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lunes, 22 de diciembre de 2014
lunes, 8 de diciembre de 2014
Ad Reinhardt
Biografía y obras:
Adolph Dietmar Friedrich
Reinhardt, llamado también "Ad" Reinhardt, (Buffalo (Nueva York),24
de diciembre de 1913; Nueva York, 30 de agosto de 1967), pintor y escritor,
pionero del arte conceptual y del minimalismo, es comúnmente considerado como
neodadaista. .
Estudió historia del arte en la
Universidad de Columbia, en donde trabó amistad con Robert Lax y Thomas Merton,
con quienes desarrollaría conceptos similares de simplicidad en diferentes
direcciones.
Reinhardt estudió pintura con
Carl Holty y Francis Criss en la Escuela Americana de Artistas, y luego en la
Academia Nacional de Diseño, bajo la tutela de Karl Anderson. En 1936 comenzó a
trabajar en el Proyecto de Arte Federal, y rápidamente se transformó en un
miembro del grupo de Artistas Abstractos Americanos.
Tras completar sus estudios en el
Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York, comenzó a dar clases
en el Colegio de Brooklyn, y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de
California en San Francisco, posteriormente en la Universidad de Wyoming, en la
universidad de Yale, y en el Colegio Hunter de Nueva York.
Crítico del expresionismo abstracto,
las primeras obras de Reinhardt exhibidas evitaron representación, pero
mostraron una estable progresión en el alejamiento de los objetos y las
referencias externas. Su trabajo evolucionó desde composiciones con formas
geométricas en los años 1940, a trabajos en distintas tonalidades del mismo
color (todo rojo, todo azul, todo blanco) en los 1950.
Es conocido por sus llamadas pinturas
"negras" en la década de 1960, que en un principio parecían ser
simplemente lienzos pintados de negro, pero estaban en realidad compuestos por
tonalidades de negro y cuasinegro. Entre otras evocaciones, estas pinturas
pueden interpretarse como el cuestionamiento de si puede existir algo que sea
tan absoluto, incluso en el negro, un color que algunos espectadores ni
siquiera consideran como tal.
Su literatura incluye
interesantes comentarios acerca de su propio trabajo y el trabajo de sus
contemporáneos. Su ingenio conciso, su enfoque aguzado, y abstracción, hacen su
lectura interesante incluso para aquellos que nunca han visto sus pinturas. Lo
mismo que estas últimas, sus escritos levantan controversia décadas después de
su composición.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Ad_Reinhardt
viernes, 21 de noviembre de 2014
Alphons Mucha
Biografía y obras:
['alfɔns 'muxa] (24 de julio de 1860 - 14 de
julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido
por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
Nació en la ciudad de Ivancice
(Moravia, Imperio austríaco) el 24 de julio de 1860. Sus habilidades para el
canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de
Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo.
Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para
puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía
vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación
artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores,
regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas
decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar
con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente
impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia
de Bellas Artes de Múnich. Perteneció a la masonería y llegó a ser Gran Maestro
de la Gran Logia de Checoslovaquia. Además de estar muy interesado en el
Esoterismo, teniendo relación con otras organizaciones esotéricas e iniciáticas
aparte de la masonería, en la que también llegó a ostentar el grado 33º del
Rito Escocés Antiguo y Aceptado.
Mucha se mudó a París en 1887 y
continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi,
produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidad.
Su salto a la fama lo logró con
su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la
Renaissance, el cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció
en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una
auténtica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato
de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron
a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta
1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también
de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta
obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como
numerosas comisiones.
Cuando visitó Estados Unidos fue
reclutado por la excéntrica actriz Mrs. Leslie Carter, quien trató de superar
el lujo y la ostentación de las obras de teatro de Sarah Bernhardt, lo que
finalmente la llevó a la ruina. El formato y la configuración de los carteles
eran parecidos a los hechos para el Théâtre de la Renaissance antes de 1900,
con una influencia de las alhajas creadas para Georges Fouquet.
Otra etapa de su recorrido
artístico son las creaciones para la serie de alhajas realizadas por el joyero
parisino Georges Fouquet siguiendo los diseños de Mucha. A Fouquet le llamaron
la atención los adornos con los que Mucha engalanaba a las mujeres de sus
carteles y paneles, reproducidos con gran lujo de detalles, también en sus
propiedades materiales. Fouquet presentó una colección de joyas realizadas
sobre diseños de Mucha en la Exposición Universal de París de 1900, en esta
prevalecían las reminiscencias orientales y bizantinas. Además, diseñó los
interiores de la Joyería de Fouquet. Mucha renunció más tarde con el objeto de
alcanzar grupos más amplios de compradores para sus obras.
Mucha produjo una gran cantidad
de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería,
alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a
conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente
introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos
vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a
veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con
frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo
de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus
pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el
arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su
frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial.
Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran
el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y
1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde
decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la
ciudad.
Cuando Checoslovaquia obtuvo la
independencia, tras la Primera Guerra Mundial diseñó sellos postales, billetes
de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos
años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská
epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos
eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928. Mucha había soñado
con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su
juventud. Al invadir los alemanes Checoslovaquia, Mucha fue arrestado e
interrogado por los ocupantes. Nunca se recuperó de la tensión de este
episodio, ni de ver su país invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio
de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio
de Vysehrad. Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.
Al tiempo de su muerte, su estilo
se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la
década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde
entonces, influyendo a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en
el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien
escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de su vida a llamar la
atención hacia las obras de aquél.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha
jueves, 6 de noviembre de 2014
Jack Vettriano
Biografía y obras:
Jack Vettriano es un pintor
britanico nacido en Fife, Escocia en 1951. Abandonó la escuela a los dieciséis
años para convertirse en un ingeniero de minas, cuando cumplió los veinte años
una amiga le regaló acuarelas y a partir de eso dedicó su tiempo libre a la
pintura. En 1989 presentó dos cuadros a la Royal Scottish Academy, los cuales
fueron aceptados y vendidos el primer día. Al año siguiente entró en la Royal
Academy y así se inició su carrera como artista.
Entre sus 25 y 39 años se dedicó
principalmente a copiar obras de El Greco, Dalí, pintores impresionistas y otro
grandes artistas, lo cual le sirvió como aprendizaje para definir su estilo y
depurar su técnica. En los últimos veinte años ha realizado exposiciones
individuales en Edimburgo, Londres, Hong Kong y Nueva York. Una de las obras
más importantes de Vettriano, The Singing Butler (El mayordomo cantante),
vendida originalmente por 4.000 € en el año 1991 y se volvió a vender en el año
2004 por £ 750.000 (970.000 €). Los derechos de reproducción en posters y
postales le generan más de medio millon de euros anuales. En el año 2003 La
reina Isabel II, a petición del gobierno, concedió a Jack Vettriano el título
de OBE (Oficial del Imperio Británico) por su servicio a las artes.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Jack_Vettriano
jueves, 23 de octubre de 2014
Franz Kline
Biografía y obras:
(Wilkes-Barre (Pensilvania), Estados Unidos,
23 de mayo de 1910 - Nueva York, Estados Unidos, 3 de mayo de 1962) fue un
pintor estadounidense asociado al grupo expresionismo abstracto que
geográficamente se centra en Nueva York entre los años 1940 y los años 1950.
Falleció en la ciudad de Nueva York debido a una enfermedad reumática cardíaca.
Como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por
su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y
figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline, sin embargo fue
"practicada espontáneamente". Preparó muchos sketchs sobre dibujo,
aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un musico
del arte abstracto. Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de
Kline fueron hechos con los colores blanco y negro puros, aunque a veces
introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color
en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color
fueron hechas recién a partir de 1959. Las pinturas de Kline son muy complejas
y subjetivas. Cuando las pinturas de éste artista siempre tuvieron un impacto
dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las
describió muy simples en cuanto a dichos elementos. Cabe decir que hizo muchas
de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos.
Parece haber referencias a la caligrafía china en dichas composiciones en
blanco y negro, a pesar que él siempre negó dicha relación. Puentes, túneles,
edificios y otras estructuras arquitectónicas e industriales fueron usualmente
mencionados como fuentes de la inspiración de Kline. Los más reconocidos
estilos suyos fueron originados a partir de un consejo de su amigo Willem de
Kooning. En 1948 le sugirió a un entonces artísticamente frustrado Kline que
experimentara con un proyector que tenía en su estudio analizando la proyección
sobre una pared lisa. Kline hizo varias pinturas con el estilo que resultó de
la observación, presentando en 1950 una colección con el estilo ante la Charles
Egan Gallery (Galería de Charles Egan, en inglés).
Bibiliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Franz_Kline
viernes, 10 de octubre de 2014
Banksy
Biografía y obras:
Banksy es el seudónimo de un prolífico artista del street
art británico. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974,
pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de
su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en
Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como
carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en
Bristol de finales de la década de 1980". Su trabajo, en su gran mayoría
piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina
escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos
generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con
una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a
trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk
Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a
finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.
Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he
pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo
mejor, sólo que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al
ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Recientemente se publicó el libro “Freedom Through Football:
The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls” en donde se confirma la primera
fotografía tomada a Banksy mientras realizaba un graffiti en Chiapas, México en
2001.
Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos
periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks,
pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud
fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbing banks"
("robando bancos" en inglés). Otro nombre sugerido incluye el de
Robin Gunningham.
Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas
personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como "una mezcla entre
Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner" y "un varón de 28 años
que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una
cadena de plata y un arete de plata".
Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio,
alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años.
Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal,
entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después
de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.
Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover
visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención
política detrás de su llamado "daño criminal" puede estar influida
por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios
para cambiar el mensaje).
Banksy también trabaja cobrando para organizaciones
benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros
hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente,
Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras.
Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.
Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas,
oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una
foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Banksy
sábado, 4 de octubre de 2014
Pedro León Castro
Nació en Caguas, Puerto Rico en
1913, estudió en la Academia de Bellas Artes de Caracas, apartado de la
tradición del paisajismo caraqueño, Pedro León Castro representa con Héctor
Poleo a la escuela realista que innovó la temática de nuestra pintura en la década
del 40. Después de una manera escultórica con la que aludía a motivos sociales,
León Castro pasó a una tendencia más plástica, renunciando a la anécdota y a lo
episódico. Naturalezas muertas y paisajes alternan con figuras y desnudos en un
estilo de gran amplitud de planos, con tendencia a lo épico y a los enfoques de
precisión objetiva. Falleció en Caracas, Venezuela en el 2003.
Bibliografía:
viernes, 19 de septiembre de 2014
Denzil Forrester
Biografía y obras:
Nacido en Granada en 1956,
Forrester llegó a Inglaterra a la edad de diez. Después de completar su
licenciatura en la Escuela Central de Arte y su maestría en el Royal College,
ganó la beca de Roma en 1983, seguido de la beca Harkness que lo llevó a Nueva
York durante dieciocho meses. En 1987 recibió el Premio Internacional de Korn
Ferry para el trabajo de mérito excepcional de cualquier categoría; 'Carnaval
Dub' en el verano Mostrar Royal Academy. En 1991 fue galardonado con una
exposición itinerante por la galería Harris Museum & Art En 2000 fue
galardonado con la Galería Escocesa, Premio Dianna King para una pintura en
cualquier medio; 'Bolsa Bolsa' en la Real Academia. 
La obra de Denzil Forrester es compleja y altamente sofisticada. La fuerza de
su draftmanship y su extraordinario uso del color le permiten llevar a sus
lienzos de movimiento dinámico, y de poder con propósito. La vida urbana de
Londres es su principal fuente de inspiración. La música que impregna su obra
viene de las Indias Occidentales; la gama de colores iridiscentes en la que se
traduce la música ha sido evocada por la luz y el color de Italia. Forrester ha
estado pintando en su estudio con sede en Londres durante los últimos 30 años.
Actualmente está dando una conferencia en el Morley College.
Bibliografía: http://denzilforrester.co.uk/bio.html
viernes, 12 de septiembre de 2014
Max Liebermann
Biografía y obras:
(Berlín, 20 de julio de 1847 - Berlín, 8 de
febrero de 1935). Pintor y grabador judeo-alemán,destacado representante del
impresionismo en Alemania, país donde lideró la pintura vanguardista durante
más de 30 años.
Hijo de un hombre de negocios
berlinés, estudió inicialmente leyes y filosofía, pero luego se dedicó a
estudiar pintura, tanto en Alemania como en Francia y Holanda. En Francia
visitó Barbizon, donde absorbió influencias del realismo, y París, donde
descubrió el arte impresionista; coleccionó pinturas de importantes maestros de
su época. También viajó a Holanda, donde estudió la obra de los maestros
Rembrandt, Frans Hals y Van Ostade.
Los paisajes pintorescos y
escenas campesinas, inspiradas en Holanda, son algunas de las expresiones más
representativas de este pintor. Inicialmente, Liebermann ejecutó obras de
marcado naturalismo, durante las últimas décadas de siglo XIX, el berlinés
adoptó en su pintura el modernismo.
Hacia 1920 fue presidente de la
Academia de las Artes de Prusia, cargo al cual renunció en 1932 por la
discriminación que existía en su país hacia los pintores alemanes judíos. Pasó
los últimos años su vida aislado, por voluntad propia, pintando hasta 1934,
poco antes de fallecer en su natal Berlín. El régimen dictatorial nazi confiscó
la obra de Liebermann y la incluyó en sus listas negras, pero no la exhibió en
ninguna muestra de corte político-propagandístico.
Desde 1945 en adelante, las obras
de Liebermann que habían sido expoliadas durante la Segunda Guerra Mundial
fueron y aún son gradualmente restituidas tanto a los museos europeos como a
sus propietarios legítimos o a sus herederos.5 La obra de Liebermann figura en
no menos de doce museos alemanes y diversas muestras de la obra pictórica de
Liebermann fueron organizadas en ese país europeo en 2011.
Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Max_Liebermann
