Victor Vasarely Biografía y Obras

Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs,Hungría , 9 de abril d[Photo]e 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) es un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art . Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bahuaus. Le atrajeron Mondrian y Mallevich y se interesó por la astronomía . Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op Art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstraccionales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción a[Photo]rtística: intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica.1929-1939: trabajos publicitario con efectos ópticos1939-1948: "período menstrual" investigaciones previas al Op Art. 1948: "Abstracción cinética"1948- 1958: "Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano. Hay 3 tipos de obras: A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia. C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elips[Photo]e. 1959-1964: "Folklore planetario"1964: "homenaje al Hexágono"Último período: "período de las series" C.T.A: nombre de las ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y colores plata, oro y sombreados. Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos. En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos "didácticos" Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años. El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo. (Bibliografía: wikipedia)

Piet Mondrain, Biografía y Obras

Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie (1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA). Mondrian ha sido uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
(Bibliografía: www.epdlp.com)

Biografía de Arturo Michelena

Arturo Michelena es uno de los más importantes pintores venezolanos del siglo XIX. Nació en el seno de una familia vinculada al arte, lo cual influyó de manera definitiva en su vocación por la pintura. En este sentido, su padre el pintor Juan Antonio Michelena, fue su principal preceptor durante su infancia. Asimismo, su madre Socorro Castillo, era hija de Pedro Castillo retratista y autor de los murales de la casa de José Antonio Páez en Valencia. En 1874, Arturo Michelena hizo una serie de dibujos que ilustraron la edición neoyorkina de Costumbres venezolanas, libro de Francisco de Sales Pérez, quien lo presenta en el círculo de amigos de Antonio Guzmán Blanco con la intención de gestionarle una pensión de estudios. Entre 1879 y 1882, Michelena y su padre abren una Academia de Arte en Valencia, en la cual realizan retratos por encargo. Durante este tiempo, el joven Arturo Michelena pinta murales, copia cuadros antiguos, elabora retratos infantiles; lo cual será una excelente base de entrenamiento que lo capacita para participar con éxito en el Salón del Centenario, que se celebraba en Caracas, y al que envía su primer lienzo importante La entrega de la bandera al batallón sin nombre (1883), que le hace merecedor del Segundo Premio.

En 1885, Arturo Michelena parte a París en compañía de Martín Tovar y Tovar, para inscribirse en la Academia Julian, donde ya figuraban Emilio Boggio y Cristóbal Rojas. En este instituto recibió las enseñanzas del afamado decorador Jean Paul Laurens. Gracias a las recomendaciones de Laurens, Arturo Michelena envía al salón de 1887 un lienzo impactante El niño enfermo, con el que gana la Medalla de Segunda Clase y el reconocimiento Hors concours, máxima distinción que el salón le otorgaba a un artista extranjero. Entre 1885 y 1889, su obra se caracteriza por la adopción del realismo oficial y por el ambicioso propósito de la ambientación documental y arquitectónica de los asuntos narrados, ya fueran escenas de género o episodios históricos. En este período pinta sucesivamente: Una visita electoral (1886), La caridad (1887), La joven madre y Carlota Corday (1889), obteniendo con este último cuadro la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París (1889). En 1889 regresa a Venezuela donde fue recibido con júbilo. Luego de una temporada de éxito social en Caracas, contrae nupcias con Lastenia Tello Mendoza y retorna a París para iniciar un nuevo período en su carrera. Durante este lapso, adquiere una mayor destreza como dibujante y resolución en el uso del color y en la captación del movimiento natural; aparecen ciertas notas impresionistas y cierta inclinación religiosa. Obras importantes de este período son: La vara rota (1892) y Pentesilea (1891).

Arturo Michelena regresa a Venezuela luego de haber contraído tuberculosis en París. Por este tiempo se convierte en un retratista de moda y pintor oficial. Pero su salud, cada vez más resentida, apenas le permite dedicarle tiempo a obras ambiciosas como Miranda en la Carraca (1896), Berruecos (1895), el Descendimiento (1897) y La última cena (1898), quedando inconclusas algunas de éstas. Los restos de Arturo Michelena fueron sepultados en el Panteón Nacional el 29 de julio de 1948.

Obras de Arturo Michelena

Biografía de Jesús Soto

Uno de los más importantes artistas del cinetismo en el mundo, Jesús Soto, nació en Ciudad Bolívar, Venezuela, en el año 1923. Fue criado en el seno de una familia modesta, por lo que apenas cursó estudios en el colegio.

Sin embargo, desde muy temprano comenzó a demostrar sus inclinaciones artísticas, a través de los diferentes trabajos que hacía durante la infancia y la adolescencia. Inicialmente, se dedicó a pintar carteles de cine y a dibujar letras, y así fue desarrollando poco a poco su arte hasta que consiguió obtener en el año 1942, una beca que le permitió cursar estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas.

Una vez terminados sus estudios en 1947, es designado director de la Escuela de Arte Julio Árraga, en . Sin embaMaracaibo, Venezuela. Sin embargo, Soto no se siente cómodo con el ambiente de la capital zuliana, por lo que se dedica a investigar las opciones en las ciudades europeas, y decide finalmente irse a Francia en el año 1950.

Para ese momento, se registraba en todo el continente europeo un amplio interés por las corrientes que estudiaban las formas geométricas, especialmente en Francia. Jesús Soto se hace partícipe de esa experimentación, y se une a artistas que tenían las mismas preocupaciones estéticas. A través de sus estudios de Kandinsky, Klee, Albers, Arp, Calder y Duchamp, decide acercarse a las formas puras a través de la abstracción y lo conceptual, así como emplear los colores primarios y secundarios, el blanco y el negro.

Soto insistió en implementar una nueva manera de interactuar con la obra de arte, la cual carecería de movimiento. Será el espectador quien se pasea en torno a ella para adentrarse en el efecto cinético de una pieza inmóvil. Este fenómeno lo denominaría “vibración”, o generación de movimiento virtual.

En París comenzó a estudiar la música dodecafónica y serial, y hace un paralelo con las formas plásticas. Por eso puede ser considerado como un creador de estructuras, que sirven de soporte a la imaginación y a la fantasía. Para Soto, el arte es una mezcla entre expresión y conocimiento.

Las primeras obras conocidas nacen a partir de 1951, fueron las llamadas “Repeticiones”, elementos geométricos simples ordenados de forma lineal y repetidos hasta el infinito. A ellas se añadirían las “Progresiones”, las pinturas seriales y el “Desplazamiento”, obra que resulta de la intersección de puntos y líneas. En Francia expone por primera vez en forma individual en la galería “Denise René”.

En los años posteriores, se convirtió en un invitado frecuente de diversos eventos y exposiciones de arte, tal es el caso de la Bienal de Venecia, del cual comenzó a ser invitado especial a partir de 1966. Sus mayores actividades transcurren en el continente europeo, por lo que a partir del año 1972 alterna entre las ciudades de París y Caracas , diseñando y exponiendo en ambas. Algunos de los recintos en los que expuso su obra son el “London Signals Gallery”, la “Galería Estudio Actual”, el “Museo de Arte Moderno” de la ciudad de París, el “Museo de Arte Moderno de Bogotá”; el “Salomon Guggenheim Museum” de Nueva York, el “Centro Georges Pompidou” y “El Palacio de Velázquez”.

En 1973, el artista cinético inauguró por propio deseo e inspiración, el Museo de Arte Moderno Jesús Soto, ubicado en Ciudad Bolívar, Venezuela. Las instalaciones del museo, reflejan la vanguardia propia de cualquier centro de arte internacional, exhibiendo obras particulares del artista elaboradas durante los años 50 y 60, así como de otros 130 artistas de todo el mundo.

Este gran artista cinético cuyas obras pueden verse expuestas en espacios públicos de Francia, Alemania, Japón y Venezuela falleció a los 81 años de edad en la capital francesa el 14 de enero de 2005.

Obras de Jesús Soto

Biografía y Obras De René Magritte

Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al substituir a la mujer por un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas