y Colombia. Siendo representativas la muestra Darío Ortiz pittore e disegnatore, en el Museo Civico di Abano Terme en Padova Italia en el 2001; la muestra del mismo año en el Castillo-Museo Fürsteinberg de Weitra Austria; las Crónicas de guerra expuestas en el Kulturzentrum El Arcángel de la Ciudad de Viena, Austria del año siguiente; El tiempo una entelequia, realizada en año 2003 en el Palacio Presidencial de Bratislava en Eslovaquia; La condición humana en la Galería Mundo de Bogotá en 2006 y en las ferias ArtBo 2006 de Bogotá y FIA 2007 de Caracas; Mitología Intima y Ventana al Mundo expuestas en Museos de Colombia y Ecuador 2008 y 2009 ; y más recientemente la serie de aguafuertes Los versos apócrifos de Dante expuesta en el Museo Maguncia de Argentina y en varios museos colombianos.

En el V Festival Latinoamericano de cine de New York del año 1996 se estrena el Video Darío Ortiz, Hacia la renovación del Mito Dirigido por Gustavo de la Hoz y en 1998 Editorial Pijao lanza en el Museo Nacional de Colombia un libro monográfico sobre su pintura. Su obra ha sido ganadora de premios en el XXI Salón de Agosto en Bogotá, el II mundial Artistique Art-Vie en París, el XI Premio Italia per le arte visive en Florencia y más recientemente en la II Bienal Internacional de dibujo de Bogotá. En diciembre de 2002 fue editada en Colomnbia la estampilla Navidad 2002 con una de sus pinturas más conocidas. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas como el MOLAA Museo de Arte Latinoamericano de los Ángeles, el Palacio Presidencial de Bratislava en Eslovaquia, el Museo Civico di Abano Terme en Italia, el Museo de Arte Contemporáneo de Guayaquil, el Museo Maguncia de Buenos Aires, el Museo de Antioquia en Medellín y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, entre otros.

Bibliografía: https://es.wikipedia.org/wiki/Dar%C3%ADo_Ortiz_(pintor)

Carlos Cruz Diez

Biografía y obras:

 Es uno de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial. Nació en Caracas, Venezuela, el 17 de agosto de 1923 aunque vive y trabaja en París desde 1960.

Su investigación ha aportado al arte una nueva forma de conocimiento sobre el fenómeno del color, ampliando considerablemente su universo perceptivo. Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello (OAB). En el 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation dedicada a la conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual.

Cruz-Diez propone concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio real sin ayuda de la forma o necesidad de soporte. Su trabajo abarca ocho investigaciones: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espace.

En 1940 estudia en la Escuela de Bellas Artes de Caracas donde obtiene el diploma de profesor de Artes Aplicadas. Para 1944 trabaja como diseñador gráfico de la Creole Petroleum Corporation aunque también ilustra otras publicaciones y realiza comics para diversos periódicos venezolanos. Asimismo, fue director creativo de la agencia publicitaria McCann-Erickson Venezuela (1946) e ilustrador del periódico El Nacional (1953). En 1957, después de breves viajes a Nueva York y París (donde visita la exposición de 1955 Le Mouvement en la Galerie Denise Réne), funda el Estudio de Artes Visuales, dedicado al diseño gráfico e industrial. En 1959, un año antes de instalarse definitivamente en París con su familia, realiza su primer Couleur Additive y  Physichromie. Para 1961 participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam donde también colaboraron artistas como Allan Kaprow, Calder, Moholy-Nagy, Robert Rauschenberg, Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Victor Vasarely, entre otros.  En 1965 lo nombran Asesor en el Centro Cultural Noroit, en Arras, Francia y este mismo año participa en The Responsive Eye en el Museum of Modern Art de Nueva York, exposición que supone la consagración oficial del arte cinético.

De 1972 a 1973, Cruz-Diez ejerce como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París. Entre 1986 y 1993 es profesor titular del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas. En 1989 se publica en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color, basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una "realidad autónoma en continua mutación". Para 1997 es nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, que tiene como objetivo estudiar, difundir, coleccionar y conservar el trabajo de diseñadores y artistas gráficos nacionales e internacionales relacionados a la estampa y el diseño. En el 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation dedicada a la conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual. En el 2008, dos años antes del 50 aniversario de su llegada a París, Cruz-Diez adquiere la nacionalidad francesa. Para el 2011 inaugura su mayor exposición retrospectiva “Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time” en el Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston en Estados Unidos y en el 2012 recibe el grado de Oficial del Ordre national de la Légion d’honneur.

Su obra forma parte de las colecciones permanentes de museos tales como: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York; Tate Modern, Londres; Centre GeorgesPompidou, París; Museum of Fine Arts, Houston; Wallraf-Richartz Museum, Colonia; Musée d’Art Moderne de la Ville de París, entre otros.

Bibliografía:  https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Cruz-Diez

Antonio Berni

Biografía y obras:

(Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) Pintor argentino. Tras un período de búsquedas en Europa, cuya etapa más singular fue el aporte expresionista, Berni se inclinó hacia el realismo, poniendo su pintura al servicio del ideal humano y social. Sus dotes artísticas le llevaron, a la temprana edad de diez años, a ingresar como aprendiz en un taller de vidrieras policromadas. En el taller aprendió las primeras nociones de dibujo, disciplina que cursó más tarde también en Rosario. A los quince años Berni ya tenía muy claro cuál era su vocación y realizó una primera exposición con paisajes y retratos que le valieron la consideración de niño prodigio. Fue invitado a exponer hasta cuatro veces, en Rosario y en Buenos Aires, antes de recibir una beca para realizar un viaje de estudios a Europa. Con veinte años, Berni llegó a Madrid y dedicó tres meses a recorrer España: Segovia, Toledo, Córdoba, Granada y Sevilla, ciudades monumentales cargadas de historia en las que tuvo la oportunidad de conocer las obras de los maestros españoles (como El Greco, Francisco de Zurbarán, Velázquez o Goya), que sin duda impresionaron al joven artista.

Tras este primer contacto con el Viejo Mundo, Berni llegó a París en febrero de 1926. En esta ciudad, que todavía era la capital del arte, el joven pintor descubrió las vanguardias y se inició en algunas de las técnicas (grabado y collage) y los estilos (Fauvismo y Surrealismo) que conformarían su obra futura. Recibió clases de pintura del neocubista francés André Lothe y del fauvista Othon Friesz, que ejercieron gran influencia en su estilo, y aprendió la técnica del grabado con Max Jacob.

En estos años frecuentaba el círculo de artistas argentinos conocido como el Grupo de París. Conoció al pintor Lino Eneas Spilimbergo, con el que trabó una sólida amistad que les llevaría a colaborar en muchos proyectos a lo largo de sus vidas. En 1929 tomó contacto con el círculo de los surrealistas a través del escritor Louis Aragón, amigo suyo y que ejerció una gran influencia en el pintor. La obra de Berni se fue decantando claramente hacia este estilo y hoy se le considera como uno de los primeros artistas latinoamericanos de estilo surrealista. Desde París realizó una serie de viajes a Italia, Holanda y Bélgica.

En 1930 volvió definitivamente a su país natal, donde se encontró con su amigo Spilimbergo y con el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Juntos recibieron el encargo de realizar un mural en Rosario (Mural Botana, 1933). Tras esta enriquecedora experiencia, el estilo pictórico de Berni se decantó claramente hacia una pintura comprometida, consciente de una realidad muy distinta a la que había dejado en París; un estilo conocido como realismo social narrativo, característico de todo el continente americano, aunque con marcadas diferencias entre los distintos países. Se instaló en su ciudad natal, Rosario, una ciudad con una vida cultural muy activa. En esta década de 1930, Berni desarrolló una gran actividad política: tomó parte importante en la creación de la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos y se afilió al partido comunista. En 1933 fundó el grupo Nuevo Realismo, desde el cual se realizaron proyectos artísticos cargados de intención política que convertían lo cotidiano en objeto de la obra de arte.

Viajó por todo el país para conocer la realidad social e investigar la vida cotidiana de su entorno, hasta que en 1936 se instaló definitivamente en Buenos Aires, donde comenzó a dar clases de dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes, actividad que compaginó desde entonces con su labor creativa. En este periodo fue nombrado presidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, institución a la que siempre estuvo ligado.

Para entonces ya era un artista consagrado y recibió el encargo de realizar un mural, junto con su amigo Spilimbergo, para el pabellón argentino de la Feria Mundial de Nueva York (Agricultura y Ganadería), al que siguieron los de la Sociedad Hebraica, realizado en 1943, y el de la Galería Pacífico, de 1946. Simultáneamente realizó una importante serie de retratos de su mujer y su hija Lili, que sin duda denotaban un giro en su obra hacia un periodo de introspección que le llevó en la década de 1950 a adoptar un estilo expresionista, de tintes dramáticos, que desembocó en una serie de paisajes urbanos en los desaparecía la figura humana.

En la década de 1960 retomó su interés por retratar los personajes que le rodeaban como instrumento para hacer crítica social. Su estilo conservó el carácter expresionista, pero fuertemente influido por el Pop Art y el realismo social. En este periodo creó dos personajes: Juanito Laguna y Ramona Montiel, ambos de los bajos fondos; él, de los suburbios de Buenos Aires, y ella, de los más sórdidos ambientes parisinos.

Las series protagonizadas por estos personajes retratan con gran agudeza de observación, y desde un punto de vista crítico, episodios de la vida cotidiana. La técnica predominante es el collage, tanto el tradicional collage "matérico" (realizado a partir de materiales de desechos) como el fotomontaje. En estas series (además de la mencionada, realizó dos más tituladas La Luna y Los monstruos, así como un conjunto de retratos populares), Berni alcanzó una gran calidad plástica y un estilo muy personal en el que retomó la estética surrealista. En 1962 recibió el Premio Internacional de Grabado y Dibujo de la Bienal de Venecia.

En la década de los setenta realizó una serie de trabajos escenográficos y decorativos, así como ilustraciones y colaboraciones con revistas, tanto nacionales como extranjeras. Los medios gráficos, que siempre habían interesado a Berni y en los que se manejaba con maestría, fueron un importante canal de distribución de su obra. Continuó con sus series populares y creó nuevos personajes como La difunta Correa, que llegó a convertirse en un mito popular. Su pintura seguía dominada por la técnica del collage. En sus últimos años realizó una serie de esculturas.

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/berni_antonio.htm

Marta Klonowska

Biografía y obras:

Nació en Varsovia en 1964. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf. Ya durante sus estudios en la Academia de Bellas Artes en Wroclaw, Polonia, y más tarde en la de Düsseldorf, el vidrio se había convertido en su medio artístico preferido. Hoy ella es conocida por sus numerosas esculturas de perros que representan los compañeros de cuatro patas de personajes históricos importantes, capturando sus poses naturales en vidrio coloreado. Para los temas de sus obras, el artista se inspira en las pinturas de los grandes maestros, en los que los animales domésticos - en su mayoría perros - están al lado de los sujetos, que actúa casi como objetos de prestigio que se exhiben como sinónimos de riqueza y poder. Para construir estas obras, que se inicia con un esqueleto de metal que está a continuación, cuidadosamente cubierto con fragmentos afilados de vidrio, como en El Paseo de la mañana (2006). Ha recibido premios tan importantes como el "Artista en Residencia" 1999 en la Cité International des Arts de París y el "Artista en Residencia" 2002 en la Akerby Skulpturpark en Suecia. También fue finalista en el Premio Sapphire Bombay de 2006 en Londres. Entre sus exposiciones más recientes son: y animales domésticos en el Museo del Vidrio de Finlandia en Riihimäki (2009) y TBA (2011), y Geschöpfe (2011) en el Lorch + Seidel Galerie de Berlín. Desde 2011, una de sus obras ha estado en exhibición en el Museo del Vidrio de Corning.

Bibliografía: http://www.glasstress.org/event_2011/artist/marta-klonowska/7_126

Joshua Reynolds

Biografía y obras:

 (16 de julio de 1723 – 23 de febrero de 1792), fue uno de los más importantes e influyentes pintores ingleses del siglo XVIII, especialista en retratos y promotor del "Gran estilo" en pintura que dependía de la idealización de lo imperfecto. Fue uno de los fundadores y el primer Presidente de la Royal Academy. El rey Jorge III apreció sus méritos y lo nombró caballero en 1769. Nació en Plympton St Maurice, Devon, el 16 de julio de 1723, y entró como aprendiz en 1740 con el pintor retratista de moda, Thomas Hudson, con quien permaneció hasta 1743. De 1749 a 1752, pasó más de dos años en Italia, principalmente en Roma, donde estudió a los grandes maestros y adquirió gusto por el "Gran estilo". De 1753 en adelante, vivió y trabajó en Londres. Se hizo amigo íntimo del Dr Johnson, Oliver Goldsmith, Edmund Burke, Henry Thrale, David Garrick y la artista Angelica Kauffmann. Fue uno de los primeros miembros de la Royal Society of Arts. Animó el interés de esa sociedad por el arte contemporáneo y, con Gainsborough, estableció la Royal Academy como una organización escindida de la anterior.

Con su rival Thomas Gainsborough, dominó el retrato inglés durante la segunda mitad del siglo XVIII. Reynolds pintó de manera más idealizada que aquel. Se dice que a lo largo de su vida llegó a pintar tres mil retratos.

Reynolds fue un completo académico. Sus conferencias (Discourses (Discursos)) sobre arte, expuestas en la Royal Academy entre 1769 y 1790, se recuerdan por su sensibilidad y percepción. En una de estas conferencias expuso su opinión de que "la invención, hablando con rigor, es poco más que una nueva combinación de esas imágenes que han sido previamente recogidas y depositadas en la memoria." En 1789 perdió la vista de su ojo izquierdo y, el 23 de febrero de 1792 murió en su casa de Leicester Fields, Londres. Fue enterrado en la Catedral de San Pablo de Londres.

Reynolds y la Royal Academy fueron objeto de bastantes críticas, incluyendo la de los Hermandad prerrafaelita y William Blake, el último de los cuales publicó un panfleto vitriólico, Annotations to Sir Joshua Reynolds' Discourses (Anotaciones sobre los discursos de Sir Joshua Reynolds) en 1808.

No obstante, sus obras siguen siendo cotizadas. En septiembre de 2005, la Tate Gallery adquirió el cuadro El coronel Acland y Lord Sydney, Los arqueros (1769) por más de dos millones y medio de libras esterlinas.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Joshua_Reynolds

Ben Nicholson

Biografía y obras:

(10 de abril de 1894 - 6 de febrero de 1982). Pintor y escultor inglés nacido en Denham, Buckinghamshire. Su padre, sir William Nicholson, fue un famoso retratista, cartelista y escenógrafo. Estudió en la Escuela Gresham y más tarde estudió pintura en Inglaterra, Francia e Italia. Realizó su primera exposición individual en Londres en el año 1922.

Su obra evolucionó desde el impresionismo y a través del cubismo hasta alcanzar una fase en la que, influido por el pintor neoplasticista Piet Mondrian, llevó a cabo una serie de bajorrelieves de formas geométricas elementales pintados de blanco o en tonos grises, como por ejemplo Relieve blanco (1935, Tate Gallery, Londres) y Relieve pintado (1939, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

Trabajó también, dentro de su peculiar estilo, con cuadros de delicado colorido y total abstracción, como en noviembre de 1956 (1956, Art Institute, Chicago).

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Ben_Nicholson

Egon Shiele

Biografía y obras:

 (Tullin, Austria, 1890 - Viena, 1918) Dibujante y pintor austriaco, una de las grandes figuras del expresionismo. Su existencia estuvo marcada por diversos sucesos de índole trágica: en su niñez perdió a su padre y más adelante vio morir a su esposa, embarazada de su primer hijo.

Considerado como uno de los dibujantes más dotados del siglo, sus primeras obras fueron deudoras de Gustav Klimt y del Jugendstil, aunque pronto afirmó un estilo personal de grafismo intenso y nervioso, de acusada sexualidad, que fue objeto de denuncia e incluso determinó su procesamiento y un breve período de reclusión en 1912.

La extremada elocuencia de su descarnado expresionismo constituyó una bofetada a los ojos de la oficialidad de su época, al mismo tiempo que los cuerpos demacrados y el erotismo (a menudo rayano en la pornografía) que dominan su producción le valieron el desprecio y la incomprensión generalizados del público.

En El abrazo (1917), los cuerpos desnudos y deformes de la pareja de amantes se fusionan en un abrazo amoroso, intenso y desesperado. La figura del hombre no es otra que la del mismo pintor, quien, a lo largo de su breve pero intensa carrera, hizo de su propia persona el protagonista principal de su obra. La gama cromática, de tonos ocres, terrosos y amarillentos, es la habitual en las creaciones de esta tortuosa personalidad. Las duras críticas contra este género de imágenes de gran dureza visual no frenaron al artista, que prosiguió su labor en esta línea de explícito erotismo.

Pese a su muerte prematura, legó una obra relativamente abundante que expresa, de forma desgarradora, el sufrimiento humano. Se le asocia sobre todo con cuerpos desnudos (a veces autorretratos, como Con los dedos separados, 1911), de perfil muy marcado y carnes mortificadas, aunque también cultivó el paisajismo y el retrato convencional (Mujer con sombrero, 1910). En sus últimas obras, entre las que destaca La familia (1918), atenuó la violencia de su estilo.

 Murió durante la devastadora epidemia de gripe de 1918, cuando comenzaba a alcanzar la celebridad. Sus creaciones, que gozan hoy de reconocimiento universal, constituyen una magnífica muestra del estilo expresionista.

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/schiele.htm