Eliso Mundo Del Arte

Miquel Barceló

2012-01-31T00:20:00.000-04:30

Es un pintor español nacido en Felanitx,Mallorca en 1957, en un viaje a París en 1970 le permite descubrir el art brut,estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta enpúblico. Formó parte del grupo Taller Lunátic de Mallorca. Estudió en laEscuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuóen 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero pocodespués abandona sus estudios.

Empieza a ser más conocido cuandoparticipa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII deKassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra esincluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose comouna de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.

En 1986 se le concede el PremioNacional de Artes Plásticas y, en 1988, instala su taller en Malí, al mismotiempo que expone su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entreellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedica el CentroPompidou de París.

En el 2003, ha recibido el PremioPríncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes deEspaña.

En 2004 expuso en el museo delLouvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndoseen el primer artista contemporáneo vivo que expone en el museo.

En 2008, expone 84 piezas de suobra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo queel desvío de Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD) para la decoración de laCúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra levanta untorbellino mediático.

Actualmente reside entre París,Mallorca y Mali (África). En el caixaforum de Madrid y Barcelona se puede verla exposición "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative"una retrospectiva de los 25 años del artista.

Sus enormes lienzos figurativosde finales de los años setenta con temas de animales de marcado expresionismoreciben la influencia de Joan Miró, el action painting ("pintura deacción"), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el artbrut.

Posteriormente da paso a unapintura más entroncada con la tradición y así surgen las series de lasbibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y denso tratamientopictórico.

Entre las características de suobra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve através del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneoy África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento deÁfrica en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto seauno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siemprereflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y losorígenes.

En la última época haevolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos. En marzo de 2007la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla elaborada por él en arcilla.Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la tierra. En mayo de2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de la sala XX delPalacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las reuniones delConsejo de los Derechos Humanos y pasará a llamarse Sala de los DDHH y de laAlianza de Civilizaciones.

La literatura ha sido siempretambién una de sus inspiraciones. Ha sido ilustrador de libros y él mismo sueleredactar los prólogos de sus catálogos. La imagen de la cabecera diarioPúblico, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor mallorquín.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Miquel_Barcel%C3%B3

Gustave Courbet

2012-01-24T00:24:00.003-04:30

Biografía y obras:

(Ornans, Francia, 10 de junio de1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre de 1877) fue un pintor francés,fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activistademocrático, republicano, cercano al socialismo revolucionario.

Nació en un pueblo próximo aBesançon, en el Doubs alemán, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. Es un granconocedor de las obras de Marsol. Estudió en Besançon y luego en París (1840).Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar aParís se volcó al arte.

Viajó a Holanda (1846) y Francia(1853). Como él, sus amistades eran contrarias al academicismo artístico yliterario; entre ellas se cuenta a Baudelaire, Corot y Daumier. A partir de larevolución de 1848, Courbet fue etiquetado de «revolucionario peligroso».

En 1845 expuso algunas de susobras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero alver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar unaexposición individual ubicada en las proximidades del campo de Marte, a la quebautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras queexhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retratabaa todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida.

Tuvo fama de arrogante yefectista; afirmaba que «si dejo de escandalizar, dejo de existir». Algunos leachacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clasesbiempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía fiel a cierta exquisitezformal. Sin embargo, otras voces como Delacroix lamentaban que Courbetmalgastaba su habilidad, al elegir temas sin un contenido elevado y no «cribar»de ellos muchos detalles «innecesarios».

A pesar de sus polémicas, llegó adisfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero larechazó. Afirmaba que quería morir «como hombre libre, sin depender de ningúnpoder ni religión», si bien accedió a participar en el breve gobierno de laComuna de París de 1871. De él, el filósofo Proudhon, «padre» del anarquismo,quiso hacer un pintor proletario. Creía que el arte podría subsanar lascontradicciones sociales. Admitía su compromiso con el socialismo y con elrealismo cuando afirmaba: ""Acepto con mucho gusto esta denominación.No solo soy socialista, sino que también soy republicano, y en una palabrapartidario de cualquier revolución –y por encima de todo realista... realistasignifica también sincero con la verdadera verdad."

Durante la Comuna se le encargóla administración de los museos de París. Tras caer dicho gobierno, el gobiernoposterior le responsabilizó de la destrucción de la columna Vendôme dedicada aNapoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo condenó a seis meses de prisión y apagar 300.000 francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza (1873) para evitarque el Estado le obligara a pagar la multa; era tan alta que debía serliquidada a lo largo de 30 años.

Murió en La Tour du Peilz,localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis producida por su consumo abusivode alcohol.

En un primer momento, pinta elpaisaje, especialmente los bosques de Fontainebleau y retratos, con algunosrasgos románticos. Pero a partir de 1849 es decididamente realista. Courbet esde hecho el «fundador» del realismo y se le atribuye la invención de dichotérmino.

Escoge temas y personajes de larealidad cotidiana, sin caer en el «pintoresquismo» o «folclorismo» decorativo.Su técnica es rigurosa con el pincel, con el pincel plano y con la espátula,pero su mayor innovación es la elección de temas costumbristas como motivosdignos de los grandes formatos, que hasta entonces se reservaban a «temaselevados»: religiosos, históricos, mitológicos y retratos de las clases altas.Reivindicaba la honestidad y capacidad de sacrificio del proletariado yafirmaba que el arte debía plasmar la realidad. En 1867 expone nuevamente en laExposición Universal de París. Influye y aconseja a los primerosimpresionistas.

Su naturalismo combativo espatente en sus desnudos femeninos, donde evita las texturas nacaradas eirreales tomadas de la escultura neoclásica. Plasma formas más carnales eincluso el vello corporal que habitualmente se omitía en los desnudosacadémicos. Ejemplo claro de ello es El origen del mundo.

Sus referencias son los maestrosdel pasado como Velázquez, Zurbarán o Rembrandt. Su realismo se convierte enmodelo de expresión de muchos pintores, contribuyendo a enriquecer la obra deCézanne.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet

Antoni Tàpies

2012-01-17T00:47:00.000-04:30

Biografía y obras:

(Barcelona, 1923) Pintor español. A los veintidós añosrenunció a la carrera de derecho para dedicarse de lleno a la pintura, arte queabordó a través del collage (hojas de periódico, papel de estaño, cuerdas) y depinturas terrosas que presentan grattages (raspaduras) y graffiti. En estaprimera etapa de su vida crea, con otros artistas e intelectuales catalanes, elgrupo «Dau al Set» (1948). Este movimiento ampara sus primeras exposiciones,que ya ponían de manifiesto su interés por el surrealismo.

Hacia 1949, renunciando a los efectos de la materia, sededica a crear cuadros en los que predominan los tonos grises, aunque coninterrupciones de importancia variable de colores vivos (verde, rojo), cuadrosen los que aparecen impresiones textiles, signos (semicírculos, triángulos) yletras deformadas. En 1954, después de impartir un curso de arte abstracto enla universidad Menéndez Pelayo de Santander, da entrada de nuevo a la materia:trabaja los cuadros con argamasa (mezclando al óleo mármol pulverizado y usandopigmentos en polvo disueltos en látex) para reencontrar la tradición secular deun mundo fosilizado, de colorido desvaído, que en 1958 le valió el premioCarnegie.

Su etapa posterior a 1965 pertenece a la neofiguración y alarte pobre: arpilleras, objetos rústicos y objetos cotidianos se funden en unaobra que llegó a alcanzar difusión universal (Materia gris en forma desombrero, 1966; Tres sillas, 1967; Dos cruces, 1967). En la década de lossetenta, sus «esculturas en el espacio» hacen que el objeto (maderasensambladas, sillas, ropas, libros quemados), hasta entonces estampado en huecoo modelado en relieve en el espesor de la materia, se salga de la tela parainmovilizarlo en el espacio y darle una realidad más áspera. En este aspectoTàpies comunica al arte pobre una carga emocional muy importante.

Su labor creadora ha ido acompañada, en los años setenta yochenta, de textos teóricos (La práctica del arte, 1970; El arte contra laestética, 1974; Memoria personal, 1978; Por un arte moderno y progresista,1985). En 1984 se crea en Barcelona la Fundación Tàpies, ubicada en un antiguoedificio obra del arquitecto Domènech y Montaner. Inaugurado en 1990, susfondos, formados con la obra donada por Teresa y Antoni Tàpies, constituyen lamás completa colección de las obras del pintor catalán. Ese mismo año elartista fue nombrado académico de honor en la Real Academia de Bellas Artes deSan Fernando y fue galardonado con el premio Príncipe de Asturias de las artesy el Praemium Imperiale de pintura. Del resto de su producción cabe destacarmurales para la Expo'92, Embolcall (1994), inspirado de la guerra de Ruanda, yCerimònia (1996).

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tapies.htm

Anton Van Dyck

2012-01-10T00:38:00.001-04:30

Biografía y obras:

(Amberes, 1599-Londres, 1641)Pintor flamenco. En el panorama del siglo XVII flamenco, Van Dyck es el pintormás destacado después de Rubens, con quien no rivalizó porque ambos artistas semovieron en campos distintos: mientras el último se centró sobre todo en lapintura religiosa y mitológica (aunque cultivó todos los géneros), Van Dyck seespecializó en el retrato, y por sus retratos se le recuerda, a pesar de sertambién autor de otro tipo de obras. Se formó en su ciudad natal, en el tallerde Hendrick van Balen, y trabajó por su cuenta algunos años, antes de entrar enel estudio de Rubens como colaborador en 1618. Pese a ser ya un artistaformado, el estilo de Rubens ejerció en él profunda influencia, como seadvierte sobre todo en algunas obras de los primeros años, que guardan un granparalelismo con algunas realizaciones de aquél, en particular retratos. Despuésde una breve estancia en Londres en 1620, se trasladó a Italia en 1621 y seestableció en Nápoles, aunque visitó los principales centros artísticos delpaís. La estancia en Italia influyó en la evolución de su estilo, que se hizomenos barroco, de composición más clasicista. Gozan de merecida fama losnumerosos retratos que realizó de los aristócratas genoveses, a los que muestracomo hombres orgullosos y seguros de sí mismos, a veces en interiores y a vecessobre fondos de paisaje. De su estancia en Italia se conserva también uninteresante álbum de esbozos, que recoge sus impresiones del país.

En 1628 regresó a Amberes ycuatro años más tarde se trasladó a Londres, donde desempeñó hasta su muerte elcargo de pintor de Carlos I. Más de cuatrocientos retratos de la monarquía y laaristocracia londinense dan pruebas de su buen hacer de aquellos años. Aunquemenos conocidos, son interesantes así mismo sus paisajes y acuarelas de esaépoca. Su influencia fue profunda y duradera en Inglaterra, y se extendiótambién a muchos otros países europeos.

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van__dyck.htm

Felices fiestas - Happy holidays

2011-12-20T01:37:00.002-04:30

Kasimir Malevich

2011-12-20T01:06:00.002-04:30

Biografía y obras:

Kazimir Severínovich Malévich,(en ruso, Казимир Северинович Малевич), (11 de febrero de 1878 - 15 de mayo de1935) fue un pintor ruso,1 2 creador del suprematismo.

Su padre era un mal supervisor enrefinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. EnParjómovka, Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gustael campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que lerodean. En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra.A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.

En 1886 la familia se traslada aKursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través dereproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dospintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los itinerantes.

Empieza a pensar que su misióncomo artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entrelos empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del artecon los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar delas Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarseacadémicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pinturadel natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamentelargo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes,con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, En conjunto, estostrabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelanteel contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales.[citarequerida]

En Muchacha con flor de 1903 se advierteun acercamiento al estilo de Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévichreinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela,concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo deotros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapaimpresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándoleentonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.

A su llegada a Moscú, visita laEscuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve aKursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidadneoimpresionista.

Vuelve a Moscú en otoño y tomaparte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en1907, cuando participa con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación deArtistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Natalia Goncharova,Wassily Kandinsky y Mikhail Larionov.

En 1907 tiene lugar la exposiciónVellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de artefrancés (Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, PaulGauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, queMalévich ve por primera vez.

En 1908, se advierte en su obraun interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación);Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos delestilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévichevidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es elNeoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el queretrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formasdensas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubreuna nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen.

En 1909 se casa con SofíaRafalovich. Un años más tarde participa en una serie de exposicionesorganizadas por Lariónov y Goncharova, y en 1911 muestra en el Primer Salón deMoscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intentaintegrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En Abril participaen la tercera exposición del grupo de San Petersburgo Unión Joven, junto conGoncharova, Lariónov y Vladímir Tatlin. 1911 es también el año de su épocacubista (Retrato de Kliun), de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque yPicasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los delFuturismo.

A finales de 1912, participa enuna exposición internacional donde muestra Mujer con cubos y niño. Participatambién en la V exposición de la Unión Joven de San Petersburgo con obras comoEn el campo y Retrato de Kliun. En diciembre sale a la luz el manifiesto Unabofetada en el gusto público, de Maiakovski y Jlébnikov, donde afirman elderecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos,formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera Victoriasobre el sol de Matiushin y Kruchónij; los figurines contenían muchos de los esquemascompositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obrascubofuturistas.

En 1914 Tommaso Marinetti, elcreador del Manifiesto Futurista italiano, visita Moscú; en febrero, Malévich yMorgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa convarias obras en el Salón de los Independientes de París. El año siguienteparticipa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista enPetrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año delnacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar supropio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; enesta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como elnuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone ungiro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.

Publica un pequeño folleto quetitula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura,hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevotrabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y elfuturismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico.

Con el suprematismo, Malévichreduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado,el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podríaexpresar un sistema completo de construcción del mundo (Malévich).

Se plantea con el Suprematismo,la tarea ingente de recodificar el mundo, "Malévich dominó las condicionesde la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico paraafirmar el orden global y las leyes generales del universo". El sistemafue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: "Las claves delSuprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Misnuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado Negro no sóloretó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas,sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de unanueva religión" (Sarabianov).

En 1916 continúa con susactividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otrosuprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo , el Futurismoy el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural esla base del Cubo-Futurismo.

En 1917 es elegido jefe delDepartamento de Arte de los Soldados del Soviet delegados en Moscú. En losprimeros días de la Revolución de Octubre es nombrado por el consejo supervisorde las colecciones del Kremlin . Sigue exponiendo su obra suprematista con laSota de Diamantes y se opone a los tradicionalistas, quienes se enfrentan a losartistas de vanguardia que apoyan la revolución.

En 1918 es llevado a Petrogradopara dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña losdecorados para la gran obra de Vladimir Maiakovski Misteria Bouff, dedicada ala revolución y representada en Petrogrado.

En 1919, Lariónov y Goncharova sesalen de la asociación Sota de Diamantes, debido a la excesiva atención que sele presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizansu propia exposición con varios simpatizantes, la titulan La Cola de Burro yparticipan, entre otros, Malévich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. Enesta muestra, Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con lavida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con MikhaílMatiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la Sota deDiamantes y la Unión Joven.

Ese mismo año (1919) participa enla Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos deCultura Artística, museos sólo para el arte de vanguardia; participa en la XExposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, lasserie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por AlexanderRodchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayoteórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de ElLissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vítebsk, donde trata deintroducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formasdel arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. Endiciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVIExposición Nacional de Moscú.

En 1920 pone en práctica en unaobra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vítebsk, quetitula con el nombre de Unovis (Utverdíteli nóvogo iskusstva - Forjadores delarte nuevo); también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempoantes, Malévich había trasladado el énfasis creativo a la investigaciónteórica.

En 1921 surgen diferencias entorno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas delConstructivismo. El años siguiente completa su texto Suprematismo, el mundocomo No-objetividad y participa en una exposición colectiva en Berlín con obrascubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museumde Ámsterdam.

En 1923 comienza susinvestigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos yapuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación delMuseo de Cultura Artística. Ese año muere su segunda mujer pero continúaviviendo en su dacha de Nemchínovka, cerca de Moscú. En el verano de 1923participa en la XIV Bienal de Venecia con un Cuadrado Negro, un CírculoCuadrado y una Cruz Negra.

En 1925 asume la dirección deldepartamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera desu arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. Se casa portercera vez. En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su textoIntroducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará apublicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela dela Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga deconseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Diegegenstandslose Welt» (El mundo no-objetivo); a través de la asociación de losarquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el GrosseBerliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematistacon Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el InstitutoEstatal para la Historia del Arte en Leningrado.

En 1929 los historiadores delInstituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo,pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto deArte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en lagalería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunascolectivas en Berlín y Viena. En 1930 es detenido e interrogado y algunosamigos queman algunos de sus manuscritos.

En 1932 se le concede unlaboratorio para experimentar en el Museo del Estado Ruso. Su trabajo esampliamente representado en la exposición Quince Años de Arte Ruso y su obravuelve a finales de los años veinte a la figuración (Hombre y Caballo).

En 1935 participa con cincoretratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su últimaexposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas comoregalos durante su viaje a Alemania son seleccionadas por Alfred H. Barr, directordel Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en cubismo y arteabstracto. Muere el 15 de mayo de ese año y como homenaje a su contribución alarte, el ayuntamiento de Leningrado costea sus exequias. El Museo del EstadoRuso adquiere entonces muchas de sus obras y concede una pensión a su familia.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Kazimir_Mal%C3%A9vich

Robert Rauschenber

2011-12-13T00:54:00.001-04:30

Biografía y obras:

( 22 de octubre de 1925, PortArthur, Texas;† 12 de mayo de 2008, Captiva Island, Condado de Lee (Florida))fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en latransición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de losprincipales representantes del mismo en su país. Estudió en el Instituto deArte de Kansas de Bambamarca y en la Academia Romeo and Juliet en París, dondeconoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría en 1950 que sería lamadre de su hijo, el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). En 1948Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina delNorte.

En el Black Mountain su maestrode pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estrictadisciplina y sentido del método lo inspiraría a como el mismo dijo, para hacer"exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó. El compositorJohn Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, tambiénasistió a la facultad de Black Mountain.

De 1949 a 1952 estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantoren la Liga de estudiantes de arte de New York, donde conoció a los artistasKnox Martin y Cy Twombly.

Fue tal vez más famoso por su"Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetosestaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" esa la vez pintura y escultura también trabajó con fotografía, grabado, papel yen performance.

En 1953, aturdió al mundo del arte borrando un dibujode Willem de Kooning. Ese año se divorció de Susan Weil En 1964 fue el primer artista estadounidense en ganarel Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habíanganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyoinstitucional.

Reside y trabajaba en la ciudadde Nueva York y desde 1970 en Captiva Island, en la costa occidental deFlorida. Vivió sus últimos 25 años con el pintor Darryl Portoff.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg

Constantin Brancusi

2011-12-06T01:25:00.001-04:30

Biografía y obras:

Constantin Brâncuşi (Constantin Brancusi en la grafíafrancesa), (Hobiţa, distrito de Gorj, Rumania, 19 de febrero de 1876 – París,16 de marzo de 1957) fue un importante escultor rumano, considerado pionero delmodernismo. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos,Rumania y Australia.

Brâncuşi nació en Pestisani Gorj, dentro de una numerosafamilia campesina. Trabajó como pastor desde los siete años de edad.

Sin estudios básicos, aprendió a leer por sí mismo. Entrelos nueve y once años combinaba su trabajo como ayudante de una tienda con suafición con las tallas de madera, parte importante de la cultura popular de supaís.

Un día llama la atención de un filántropo que le paga susestudios en la Escuela de Arte y Oficios en Craiova (ciudad del distrito Dolj,Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacionalde Bellas Artes en Bucarest desde 1898 hasta 1901. En 1903 realiza su primerencargo: un busto del general rumano Carol Davila.

Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios,mientras lavaba platos en un restaurante o cantaba en ceremonias de la Iglesiaortodoxa rumana. Como estudiante de arte coincidió y se vio influido porAuguste Rodin y el Impresionismo. Se muestra como uno de los primeros artistasdel arte moderno. En 1909-1910 trabajó con Amedeo Modigliani.

En 1912 el Salón Oficial de Bucarest le otorga el primerpremio de escultura y participa en el Salón de los independientes en París. En1913, presenta en Nueva York, Chicago y Boston Mademoiselle Pogany.

Es ya en 1924 cuando visita Rumania, mundialmentereconocido. En 1926 y 1928 viaja nuevamente a Estados Unidos.

En 1952, obtuvo la nacionalidad francesa y donó al Museo deArte Moderno de París su taller, con casi cien esculturas.

En 1955 presentó una retrospectiva de su obra en el MuseoGuggenheim de Nueva York.

Tenía una amplia gama de intereses, desde la ciencia hastala música. De hecho, era un buen violinista y solía tocar canciones popularesrumanas. Entabló amistad y contactos con una parte del círculo intelectual ysocial de París como Erik Satie o Marcel Duchamp, Pablo Picasso o GuillaumeApollinaire, además de otros rumanos como Emil Cioran.

Bracusi murió en París el 16 de marzo de 1957. Se encuentraenterrado en el cementerio de Montparnasse.

Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer enParís. Está considerado como uno de los grandes escultores del siglo XX. Suobra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura, pintura o diseñoindustrial.

Su obra, 1200 fotografías y 215 esculturas, evolucionó desde1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de losdetalles que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidaddistinta. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo XIXpara dar paso al arte abstracto que se abría camino.

Inspirándose en el arte escultórico prehistórico yafricano,1 intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante unasimplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce yla madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindroalargado.

Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro enel espacio. Entre otras obras de Brancusi se encuentran: Madre durmiente(1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzodel mundo (1924), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933), Elespíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).

En Targu Jiu hay un conjunto escultural Constantin Brâncuşique se considera la cima de su carrera. En 1938 presenta la Columna delinfinito, monumento a los jóvenes fallecidos durante la Primera Guerra Mundial.Conmemora el valor y el sacrificio del pueblo rumano que en 1916 se defendió dela invasión alemana. En el 2004 se terminaron unos trabajos de restauración dela obra primigenia que se encontraba deteriorada.

Estas obras se encuentran dispuestas en línea recta y son:

La Mesa del silencio

La Puerta del beso

La Columna del infinito

Este conjunto escultórico simboliza la vida del ser humano.

La Mesa del silencio y la Puerta del beso se encuentran enel parque principal de la ciudad; entre las mismas se encuentran sillas tambiénhechas por Brâncuşi y siguiendo la imaginaria línea determinada por estas dos,se llega a una de las iglesias ortodoxas de la ciudad. Continuando aún más poresta línea, se llega a la Columna del infinito (considerada su obra cumbre)ubicada también en el parque.

Algunas de sus obras alcanzaron cifras récord por unaescultura. Subastadas en Christie's en Nueva York, Danaide (de 1913) se vendiópor unos 18 millones de dólares en mayo de 2002, tres años después, superó estacifra su obra Pájaro en el espacio (de 1922), por algo más de 27 millones dedólares.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Constantin_Br%C3%A2ncu%C5%9Fi

Lía Bermúdez

2011-11-29T00:19:00.001-04:30

Biografíay obras:

Nacióen Caracas el 5 de agosto de 1930. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas yArtes Aplicadas de Caracas entre 1944 y 1946. Residente en Maracaibo desde1947, continuó sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Julio Árraga, dondetuvo por profesor a Jesús Soto, con quien trabajó en sus primeros tiempos.Desde 1952 adscribió a la corriente abstracto-geométrica, que ha tenido en ellaa uno de sus principales representantes del arte zuliano; en este sentido se haocupado, entre sus labores como escultora en hierro, del problema de laintegración artística, realizando obras para la arquitectura. Desempeñó durantemuchos años la cátedra de diseño en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo dela Universidad del Zulia y preside actualmente la Fundación del Centro de Artede Maracaibo, donde funciona el museo que lleva su nombre. Exposicionesindividuales más importantes: Centro de Bellas Artes, Maracaibo, estado Zulia,1957; Ateneo de Valencia, estado Carabobo, 1966; Galería de Artes Visuales,Universidad del Zulia, Maracaibo; Museum of Modern Art of Latin America,Washington, D.C., 1979; MACC, 1989. En 1992 este mismo museo presenta unaretrospectiva de su obra. Recompensas: segundo premio del Salón D'Empaire,Maracaibo; Premio Shell, Salón D'Empaire, Maracaibo; Premio Universidad deCarabobo, XXIV Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo;Premio Ejecutivo del Estado Zulia, Maracaibo, 1969; Premio Julio Morales Lara,XXXI Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo, 1977.

Bibliografía:www.bcv.org

Eugène Delacroix

2011-11-22T00:38:00.001-04:30

Biografía y obras:

(Charenton-Saint-Maurice,Francia, 1798-París, 1863) Pintor francés. Aunque nacido en el seno de unafamilia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben,que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, se da prácticamente porseguro que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia.

Se formó en el estudio de PierreGuérin, pero debe sus rasgos estilísticos a Géricault y Gros, coetáneos a losque admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue también un gran admiradorde la pintura inglesa.

En 1822 presentó por primera vezuna obra en el Salón, La barca de Dante, y en 1824 compareció de nuevo en elcertamen con La matanza de Quíos, cuadros ambos que fueron adquiridos por elEstado francés, a pesar de la fuerte polémica que provocaron. El pintor seinclina en estas primeras obras por temas que le permiten expresar una granintensidad emocional, plasmada con colores brillantes y gran libertadexpresiva.

Son estas creaciones las que loconvierten en la gran figura del Romanticismo francés, estilo del que seconsideran obras particularmente significativas La muerte de Sardanápalo y LaLibertad guiando al pueblo. En ambas, las figuras dibujan una línea diagonal,que constituye el eje compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando unaintensa sensación de movimiento y vitalidad.

Su viaje a Marruecos en 1832marca el inicio de su segundo período estilístico, en el que abundan los temasmarroquíes (Mujeres de Argel), en composiciones mucho más pausadas aunquetambién típicas del Romanticismo por su carácter exótico y por el uso delcolor, que adquiere un protagonismo constructivo y compositivo inhabitual hastaentonces.

Al final de su vida se convirtióen el gran decorador de interiores de París, con obras relevantes para elpalacio Borbón, el palacio de Luxemburgo, el Louvre y la iglesia deSaint-Sulpice. Fue uno de los personajes más ilustres de su tiempo, amigo deCharles Baudelaire y Victor Hugo entre muchos otros, y dejó un Diario queconstituye una interesante y valiosa fuente de información respecto a su vida ysu época.

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/delacroix.htm

Correggio

2011-11-15T00:33:00.001-04:30

Biografía y obras:

Correggio es el representanteprincipal de la denominada Escuela de Parma.

La producción del pintor AntonioAllegri, llamado El Correggio, se corresponde en estilo con esa etapa delperiodo del arte cinquecentista italiano colindante con el Manierismo, que yadurante la primera mitad del s.XVI habría comenzado a despuntar (será elprimero en ejecutar en la Lombardía obras "a la maniera moderna",como muy bien dejó escrito Vasari)

Conocedor de la obra de Mantenga(es posible apreciar esta circunstancia en el tipo de composiciones elegidas,además de en el tratamiento que confiere a la anatomía de sus personajes) yLeonardo, la fusión de ambas influencias con las recibidas de la dulzura propiade la pintura de Rafael y del movimiento miguelangelesco dará como resultado elsurgimiento de una personalísima autoría, caracterizada por lo que se vendrá enllamar posteriormente "morbidez" y un estilo cuidado, poético, ricoen contrastes lumínicos, vibrante colorido y delicadeza.

Poco es lo que se conoce acercade las circunstancias personales de Antonio Allegri, al igual que sucede con suetapa de formación, respecto de la cual existen diversas hipótesis.

Oriundo de la localidad deCorreggio (su sobrenombre va a derivar de este hecho), nace a finales del s.XV(las fechas de 1489 y 1493 son disputadas como posibles, aunque hoy día seconsidera más probable la primera debido a la datación de sus encargosiniciales), disfrutando de una breve vida cuyo término se producirá en el añode 1534.

La obra más antigua documentadade Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de losfranciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla esconocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modeloiconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de unesquema piramidal completamente clásico. Sin embargo, ya se puede apreciar enla misma el uso de la luz destinado a la consecución de una atmósferaenvolvente y al destaque de determinados puntos de la escena, tan propio de laproducción posterior del maestro.

Además, las influenciasapreciables en esta obra, junto con otra serie de circunstancias, han suscitadodiversas teorías acerca del hecho de que Correggio pudiera haber efectuado unviaje a Roma alrededor de esta fecha (1513 o 1518), llegando a conocer deprimera mano la obra de Rafael y Miguel Ángel. A donde sí es seguro querealizará un viaje es a Mantua, llegando a conocer así de primera mano la obrade Mantegna y sus discípulos.

Para una capilla de la mismaiglesia de San Francisco de Correggio realizará un poco más tarde, en 1517, ungran cuadro conocido como Descanso en la huída a Egipto, en el cual es posibleapreciar una intensificación, con respecto a la obra anterior, del uso declaroscuro y el "sfumatto", técnicas deudoras de Leonardo. A estaetapa inicial pertenece asimismo, entre varias otras tablas, Virgen con el niñoy San Juan. Será sin embargo un poco después (a partir de 1520), cuando acometala realización de una de sus principales obras: la decoración de la cúpula dela Iglesia de San Juan

Bautista, en Parma (ciudad a laque se trasladará en 1523 y donde habría realizado con anterioridad una seriede frescos para el Convento de San Pablo, el primer encargo que le procuraráéxito).

Es posible apreciar en eltratamiento otorgado a los personajes una escala más monumental, junto con unescorzamiento de las figuras, que evocan forzosamente las creadas por MiguelÁngel y Mantegna, aunque en clave dulcificada. Su pintura ha evolucionado haciatratamientos prebarrocos, como se puede apreciar en la inestabilidad de lasfiguras, la dramática expresividad de los rostros, el tratamiento de losropajes y la composición a base de una superposición de figuras (similarescaracterísticas se pueden apreciar posteriormente en la que será su másambiciosa obra: los frescos para la Catedral de Parma, 1526-1530).

En esta iglesia de San Juanpintará asimismo sendos lienzos que representan el Descendimiento de la cruz deun "escultórico" Cristo y el Martirio de los santos Plácido, Flavio,Eutiquio y Victorio. En ambos se aprecian, nuevamente, influencias de Mantengay Leonardo (imprime una mayor agresividad al empleo de escorzos y claroscuros).

Pertenecientes ya a la consideradacomo su etapa de madurez son obras tan representativas de su estiloevolucionado hacia presupuestos manieristas prebarrocos como la Adoración delos pastores, llamada también La Noche (donde repite el modelo iconográfico yaempleado en la Virgen adorando al Niño, actualmente en la Galería Uffizi), unaSagrada Familia con Santos (o Virgen de San Jerónimo, 1530) o la exquisitaVirgen de San Giorgio (hacia 1530).

La fama de Correggio se consolidaa partir de de estas fechas (tercera década del s.XVI), recibiendo encargo porparte de grandes mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico IIGonzaga, de ejecutar diversas obras de temática principalmente mitológica, enlas cuales Correggio despliega toda la sensualidad, gracia, colorismo ymovimiento propios de su pincel (Mercurio instruyendo a Cupido; Venus, el Amory un sátiro o la serie dedicada a los amores de Júpiter son un ejemplo deello). Una de sus últimas obras será la bíblica tabla del Noli me tangere(1534), encargada por el Duque de Medina de las Torres.

Bibliografía: http://www.arteespana.com/correggio.htm

Henri Matisse

2011-11-08T00:34:00.003-04:30

Biografía y obras:

(Cateau Cambrésis, 1869 - Niza,1954) Pintor francés. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888, en laUniversidad de París, que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedadque le retiene en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empieza a pintar, yen 1891, ya recuperado, vence la oposición de sus padres y abandona la carrerade leyes para entrar en la Escuela Julian, donde estudia bajo la dirección deBouguereau. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela deBellas Artes, donde cursa estudios de pintura durante cinco años. Es allí dondeconoce a Rouault y a Manguin. Asiste también a los cursos nocturnos de laEscuela de Artes Decorativas, donde entabla amistad con Marquet. Su primeraexposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. Ese mismoverano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. En1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner;también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajesson las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y elgrueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asistedurante algunos meses a las clases de Carrière, en cuyo taller conoce a Derainy a Puy. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las TresBañistas). Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que laobra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salónde Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta Lujo, calma yvoluptuosidad, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por lasteorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de laexaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.

1905 es el año de la presentaciónde una nueva tendencia que el crítico Vauxcelles bautizaría como Fauve, esdecir, fieras, en el Salón de Otoño. Los Stein adquieren en ese momento la obraMujer con Sombrero. Su obra Retrato de la Sra. Matisse causa, a pesar de susreducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón debido a la sabia saturaciónde los colores chillones. Matisse utiliza aquí el color en todas susposibilidades expresivas.

En 1906 expone de nuevo con elgrupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en elSalón de Otoño y realiza su primer viaje a África, donde le impresionan lostrabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. Pinta Naturalezamuerta con tapete rojo. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso yrealiza su primer viaje a Italia. En 1908, ilusionado por transmitir sus ideasa los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 yrealiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de AlfredStieglitz. En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interiorcon naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, dondeMatisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo sereservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que serefleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como unpreludio de lo que más tarde realizaría en África.

En 1909 recibe del coleccionistaruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La Danza y La Música; laprimera, puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como lasfiguras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de colorcontra el fondo abstracto;... las fuentes de este mural son variadas, desde lasfiguras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias.También en 1910 esculpe su primer altorrelieve, La Espalda .

En 1910 realiza una ampliamuestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet aMunich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911, viaja a Moscú parainstalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artesdecorativas bizantinas, que pasarán a ser un elemento esencial en su repertorioestilístico. Es claro ejemplo de ello El Estudio Rojo, en el que destaca lasimplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representael estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente concuadros y algunos otros objetos.

Poco después viaja a Marruecoscon Camoin y Marquet; pasa en el Norte de Africa los veranos de 1911-12 y1912-13. Del primer verano data Jardín Marroquí, una composición casi abstractade verdes y rosas. En 1913 participa con varias obras en el Armory Showneoyorquino y en la Secesión berlinesa. El estallido de la guerra provoca eltraslado de él y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, conquien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoce a Juan Gris. En 1915 realizauna exposición individual en la galería Montross de Nueva York.

En 1916 pasa el invierno en Nizapor primera vez. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultan ser muy de suagrado y decide pasar allí la mayor parte del tiempo. Comienza en su obra unaetapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertascomo temas predominantes. En 1919 realiza su primera muestra individual enLondres, en las Leicester Galleries. En 1920 colabora con los ballets rusos deDiaghilev realizando las escenografías de obras de Stravinski.

En 1925 realiza un nuevo viaje aItalia y su estilo se hace mas robusto, como muestra Figura Decorativa, que esconsiderada la obra culmen de la preocupación de Matisse por el desnudo en undecorado oriental: la figura se presenta esquemática y monumental. Empieza aalcanzar un éxito evidente (en 1927 obtiene el premio del CarnegieInternational de Pittsburg, y vende prácticamente todo en la exposición deDudensing Gallery en Nueva York).

Data de estos años Odalisca conpantalones grises, donde retoma la temática orientalista fuera del lugar deorigen, en el estudio de París. Entre 1929 y 1933 se le organizan exposicionesretrospectivas en Berlín, Basilea, Nueva York y París. Recibe encargos delcoleccionista americano Barnes para su fundación en Merion, Pennsylvania. Estosmurales retoman el tema de la danza, en un esquematismo que se adaptaperfectamente a su función decorativa.

En 1940, tras la derrotafrancesa, Matisse piensa en emigrar a Brasil, pero finalmente retorna a Niza;en 1941 sufre una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación retoma eltrabajo con fuerzas. En 1944 su mujer es arrestada y su hija deportada, Matissese vuelca en su arte. Al finalizar la guerra, expone con Picasso en el Victoriaand Albert Museum de Londres; después presenta una gran retrospectiva en elSalón de Otoño de París. Entre 1948 y 1950 trabaja en la decoración de laCapilla del Rosario de Vence (donde residía desde 1944). Se publica Jazz, una colecciónde reproducciones de los famosos papiers découpés (papeles recortados),acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hechacon papeles recortados es La Piscina de 1952, donde las figuras estándistorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua. En 1949 vuelve aNiza. El Museo de Lucerna le organiza su primera gran exposición antológica,con más de trescientas obras. En los últimos años de su vida, losreconocimientos a su trabajo se suceden con la concesión del premio de laBienal de Venecia (1950), la retrospectiva del Museo Nacional de Tokio (1951),la apertura de un museo dedicado a su obra en su ciudad natal y la individualen el Museo de Arte de San Francisco (1952). Murió el 3 de Noviembre de 1954 enNiza, a la edad de ochenta y cinco años.

Aunque Matisse sea conocidofundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. Alo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientosdel siglo XIX (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo) quetransformó en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueronPoussin, Chardin, Watteau, Courbet, Manet y Cézanne. Su posición histórica comoiniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de unmovimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitude influencia fue Picasso, con quién mantuvo una distanciada relación de amistady respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron lanaturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (elestudio).

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/matisse.htm

Willem de Kooning

2011-11-01T00:37:00.005-04:30

Biografía y obras:

(Rotterdam; 24 de abril de 1904 -Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizadoestadounidense.

En los años posteriores a laSegunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento delexpresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la actionpainting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron JacksonPollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó conotros movimientos artísticos.

Los padres del pintor, Leendertde Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenía unos cinco años deedad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz enuna firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistióa clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes, donde estudiódurante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unosgrandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en elbarco británico SS Shelly, hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, deBoston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.

Al final se estableció enHoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 setrasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y críticoJohn D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.

Desde 1928 de Kooning empezó apintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de laEscuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estabaexplorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composicionesgeométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en sutrabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad conlas de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenesartistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habíanconseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formasbiomórficas.

En octubre de 1935 de Kooningempezó a trabajar para la WPA, un proyecto de arte del gobierno federal. Fuecontratado por este programa hasta julio de 1937, cuando se despidió al igualque su compañero Santiago Martínez Delgado, debido a su estatuto de extranjero.Este período de unos dos años le permitió al artista, que se había mantenido alo largo de la Depresión gracias a trabajos comerciales, la primera oportunidadde dedicarse plenamente al trabajo creativo. Varios murales que diseñó nunca serealizaron.

En 1938, probablemente porinfluencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas,incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male), al tiempo quesimultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamentecoloreadas, tales como Pink Landscape y Elegy.

En 1938 conoció a Elaine MarieFried, luego conocida como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943.También ella fue una artista significativa.

Durante los años cuarenta ydespués, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionistaabstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los añoscincuenta. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneaselegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos,y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entradoslos años cuarenta. Este período incluye las representaciones bastantegeométricas de Woman yStanding Man, junto a numerosas abstracciones sin títulocuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras,desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta. Alrededorde 1945 las dos tendencias parecieron fusionarse perfectamente en Pink Angels.En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blancoy negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones; deestas obras, Light in August (c. 1946) y Black Friday (1948) son esencialmentenegras con elementos blancos, mientras que Zurich (1947) y Mailbox (1947/48)son blancas con negro. Tuvo su primer exposición individual, que consistía encomposiciones en blanco y negro, en la Charles Egan Gallery de Nueva York en1948.

A partir de entonces se convirtióen una figura sobresaliente de la vanguardia artística. Su trabajo se orientahacia las abstracciones complejas, agitadas, tales como Asheville (1948/49),Attic (1949), y Excavation (1950; Art Institute, Chicago), que reintrodujeronel color y parecían resumir con firme decisión los problemas de composición porlibre asociación con la que había luchado durante años.

Dio clases en los cursos deverano del Black Mountain College de Carolina del Norte con John Cage,Buckminster Fuller y Josef Albers, y en la Escuela de Yale de Arte en 1950/51.Viajó a Roma y San Francisco.

De Kooning había pintado mujerescon regularidad a principios de los años cuarenta, y de nuevo entre 1947 y1949. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarsecomo símbolos femeninos. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el temade las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividadartística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre,cuyo tema eran las mujeres. Comenzó con Woman I (Mujer I) (Museo de ArteModerno, Nueva York), que pasó por innumerables metamorfosis antes de que fueraterminado en 1952. En el mismo museo se encuentra Woman II (1952).

Concebía el arte de como"acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Lengerke), setrabaja con una intensa concentración dirigida en exclusiva al acto creativosin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces yviolentas, con espesas capas de óleo. Esta action painting produce una pinturaabstracta y vigorosa, de gran densidad y muy intensos desde el punto de vistacromático. Hacía una pintura "representativa y gestual a la vez, algoparecida, salvando las distancias, a la del español Antonio Saura" (J. A.Ramírez Domínguez).

Las distintas pinturas de mujeresse mostraron en la galería de Sidney Janis en 1953 y causaron sensación,principalmente porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañerosexpresionistas estaban pintando abstracciones y por su descarnada técnica. Lascomposiciones son planas, impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer.El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso de colores que parecían vomitadossobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiadobien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. Ampliassonrisas, dientes brillantes, pechos desmesurados más grandes que las cabezas,y bamboleantes, grandes ojos vacíos, muslos opulentos, parecen representar lasmás oscuras percepciones freudianas. Se trataría de "una representaciónsimbólica de la mujer como madre nutricia, depredadora y abusiva, una mujer deboca inmensa y mirada implacable, imagen fantasmagórica de la mujer devoradorade hombres" (Carrassat-Marcadé).

También mostró algunas pinturasque parecían volver a las obras primitivas mesopotámicas y acádicas, con losojos enormes, casi "que lo ven todo".

Durante más de diez años, deKooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer, una exagerada caricatura,"un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y losclichés" (Lengerke). Las pinturas Woman de la II hasta la VI (1952-53) sontodas variaciones sobre el mismo tema, así como Woman and Bicycle (1953;Whitney Museum of American Art, Nueva York) y Two Women in the Country (1954).La deliberada vulgaridad de estas pinturas recuerda a la serie Corps de Dame(1950), del pintor francés Jean Dubuffet, no menos cruda, en la que lofemenino, formado por una rica topografía de colores terrosos, se relacionanmás directamente con símbolos universales.

En 1955, no obstante, de Kooningparece haber vuelto a este aspecto simbólico de la mujer, como sugiere eltítulo de su Woman as Landscape, en que la figura vertical parece casiabsorbida por el paisaje abstracto. Siguieron luego una serie de paisajes talescomo Police Gazette, Gotham News, Backyard on Tenth Street, Parc Rosenberg,Suburb in Havana, Door to the River, y Rosy-Fingered Dawn at Louse Point, quemuestra una evolución desde la complejidad colorista a una simplicitad pictórica.

Sobre 1963, el año que se instalóde forma permanente en un estudio de Springs, Long Island, de Kooning volvió arepresentar mujeres en pinturas como Pastorale y Clam Diggers. Reexploró eltema a mediados de los años sesenta en pinturas que fueron controvertidas comosus tempranas mujeres. En estas obras, que se han interpretado como ataquessatíricos a la anatomía femenina, de Kooning pintó con extravagante lubricidad.

Vuelve cierto lirismo con susúltimas obras, tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III; en ellasbrillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido porHenry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos añosse inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.

El 14 de septiembre de 1964 elpresidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad,en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en1986 fue premiado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.

En los años ochenta de Kooningfue diagnosticado de Alzheimer, y un tribunal lo declaró incapaz para laadministración de su patrimonio, estando bajo la tutela de su hija desde 1989.Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguasascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby Pink Lady (1944) alcanzólos tres millones seiscientos mil dólares en 1987 y nterchange (1955) veintemillones seiscientos mil en 1989. Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón alos setenta años, en 1989.

Se debate mucho sobre larelevancia y significado de sus últimas pinturas, que se hicieron claras, casigráficas, aunque seguían aludiendo a las líneas biomorfas de sus primerasobras. Algunos dicen que su estado mental e intentos de recuperarse de una vidade alcoholismo lo habían incapacitado para consumar la maestría que apuntabansus obras tempranas, mientras que otros ven en sus últimas obras el precedentede los pintores de los años noventa de líneas claras, y con una relacióndirecta con pintores contemporáneos tales como Brice Marden. Otros queconocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se lasquitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas.

La primera biografía del artista,titulada de Kooning: An American Master, se publicó por Knopf a finales de2004. Sus autores, Mark Stevens y Annalyn Swan, recibieron el Premio Pulitzerde biografía.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Willem_de_Kooning

Francis Bacon

2011-10-25T01:51:00.004-04:30

Biografía y obras:

(Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 –Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés, de estilomuy personal que puede definirse como figuración expresionista. Aunque nació enDublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintoringlés debido a sus raíces familiares inglesas y a que desarrolló buena partede su producción en Londres.

Su padre entrenaba caballos decarreras en Dublín, pero debido a la Primera Guerra Mundial tuvo que mudarsecon su familia a Londres en 1914. Entre 1914 y 1925 la familia vivió entreInglaterra e Irlanda. La infancia de Francis Bacon no fue fácil. Padecía deasma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad leimpedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes leadministraban morfina. Fue expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años,al manifestar sus inclinaciones homosexuales.

En 1926 comenzó a tomar leccionesde dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 viveentre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores yes en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con susprimeros cuadros.

Residió durante medio año cercade Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocidoen una exposición en París. En esa época en Chantilly admiró el cuadro Lamasacre de los inocentes de Poussin, conservado en el Museo Condé sito en dichalocalidad. Este cuadro le inspiraría múltiples obras. Pero la influencia másimportante que le lleva a pintar es una visita a una exposición de Picasso enParís, la cual le impresiona y que será una influencia en su trabajo: «Aquellospierrots, desnudos, paisajes y escenarios me impresionaron mucho, y despuéspensé que quizá yo también podría pintar».

Bacon decidió que el tema de suspinturas sería la vida en la muerte: debía buscar a su yo más vital, perotambién al más autodestructivo. Michel Leiris le sugirió que «el masoquismo, elsadismo y casi todos los vicios, en realidad, eran tan solo maneras de sentirsemás humano».

En 1929 regresa a Londres, y deforma autodidacta comienza a pintar en óleo. No obstante no había logrado elreconocimiento, y cuando cumplió 35 años, por su carácter temperamental, destruyócasi todos sus cuadros.

Es hacia 1944 cuando finaliza eltríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión (Three Studies forFigures at the Base of a Crucifixion; Tate Modern de Londres), un cuadro queganó la aceptación y fue recibido muy bien por la crítica, además de serconsiderado como uno de los cuadros más originales en el arte del siglo XX.

A finales de los años 40 empezó aconformar su estilo más inconfundible. En 1949, el Museo de Arte Moderno deNueva York (MOMA), compró una obra suya. También en este año comienza la seriede versiones sobre el Retrato de Inocencio X de Velázquez (PalazzoDoria-Pamphili de Roma); hoy en día se conservan más de 40. Se cuenta que Baconse guio por fotografías y que se negó a ver el cuadro original, aun teniendoocasión de hacerlo; hay quien sospecha que tal afirmación era una broma y quesí contempló el original de Velázquez.

Francis Bacon realizó algunas delas pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo (que Margaret Thatcherdespreció como «asquerosos trozos de carne»), pero su carácter era tan atípicocomo poco dado a llamar la atención. En 1964 conoció a George Dyer, su amantepor muchos años, de la manera más chocante: le sorprendió robando en su tallery (según relató el mismo artista) terminaron la noche acostándose juntos. Surelación fue más bien tormentosa, si bien inspiró múltiples obras al artista, yDyer terminó suicidándose con barbitúricos en 1971. Tres años después Baconinició su relación más estable, con el joven John Edwards, quien heredaría susbienes (valorados en 11 millones de libras).

Bacon llevaba una vida más biensolitaria y poco dada a escándalos. Vivió etapas de gran actividad sexual ytenía gustos e intereses inusuales, pero vestía de forma austera y seguía unarutina diaria más propia de un trabajador. Después de pintar, acudía a pubs abeber cerveza.

Curioso y desordenado, Baconacumulaba en su taller innumerables recortes de prensa y fotografías de obrasde arte antiguas, especialmente de Velázquez. También le interesaban las viejaspelículas de atletas saltando y corriendo, así como de aves y demás animales,pues le fascinaba el movimiento de los seres vivos. El taller de Bacon estabatan desordenado, que el artista pisaba sus propias obras. Solía desecharbastantes si no estaba satisfecho con ellas; en cierta ocasión entregó varias aun electricista que había acudido a reparar algo. Décadas después, estas piezasfueron subastadas y alcanzaron altas cifras.

El taller de Bacon fue donado porsu heredero John Edwards al museo Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín. Fuedesmontado y trasladado como una obra de arte en sí misma a dicho museo.

Bacon visitaba el Museo del Pradocon relativa frecuencia; a veces en privado, cuando el museo estaba cerrado. Serumorea que sus últimos viajes a Madrid se debieron a que mantenía una relacióncon «un banquero español» llamado José, que recibió algunas pinturas suyas,pero esta cuestión se mantiene bajo un manto de silencio. Del 3 de febrero al19 de abril de 2009 el Prado acogió una exposición antológica de Bacon,co-organizada con los museos Tate Modern de Londres y Metropolitan de NuevaYork.

Los cuadros de Bacon tieneninfluencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también sepercibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En suscuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por logeneral aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacioscerrados y oscuros.

Los retratos y autorretratos sonuna gran parte de las pinturas; destaca entre ellos George Dyer en un espejo(Portrait of George Dyer In a Mirror, 1968), del Museo Thyssen-Bornemisza deMadrid, en donde refleja la fragilidad del ser. Refleja la época que vivió, laSegunda Guerra Mundial.

En otros cuadros como Cabezarodeada de carne de vaca (Head Surrounded by Sides of Beef, 1954), delInstituto de Arte de Chicago, y en la serie Perros que gruñen (Dogs), Baconrefleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinaciónde la naturaleza humana por la violencia.

A lo largo de toda su carreraBacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero suscuadros pertenecen al racionalismo. Sin embargo, para algunos autores la obrade Francis Bacon no pertenece a tal corriente. Se trata de una pintura de corteexpresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningúnmovimiento artístico. Simplemente prosiguió lo que él consideró (en lasentrevistas que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta) unalínea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con lafiguración y la representación obsesiva del cuerpo humano. Según el filósofofrancés Gilles Deleuze, autor de uno de los ensayos que mejor analizan la obradel pintor (Francis Bacon: Logique de la sensation), la figuras de Bacon sonlas que mejor representan al hombre del siglo XX: si Cézanne lo hizo con elpaisaje, Giacometti y Bacon llevaron al hombre a su mejor representaciónartística, en relación al hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado porel arte.

Además del Museo Thyssen, otrosmuseos españoles que cuentan con obra de Bacon son el Museo Reina Sofía deMadrid (Desnudo tumbado) y el Museo de Bellas Artes de Bilbao (Figura recostadaante un espejo).

El arte de Francis Bacon haexperimentado un extraordinario repunte de precios en el mercado de lassubastas. Apreciado sólo por unos pocos conocedores y coleccionistas hasta quealcanzó una edad madura, Bacon vio cómo sus precios ascendían a principios delos años 90, pero no vivió lo suficiente para presenciar este fenómeno en todosu actual alcance. Él parecía mantenerse ajeno a su éxito; mantenía su rutinaaparentemente anodina y vestía con ropajes oscuros y aspecto más bien bohemio.Según las malas lenguas, varios de sus compañeros sexuales se aprovechaban deél económicamente, y también su galería habitual, Marlborough Fine Art, fueacusada de exprimirle por mero lucro, dosificando la llegada de sus obras almercado para contener (o elevar) sus precios. Bacon suscribió en 1954 uncontrato de exclusividad con Marlborough, que se mantuvo hasta sufallecimiento. Este acuerdo incluía no sólo la venta de sus obras, sino tambiénlos derechos de reproducción fotográfica de las mismas. En 2003, Marlboroughmantenía un litigio con el Bacon Estate (herederos de Bacon) .

Las dos pinturas existentes en elMuseo Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao se adquirieron en losaños 80, antes de que las cotizaciones se disparasen. Según la revista Descubrirel Arte, el Desnudo tumbado se compró por unos 60 millones de pesetas y ahorase cotiza por encima de los 4.000 (25 millones de euros). El polémico artistaactual Damien Hirst pagó unos 23 millones de euros por una importante obra deBacon, a quien elogió afirmando: «Jodió en el infierno». Se ha pretendidoerigir a Bacon en antecesor o abuelo de los llamados Young British Artists,aunque casi todos los críticos rechazan tal vínculo. El magnate RománAbramóvich pagó unos 86 millones de dólares (54,5 millones de euros) por otraobra suya, Tríptico 1976, a fin de regalársela a su novia, Daria Zhukova.

Según la citada revista, sonvarios los coleccionistas españoles que cuentan con obras de Bacon, un fenómenoinusual tratándose de una artista contemporáneo extranjero, tan cotizado y deestilo cuando menos inquietante. Se cuenta que Alicia Koplowitz poseía uncuadro suyo, y que lo vendió porque le resultaba desagradable para su casa.Hubo de ser una decisión equivocada, pues poco después los precios del artistase elevaron exageradamente. El empresario Juan Abelló posee tal vez el mejorrepertorio de Bacon en España, con dos trípticos y un raro dibujo de 1933.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Bacon_(pintor)

Marcel Duchamp

2011-10-18T00:19:00.001-04:30

Biografía y obras:

Artista francés (Blainville,Francia, 1887-Neuilly, id., 1968) nacionalizado estadounidense. El más joven deseis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística(de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond),recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, quehubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todaslas tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo,cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto ibaa ser una de las constantes de su fecunda trayectoria.

En 1912 presentó su Desnudobajando una escalera, n.º 2, obra personalísima en la que aunó elementoscubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación delmovimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvoque esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York,donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.

Tras realizar unos pocos cuadrosmás, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en sutrayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El granvidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesisentre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma épocarealizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muyescasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de artepor la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimoque tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte delsiglo XX.

En 1917 se reencontró en NuevaYork con su amigo Francis Picabia, al que secundó en su tarea de dar a conocerel movimiento dadá en Estados Unidos, para lo cual participó en la creación derevistas adscritas al movimiento como 291 o El ciego. Durante buena parte delas décadas de 1920 y 1930 abandonó la práctica artística por la semiprofesionaldel ajedrez, juego del que llegó a ser un moderado experto. Desde 1934estableció fuertes lazos con el movimiento surrealista, especialmente conBreton, que en 1935 publicó el primer estudio concienzudo de su obra. Poco apoco, Duchamp fue recluyéndose en el anonimato con la única compañía de suesposa, Teeny Sattler, con quien había contraído matrimonio en 1954.

Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/duchamp.htm

Zoltan Szabo (1928 - 2003)

2011-10-11T00:23:00.002-04:30

Biografía y obras:

Nacido en Hungría emigró de joven huyendo del comunismo antesde la revolución húngara hacia la América del Norte, vivió y trabajó enCanadá unos 30 años. En los años 70, semudó a Arizona y finales de los 80 se mudó a Carolina del Norte. Nunca dominóel acento sureño pero sin embargo, encontró casa y amigos. Sin olvidar nunca sus raíces y sus amigos en Hungría, hamantenido una pared de trofeos con imágenes de sí mismo con el ex primerministro canadiense, Pierre Truedeau y ex vicepresidente de EE.UU. Al Gore.También en la colección está su certificado de ciudadanía estadounidense querecibió en 1995.

Zoltan fue el autor de numerososlibros sobre la pintura en acuarela yrealizó talleres en América del Norte desde la Florida hasta Alaska y desdeCalifornia a Nueva Escocia. Talleres de viaje incluida Hungría, Noruega, Rusia,Bélgica, Italia, Escocia, Japón y Arabia Saudita.

Bibliografía: http://www.zoltanszabo.com

Victor Brecheret

2011-10-04T01:45:00.005-04:30

Biografía y obras:

Biografia y obras:

Vittorio Brecheret (São Paulo, en elEstado de São Paulo, 1894 - ídem, 1955). Escultor. Inicia su formaciónartística en 1912, estudiando dibujo, modelado y grabado en madera, en el Liceode Artes y Oficios de São Paulo. Desde 1913 hasta 1919 viaja para estudiar enRoma, donde recibe clases del escultor Arturo Dazzi (1881 - 1966). Regresa aSão Paulo e instala su taller en el Palacio de las Industrias, en una salacedida por Ramos de Azevedo (1851 - 1928). Es descubierto por los modernistas Hélios Seelinger (1878 - 1965), Menotti Del Picchia (1892 - 1988), Máriode Andrade (1893 - 1945) y Oswald de Andrade (1890 - 1954), quienes pasan adivulgar su obra. En 1921 viaja a París con una beca de estudios del PensionatoArtístico do Estado de São Paulo [Pensionado Artístico del Estado de SãoPaulo]. En la capital francesa toma contacto con los escultores Henry Moore(1898 - 1986), Emile Antoine Bourdelle (1861 - 1929), Aristide Maillol (1861 -1944) y Constantin Brancusi (1876 - 1957). Hasta 1936 alterna su estancia enFrancia con estancias en Brasil. Entre 1921 y 1929 expone en el Salond'Automne, en el Salon de la Société des Artistes Français - Section deSculpture et Gravure sur Pierre y en el Salon des Indépendents. Aunque seencuentra fuera del país, participa con 12 esculturas en la Semana de ArteModerno de 1922. En 1932 se convierte en socio fundador de la Sociedad Pro ArteModerno - SPAM. En 1936 inicia la ejecución del Monumento às Bandeiras, cuyoanteproyecto remonta a 1920 y que es inaugurado en 1953, en la Plaza ArmandoSalles de Oliveira, en São Paulo. En los años 1940 y 1950 realiza esculturaspara sitios públicos, fachadas y bajos relieves, entre otras obras. En eseperiodo, auge de la carrera del artista, retrata con terracota, bronce y piedracon incisiones las figuras y las costumbres de la cultura indígena brasileña.

Bibliografía:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=artistas_biografia_esp&cd_item=1&cd_idioma=28557&cd_verbete=4233

Maestros de la acuarela

2011-09-27T00:57:00.000-04:30

Alberto Durero

Paúl Cezanne

Edward Hooper


Georgia O´Keeffe

William Turner

John Singer Sargent

Vincent Van Gogh

Vladimir Volegov

2011-09-20T00:34:00.000-04:30

Biografía y obras:

Nació en khabarovsk, Rusia,comenzó a pintar a la edad de tres años y su talento fue notado repetidamentepor su adolescencia, después haber asistido a la escuela de arte de"krivoj rog" y haber estado en el ejercito, fue admitido al institutopoligráfico de lvov (en la editoras haciendo diseñas de carteles, cd, refugiosde cassette de grupos musicales. trabajando con las empresas editoras él siguiópintar sus cuadros y participar en exposiciones.

A partir del ano 1990 comenzó aviajar por Europa donde él ganaba el dinero pintando retratos en las calles deBarcelona, Berlín, Viena y otras ciudades europeas, gracias a la experiencia élafiló sus habilidades en la representación de la forma humana. Durante los últimosveinte años, su arte ha evolucionado en el trabajo figurativo. su paleta decolor vibrante y sus golpes valientes se funden para crear imágenes enigmas queposeen una sensibilidad eterna.

En febrero de 2004 firmo elcontrato con americana empresa editora "Soho ediciones", y tambiéncolabora con galerías de Italia y Francia.

Bibliografía: http://www.figurativas.org/a/720/vladimir-volegov

Cristóbal Rojas

2011-09-13T01:50:00.000-04:30

Biografía y obras:

Fue un pintor venezolano nacido en Cúa estado Miranda el 15 de diciembre de 1858 y murióCaracas el 8 de noviembre de 1890, junto a Arturo Michelena uno de los másimportantes pintores del siglo XIX venezolano. Sus padres fueron CristóbalRojas, de profesión médico, y su madre Alejandra Poleo. Su infancia transcurrióen medio de la guerra federal (1859 -1863) en una Cúa muy convulsionada por loseventos de la Guerra. Realizó estudios básicos bajo la tutela de su abuelo JoséLuis Rojas, quien motivó y estimuló su vocación por el dibujo. A la edad de 13años, su padre murió y comenzó a trabajar en una fábrica de tabaco de Cúa paraayudar al mantenimiento de su familia. En 1878 se produjo un terremoto quedevastó la región de los valles del Tuy. Los Rojas quedaron prácticamente en laindigencia y se trasladaron a Caracas, donde Cristóbal proseguirá sus estudiosde pintura, no obstante se vió obligado a trabajar de nuevo en una tabaqueríapara sostener a su familia. Estudió con José Manuel Maucó en la UniversidadCentral de Venezuela. Hacia finales de 1880 y 1882, realizó sus primeros óleoscon una técnica todavía algo primitiva en la que plasmó los eventos de lasRuinas de Cúa y Ruinas del templo de la Merced; por estos año conoció al pintorAntonio Herrera Toro, quien venía de estudiar en Roma y quien lo contrató comoayudante en la decoración de la catedral de Caracas.

Para 1883, Rojas expone unlienzo, titulado La muerte de Girardot en Bárbula, en el Salón del Centenariodel nacimiento del Libertador Simón Bolívar y se hace acreedor a medalla deplata (segundo lugar) junto con el pintor Arturo Michelena. Este galardón leotorgara una beca del gobierno de 50 pesos al mes, para estudiar en Europa. Aprincipios del año siguiente, Rojas se encuentra instalado en París dondeentabla amistad con Emilio Boggio, por cuyos consejos se inscribe en la[[Academia Julian en el taller de [[Jean Paul Laurens] Un compatriota ArturoMichelena se le unirá en la capital francesa en 1885 y con quien comparteamistad hasta el año de 1887. En el periodo comprendido entre 1883 a 1890 Rojastransitara lentamente a través de de diferentes tendencias pictóricas lascuales van desde post-romanticismo hasta el impresionismo.

De temperamento enfermizo ymelancólico, Rojas se muestra inseguro y lento; ambiciona alcanzar la maestríade los clásicos, inspirado en el ejemplo de las obras que descubre en suscontinuas visitas al Museo del Louvre. Entre 1886 y 1889 expondrá sus grandeslienzos para el Salón Oficial de París, que consumen todo su tiempo, sin que elartista se dé por satisfecho y sin lograr el éxito esperado: La miseria (1886);El violinista enfermo (1886); La taberna (1877); El plazo vencido (1887); Laprimera y última comunión (1888); El bautizo (1889).

A partir de El bautizo, seobserva un apreciable cambio en su obra; una percepción más aguda de laatmósfera cromática le aleja de los sombríos acentos del claroscuro de losholandeses; esta tendencia se hace más patente en Dante y Beatriz a orillas delLeteo (1889), obra de corte simbolista donde se aprecia la influencia de losnabis (grupo de pintores franceses que intentaron conciliar las estéticasmodernista y simbolista]], que Emilio Boggio le había hecho comprender. Apartir de 1889, Rojas abandona la pintura de efectos dramáticos que eracostumbre enviar al Salón Oficial y aborda el paisaje y la figura, observadosdel natural con un colorido cada vez más próximo al de los impresionistas.

Es el año de 1889 y sin elsubsidio de la beca que le había sido suspendida dos años ante por orden delPresidente de la República Antonio Guzmán Blanco, Rojas enfermo detuberculosis, se ve obligado a regresar a Venezuela en 1890, trayendo consigoEl Purgatorio (1890), que le había sido encargado por el Cabildo Eclesiástico yun retrato del presidente Juan Pablo Rojas Paúl. Fallece al poco tiempo de suregreso a Caracas el 8 de noviembre de 1890.

Bibliografía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Crist%C3%B3bal_Rojas

Tiziano Vecellio

2011-09-06T00:50:00.000-04:30

Biografía y obras:

Pintor destacado perteneciente a la Escuela Veneciana dels.XVI, Tiziano recoge en sus inicios el testigo dejado por Giorgione paraevolucionar en los presupuestos por él introducidos relativos a luz, color ypercepción, tan distintos ya de los empleados por los anteriores maestrosvenecianos quattrocentistas (las líneas son más imprecisas, predomina el color,los contornos se difuminan…), llegando en su vejez a crear composiciones queasombrosamente prefiguran formalmente el posterior impresionismo.

Tiziano es un pintor de la alegría, la sensualidad y laelegancia, como se puede apreciar en sus conocidas composiciones de caráctermitológico, además de un avezado observador de la realidad y del carácterhumano, tal y como atestiguan los múltiples retratos que realizó (tipologíadestacable en su producción por la originalidad que consiguió imprimirle,conformándose en maestro de posteriores pintores).

Oriundo de la región de Cadore, Tiziano nace en el seno deuna conocida familia en un año aún por determinar (se cree que su alumbramientose debió producir hacia 1487). Junto con su hermano será enviado a Venecia enfecha temprana, entrando a formarse al taller del mosaísta Zuccato primero y delos pintores Gentile y Giovanni Bellini después. Sin embargo, y según palabrasde los teóricos Dolce y Vasari, Tiziano, sintiendo mayor inclinación por elnuevo estilo propio del Cinquecento, adoptará la resolución de tomar por"maestro" finalmente a Giorgione.

Tanto asimilará el estilo de este pintor que incluso hoy díaexisten dudas con respecto a la atribución de determinadas obras, puesto queserá mucha la perfección que Tiziano alcance en la imitación de su estilo.Existirían también obras consideradas pertenecientes a su periodo"bellinesco" aunque su autoría presenta dudas igualmente.

Su primer encargo seguro, ejecutado a medias con Giorgione,dataría del año de 1508: los frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi,perdidos en la actualidad debido a una mala conservación. Esta obra contribuiráa que sea llamado a Padua para pintar en la Scuola de San Antonio los milagrosdel santo o las Tres historias de San Antonio (1510-1512).

De regreso en Venecia (1513), el Consejo de los Diez encargaa Tiziano una pintura de temática histórica para la sala del Consejo Mayor delPalacio Ducal, optando finalmente éste por una obra acerca de la batalla delCadore. Esta obra, llamada la Gran Batalla, fue destruida en el año de 1577 ytan sólo se conoce cómo debió ser gracias a algunos dibujos y copias.

Encargos de esta época asimismo serán las obras Noli metangere, su original obra alegórica El amor sagrado y el amor profano y algunosde sus famosos retratos de féminas, tales como Flora.

En fecha de 1516 el prior de los Frari le encomienda laejecución de una obra para el altar mayor de su iglesia, encargo que dará lugaral óleo la Asunción (1518). El reconocimiento por este último trabajo vendrá asumarse a la fama que Tiziano había venido cosechando, resultando determinantea la hora de comenzar a recibir solicitudes de fuera de Venecia. En Ferraraentre 1516 y 1520 trabajará realizando algunos retratos para los Este y ladecoración de tema mitológico del gabinete del duque Alfonso (la serie conocidacomo "las Bacanales"), además de algunos cuadros de gentilhombres dela corte.

Compone algunas obras de temáticareligiosa en estos años, como el retablo Pésaro para la iglesia dei Frari(1519-1526) y el Políptico de Brescia (hacia 1522), además de un Descendimientode Cristo finalizado en 1525. De esta fecha dataría asimismo el retrato deFederico Gonzaga con un perro (unos años antes Tiziano habría entrado encontacto con la corte de los Gonzaga en Mantua, además de con una corriente queresultará decisiva en su posterior evolución: la manierista).

Después de ejecutar en 1527 undestruido políptico para la veneciana iglesia de los Santos Juan y Pablo,Tiziano recibirá el encargo de pintar un retrato del emperador Carlos V, siendonombrado posteriormente por el mismo "retratista oficial", además deinvestido con diversos cargos nobles. Esta colaboración le resultará sumamenteprovechosa, puesto que en un futuro será su hijo, Felipe II, uno de sus mejoresclientes.

De estos años son algunosretratos de personajes pertenecientes a las principales familias de Italia,como Hipólito de Médici o Isabel del Este, además de diversas obras de temáticareligiosa y mitológica. El maestro también entrará en contacto, gracias aSebastián Serlio, con la corte de Urbino, para cuyo duque y su familiaejecutará diversas obras, entre las que se encuentra la famosísima Venus deUrbino (1538).

Su etapa manierista puede decirseque se manifiesta con fuerza en la obra la Batalla de Cadore, que ultima enestos años, además de en la decoración de los techos de la iglesia del SantoSpirito in Isola (1542-44), abundante en escorzos y claroscuros, en el cuadrola Alocución de Alfonso de Avalos (1541??) y en el Ecce Homo de Viena (1543).

Tras su San Juan Limosnero de1545, Tiziano vuelve a los retratos: Clarice Strozzi, Paulo III, el denominadoJoven inglés y el escritor Pietro Arentino. En Roma, adonde parte en octubre deeste mismo año, continúa con esta tipología, aunque realizará también obras detemática religiosa y mitológica, caso de la famosa Dánae encargada por elsobrino del Papa, Octavio Farnesio.

Después de un breve paso porFlorencia, donde sus servicios son rechazados por el Gran Duque Cosme I, yVenecia, en 1547 Tiziano acepta la invitación de Carlos V a Augsburgo,encaminándose hacia la corte un año después con su hijo y su sobrino. Aquí,Tiziano, continúa con su producción de retratos: Carlos V, glorioso vencedor enMühlberg, a caballo, Felipe II, Antonio Anselmo, el obispo Ludovico Beccadelli,e incluso Juan Federico de Sajonia, el derrotado.

En estas fechas se cree que debiópintar también su famosa Venus con el organicista (hacia 1548), modeloposterior de otras versiones de Venus. Y sobre 1549 realizará además, para lahermana del emperador, María de Hungría, la serie conocida como Las Furias, dela cual tan sólo se conservaron dos lienzos: Sísifo y Ticio.

En 1551 regresa a Venecia (no hayque olvidar que habría conseguido el cargo de pintor oficial en 1516), aunquetodavía mantiene relaciones de trabajo con la corte de Augsburgo, realizando enestos años para Felipe II obras como Venus y Adonis, unas cuantas Dánae, Dianay Acteón y Diana y Calisto, además de una serie de cuadros de temáticareligiosa.

Siguientes obras serán laTransfiguración de San Salvatore de Venecia y el Retablo de San Sebastián parala capilla votiva de Niccoló Crasso . La producción tizianesca de estos añospresenta algunas dudas puesto que, debido a que el pintor debe hacerse cargocada vez de un número mayor de encargos, recurrió con frecuencia a suscolaboradores.

También comienza a ser apreciableen su manera de pintar una inmediatez en el trazo cada vez mayor, así como lacreación de atmósferas "dramáticas" (que tanto recuerdan aRembrandt), características que desembocarán en los años 70 en obras donde elpincel grueso e impreciso y los contrastes lumínicos y de color protagonizansus cuadros.

Ejemplos de esta nueva forma deconcebir la pintura son el Santo Entierro (1566), la obra conocida como Lareligión socorrida por España, la Coronación de espinas (1570), Tarquino yLucrecia o el Descendimiento de Cristo, pintado por Tiziano en principio parala iglesia de los Frari, donde fue enterrado al día siguiente de su muerte el27 de agosto de 1576.

Bibliografía: http://www.arteespana.com/tizianovecellio.htm

Charles Sheeler

2011-08-30T00:46:00.003-04:30

Biografía y obras:

(Filadelfia, 1883- id., 1965) Pintor y fotógrafo estadounidense. En 1906 viajó a París, donde se sintió atraído por el cubismo; en 1919 se estableció en Nueva York, y trabajó como fotógrafo hasta 1929. Representó máquinas, fábricas y temas de carácter tecnológico, en lo que llamó paisaje americano. Su estilo, caracterizado por la meticulosidad del detalle, la precisión de los contornos y la luminosidad fotográfica de los colores, recibió el nombre de precisionismo o realismo cubista.
Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sheeler_charles.htm

Eduardo Arroyo

2011-08-23T00:32:00.003-04:30

Biografía y obras:

Pintor español (nació en Madrid, 1937) de estilo figurativo vinculado al pop art. Clave de la nueva figuración española, Arroyo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 80, tras un alejamiento de dos décadas forzado por el régimen franquista. Actualmente, sus obras cuelgan en los más reputados museos españoles y su creatividad se extiende a las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas. Tras finalizar la carrera de Periodismo (1957), se trasladó a París (“como muchos otros”, según él) huyendo del ambiente asfixiante del franquismo. Dejó atrás una primera etapa de caricaturista con incipientes coqueteos en la pintura, aunque su primera vocación fue escribir, tarea que prosigue hasta hoy.

Simultaneó la escritura con la pintura, pero ya en 1960 vivía de su labor como pintor. Su actitud crítica ante las dictaduras, tanto las políticas como las artísticas, le empujó a iniciativas controvertidas. Optó por la pintura figurativa en unos años de aplastante dominio de la pintura abstracta en París, y sus primeros temas recordaban a la “España negra” (efigies de Felipe II, toreros, bailarinas) pero en clave cáustica y nada romántica. De un uso matérico del color, Arroyo pasaría a una técnica más propia del “pop art”, de colorido vivo y pincelada más lisa. Temprano ejemplo de ello es “Robinson Crusoe”, de 1965 (Lausana, Museo Cantonal de BB.AA.).

Arroyo expuso en una colectiva en París ya en 1960 (“Salón de la Joven Pintura”), pero su primer impacto público se produjo tres años después, al presentar en la III Bienal de París una serie de efigies de dictadores, que provocó las protestas del gobierno español. Igualmente en 1963, Arroyo preparó una muestra en la galería Biosca de Madrid, que se inauguraría sin su presencia, ya que debió huir a Francia perseguido por la policía; la exposición se censuró y cerró a los pocos días.

La opción figurativa de Arroyo tardó en ser aceptada en París. Su primera clientela más o menos estable fue italiana; gracias a sus ventas en Italia pudo subsistir en Francia.

Rechazaba la devoción incondicional por algunos vanguardistas (Marcel Duchamp, Joan Miró), que consideraba impuesta por modas. Pero aunque le han etiquetado de reaccionario, es doblemente rebelde en realidad: desmitifica a los grandes maestros y defiende el papel del mercado como protector y termómetro del arte, frente a la red de museos e influencias sufragada con el dinero público, ridiculiza y “reinterpreta” los tópicos españoles con toques surrealistas. Ejemplo de ello es el lienzo “Caballero español”, donde el protagonista posa con un vestido de noche (1970; París, Centro Georges Pompidou). En 1974, Arroyo fue expulsado de España por el régimen, y recuperaría su pasaporte tras la muerte de Franco, en 1976. Sin embargo, su despegue crítico en España no fue inmediato y se demoraría hasta principios de los 80; en 1982 se le otorgó el Premio Nacional de Artes Plásticas de España, un desagravio por el olvido sufrido hasta entonces. Ese mismo año, el Pompidou de París le dedica una retrospectiva. Dicho museo posee otra pintura relevante: “Dichosos quién como Ulises I” (1977).

Su actividad como escenógrafo arrancó con el cineasta Klaus Grüber, y tuvo uno de sus hitos en 1982, con “La vida es sueño” de Calderón de la Barca, bajo dirección de José Luis Gómez. En 1999 montó con Grüber la ópera “Tristán e Isolda”, de Wagner, en el Festival de Salzburgo. También ha producido esculturas e ilustra libros.

Arroyo cuenta actualmente con presencia en los más importantes centros de arte. El Museo Reina Sofía de Madrid expone dos lienzos, destacando “Carmen Amaya asa sardinas en el Waldorf Astoria”, donde el personaje se representa simbólicamente con un mantón andaluz. El Museo de Bellas Artes de Bilbao, que le dedicó una muestra, posee “El camarote de los hermanos marxistas”, que mezcla cine y comunismo, dos de sus temas recurrentes. Es aficionado al boxeo y fue invitado por José María Aznar a boda de su hija. Reside en un chalet de la Colonia de El Viso, en las cercanías de Chamartín.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Arroyo

Richard Estes

2011-08-16T00:01:00.006-04:30

Biografía y obras:

Richard Estes (nacido el 14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor estadounidense conocido por sus pinturas fotorrealistas.

Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época.

Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. También reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento foto-realista internacional de finales de los años sesenta, con artistas como Malcom Morley, Chuck Close y Duane Hanson.

Con corta edad, la familia de Richard se mudó a Chicago. Allí, siendo un joven adulto, estudió en el Instituto de Arte de Chicago desde 1952 hasta 1956 donde se interesó por la obra de otros pintores realistas como Edgar Degas, Edward Hopper y Thomas Eakins, ya que todos ellos estaban ampliamente representados en la colección del instituto. En 1956 se estableció definitivamente en Nueva York tras finalizar sus estudios. Los años siguientes trabajó como artista gráfico de varias revistas y agencias de publicidad en Nueva York y en España, país en el que vivió en 1962. En 1966 disponía del capital suficiente para dedicarse enteramente a su pintura. En 1968, celebra su primera exposición individual en la Allan Stone Gallery de Nueva York.

La mayor parte de sus obras del principio de los años sesenta representan a habitantes de ciudades desarrollando actividades cotidianas. Alrededor de 1967 el artista empezó a pintar fachadas de tiendas y edificios con ventanales de cristal, y lo que es más importante, las imágenes reflejadas que se mostraban en estos ventanales. Los cuadros estaban basados en fotografías a color en los que captaba la naturaleza evanescente de los reflejos, que podían cambiar por la iluminación y la hora del día.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Estes

Pan Yuliang

2011-08-09T00:07:00.005-04:30

Biografía y obras:

Pintora china nacida en 1899 cuando se llamaba Zhang Yuliang, Vendida a un burdel de niña tras la muerte de sus padres, creció para convertirse en una prostituta. Llamó la atención de Pan Zanhua un oficial rico, que compró su libertad y se casó con ella como segunda esposa. Comenzó a pintar, viajando con el tiempo a París para estudiar, donde obtuvo cierto aplauso. Sus pinturas de modelos desnudos violaron normas culturales en China y generó mucha controversia. Se vio obligada a trasladarse a Francia para seguir su obra. Allí permaneció hasta su muerte en 1977. Su historia está narrada libremente en la película china Hua Hun (Un alma perseguida por la pintura) que fue lanzada en 1995 con Gong Li interpretando a la artista. La novela de Jennifer Cody Epstein, The Painter from Shanghai («La pintora de Shanghai», NY: Norton, 2008), se basa en la vida de Pan Yuliang.

Biliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Pan_Yuliang

Paula Rego

2011-08-01T23:59:00.006-04:30

Biografía y obras:

Paula Figueiroa Rego (Lisboa, 1935) es una pintora e ilustradora portuguesa, nació en Lisboa dentro de una familia adinerada durante los años del régimen de Salazar, lo que quizás fuera una primera influencia para sus posteriores personajes, siniestros y dominantes. Enviada a estudiar a St Julian's School, Carcavelos, Portugal después ingresó en la prestigiosa Slade School of Art de Londres, donde fue alumna de William Coldstream.1 En la Slade School conoció al también artista Victor Willing, con quien contrajo matrimonio. Ambos dividieron su tiempo entre Portugal e Inglaterra hasta 1975, cuando se trasladó definitivamente a las islas británicas. En 1988 Willing muere después de sufrir durante años de esclerosis múltiple. Suegra de Ron Mueck esta le influirá para pasar de sus trabajos en empresas de efectos especiales al arte dentro de las galerías. En 1989 entró en la lista de candidatos al premio Turner y en 2005 se le concedió el grado de doctor honoris de letras por la Universidad de Oxford.Sus primeros trabajos datan de las décadas de 1960 y 1970, neodadaísta o estilo informal. Mezcla diferentes técnicas con pintura y collage, juega con imágenes infantiles, fetichistas y traumáticas. Las cuales serían fundamentales en su estilo de . Formó parte del London Group, con quienes participó en exposiciones colectivas junto a artistas de la talla de David Hockney y R. B. Kitaj. Rego desarrolló un estilo más ilustrativo y figurativo. Relacionada con Francis Bacon y Lucian Freud pero con una fuerte influencia de Beatrix Potter y sus libros de cuentos de hadas. Su trabajo ofrece a menudo una cara siniestra, acentuando la dominación maliciosa y la subversión del orden natural. Se ocupa de realidades sociales polémicas, un ejemplo sería Triptych (1998) sobre el tema del aborto, actualmente en la colección Abbot Hall en Kendal. El estilo de Rego es comparado en ocasiones con las ilustraciones de historietas o tebeos. Como en las historietas, los animales se representan a menudo en papeles y situaciones humanas. Sus últimos trabajos muestran un estilo más realista, pero en ocasiones continúan las referencias animales, la serie Dog Woman de 1990 por ejemplo, en una serie de cuadros al pastel representa a mujeres con diferentes poses propias de perros (ladrando a la luna, etc).

Rego también ha pintado un retrato de Germaine Greer, que se conserva en la galería nacional del retrato en Londres, así como el retrato oficial del presidente portugués de Jorge Sampaio.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Paula_Rego

Lucian Freud

2011-07-26T00:59:00.006-04:30

Biografía y obras:

Fue un pintor y grabador británico (Berlín, 8 de diciembre de 1922 - Londres, 20 de julio de 20111). Tras iniciarse en el surrealismo en su juventud, tras la Segunda Guerra Mundial se convirtió en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen habitualmente desnudos y bajo una fuerte luz. Sus padres fueron Lucie Brasch y el arquitecto Ernst Ludwig Freud, y era nieto de Sigmund Freud. Tuvo dos hermanos, el político Clement Raphael Freud y Stephan Gabriel Freud. Su sobrina, Emma Freud, es una prominente productora de radio británica. Después de la Primera Guerra Mundial y con el avance del Nazismo, Lucien y su familia emigraron al Reino Unido en el año 1933, recibiendo la nacionalidad británica en 1939. Durante este periodo estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School. Durante un breve período estudió en la Central School of Art de Londres y después con mucho éxito en la Escuela de Pintura y dibujo Cedric Morris's East Anglian, en Dedham. Se alistó como marino mercante en un convoy del Atlántico Norte en 1941, antes de serle invalidado su servicio en 1942. En 1943, El editor ceylanés Tambimuttu comisionó al joven artista para ilustrar un libro de poemas de Nicholas Moore , titulado "The Glass Tower".

En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery, en 1944, expuso su celebrado cuadro "El Cuarto del Pintor". The painter's room. Para el verano de 1946, viajó a París antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces viviría y trabajaría en Londres.

Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impassto). Los colores son a menudo neutros. Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".

El uso de animales en sus composiciones está muy extendido y es a menudo característico que aparezcan las mascotas al lado de su propietario. Ejemplos de retratos de animales y personas en la obra de Freud incluyen Muchacho y Speck (1980-81), Eli y David (2005-06) y dobleRetrato (1985-86). Su pasión por los caballos le llevó a pintar los ejemplares de la escuela en Darlington, donde, además de montarlos, incluso dormía en los establos. De estos, cabe destacar los retratos de Grey Gelding (2003), La yegua Skewbald (2004), y Yegua comiendo heno (Mare Eating Hay) (2006). Su cuadro "a la manera, al estilo de Cezanne" (after Cezanne) es notable por su forma inusual y el alto precio que pagó la Galería Nacional de Australia, de $ 7.4 millones de dólares americanos. Un retrato de pequeño formato de la reina Isabel II causó controversia, al mostrarla tan envejecida (o más) de lo que es. La prensa británica publicó críticas contrapuestas sobre él.

Pintor de producción no demasiado extensa y sumamente cotizado ahora, cuenta con apenas tres ejemplos en España: dos en el Museo Thyssen-Bornemisza (uno de ellos, un retrato del fallecido barón Thyssen), y otro retrato del barón, de mayor formato, que al parecer lo heredó su hija Francesca. En museos de Latinoamérica, hay que citar dos pinturas en el MUNAL de México y una en MALBA de Argentina.

Bibliografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud