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martes, 30 de julio de 2013

Robert Rauschenberg


Biografía y obras:
 (* 22 de octubre de 1925, Port Arthur, Texas;† 12 de mayo de 2008, Captiva Island, Condado de Lee (Florida)) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país.
Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas de Bambamarca y en la Academia Julian en París, donde conoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría en 1950 que sería la madre de su hijo, el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte.
En el Black Mountain su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg, como el mismo dijo, para hacer "exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó.El compositor John Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, también asistió a la facultad de Black Mountain.
De 1949 a 1952 Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Liga de estudiantes de arte de New York, donde conoció a los artistas Knox Martin y Cy Twombly.
Rauschenberg fue tal vez más famoso por su "Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía, grabado, papel y en performance.
En 1953, Rauschenberg aturdió al mundo del arte borrando un dibujo de Willem de Kooning. Ese año se divorció de Susan Weil En 1964 Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían ganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo institucional.
Robert Rauschenberg vivía y trabajaba en la ciudad de Nueva York y desde 1970 en Captiva Island, en la costa occidental de Florida.
Vivió sus últimos 25 años con el pintor Darryl Portoff.








































































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martes, 23 de julio de 2013

Gerhard Richter


Biografía  y obras:
Richter nació en el Dresden-Neustadt Hospital de la "Florencia del Elba", la ciudad Dresde, Sajonia, y creció en Reichenau, Baja Silesia, y en Waltersdorf en el interior de la Alta Lusacia. Hijo de Horst Richter y Hildegard Schönfelder, padres de, además, Marianne, Alfred, Rudolf y Gisela.
Su padre fue maestro, acuciado por la crisis de los años 30, consiguió trabajo en Reichenau a 80 km. de Dresde. Fue obligado a unirse al partido nazi y en 1942, el niño Gerhard a participar en la Pimpfe (mote para el cambio de voz de los muchachos, era el preparatorio de la Juventudes Hitlerianas).1 En 1939 el padre fue reclutado hacia el frente oriental (no regreso hasta 1947, fue capturado en 1944 y pasó el resto de la guerra como prisionero) y su tio Rudi murió en combate. La mudanza a Walterstorf en 1943 salvó a la familia del bombardeo de su ciudad natal (ver Bombardeo de Dresden). Su tia Marianne Schönfelder (1917-1945) fue eliminada como parte del programa de eutanasia establecido por los Nazis.2 Este temprano encuentro con la muerte y las atrocidades del período lo hicieron rechazar toda ideologia y abrazar un profundo amor por la naturaleza.3
Abandonó la escuela después del décimo grado y emprendió su aprendizaje como pintor de publicidad y de escenarios, antes de estudiar en la Academia de Arte de Dresde. En 1948 terminó su escuela profesional superior en Zittau, y, entre 1949 y 1951, fue educado allí en escritura así como en pinturas de escenario y publicidad. En 1950 su solicitud para entrar en la Hochschule für Bildende Künste Dresden (Universidad de Artes Visuales de Dresde, fundada en 1764) fue rechazada.
Finalmente regresa a su ciudad natal donde comenzó sus estudios en la Academia de Arte de Dresde en 1951. Sus profesores fueron Karl von Appen, Ulrich Lohmar y Will Grohmann. Se gradúa en 1956.
En estos primeros días de su carrera, preparó un mural («Comunión con Picasso», 1955) para el refectorio de esta Academia de Arte como parte de su licenciatura. Le siguió otro mural en el Hygienemusem (Museo Higiénico Alemán) con el título de «Lebensfreude», que significa «Alegría de la vida», para su diploma. Ambas pinturas fueron repintadas por cuestiones ideológicas después de que Richter se escapara de la Alemania Oriental para ir a la Occidental, dos meses antes de la erección del muro de Berlín; después de la unificación de ambos estados alemanes, el mural «Alegría de la vida» (1956) fue descubierto en dos lugares en la escalera del Museo Higiénico Alemán, y después del milenio estas dos ventanas descubiertas fueron nuevamente tapadas.
Richter se casó con Marianne "Ema" Eufinger en 1957. Años más tarde descubrió que su suegro, Heinrich Eufinger, había sido uno de los responsables del programa de esterilización y eutanasia que ocasionó la muerte de 250,000 personas durante el Tercer Reich4 Nueve años más tarde, ella tuvo a su primera hija, Betty.
Desde 1957 hasta 1961 Richter trabajó como maestro entrenador en la academia y asumió órdenes del anterior estado de la RDA. Durante este tiempo trabajó intensamente en murales («Arbeiterkampf», que significa «Lucha del trabajador»), en pinturas al óleo (como retratos de la actriz germano-oriental Angelica Domroese y de la primera esposa de Richter, Ema), en varios autorretratos y aún más en un panorama de Dresde con el nombre neutral de «Stadtbild» («Vista de la ciudad», 1956).
En 1961 viajo solo a la Unión Soviética, deja una maleta en la estación Berlin-Tempelhof, a su regreso busca a Ema en Dresde, viajan a Berlin y pasan por el tren local (S-Bahn de Berlín) al otro lado dos meses antes de la construcción del muro de Berlín. En Alemania Occidental, viven en un campo de refugiados en Göttingen y luego con los padres de Ema en Oldenburg. Finalmente radicándose en Düsseldorf en la Kunstakademie hasta 1967 donde fue docente en la Hochschule für bildende Künste de Hamburgo hasta 1971. Su puesto en Düsseldorf lo mantuvo hasta 1993.
Richter enseñó también en el Nova Scotia College of Art and Design. En 1983, Richter se reubicó desde Düsseldorf a Colonia, donde aún vive hoy en día.
Se casó por segunda vez con la escultora Isa Genzken, en 1982. Richter tuvo a su hijo, Moritz, con su tercera esposa, Sabine Moritz, el año en que se casaron, 1995. Un año más tarde nació su segunda hija, Ella Maria.
Richter tuvo su primera exposición individual, Gerhard Richter, en 1962 en Fulda, quemó todo el material después del show y en la Galería Schmela en Düsseldorf. Poco después, celebró exposiciones en Múnich y Berlín y a principios de los setenta expuso con en Europa y los Estados Unidos.
En 1989 presentó la serie "Oktober 18. 1977" basada en Baader-Meinhof y presentada en varios museos del mundo.
Su cuarta retrospectiva, Gerhard Richter: 40 años de pintura, con Robert Storr como curador, se inauguró en el MoMA de Nueva York en febrero de 2002, luego viajó a Chicago, San Francisco, y Washington, DC.
El Archivo Gerhard Richter se estableció en colaboración con el artista en 2005 como un instituto de las Colecciones Estatales de Arte en Dresde, Alemania.
Richter ha publicado una serie de catálogos, monografías, y libros de su obra de arte y notas sobre pintura, y ha recibido honores y premios por su arte.
Reside en Colonia, donde fue nombrado ciudadano ilustre. Sigue pintando y exponiendo, habiendo participado en la Bienal de Venecia y también en documenta de Kassel.
En el 2008 se exhibió en el Museum Ludwig-Köln, sus trabajos para los vitrales de la catedral de Colonia. Tuvo retrospectivas en el 2009 en el Albertina de Viena, Haus der Kunst, München, Tate Modern, Neue Nationalgalerie, Berlin y el Musée national d'art moderne Centre Georges Pompidou, Paris.
Después de realizar murales, Richter inició una nueva fase en su carrera. Estando en la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf (1961-64) descubrió el expresionismo abstracto y una serie de tendencias de vanguardia, formando lazos de amistad con otros artistas de su generación como Sigmar Polke. Se identificaban como artistas del pop art alemán, pero fueron también, durante un breve periodo, iniciadores de una variante satírica del pop a la que llamaban «realismo capitalista».
En 1962 inició pinturas que fundían la iconografía periodística y retratos de familia con un realismo austero basado en la fotografía. En su primera exposición de Düsseldorf, en 1963, el artista presentó por vez primera un estilo de fotografía-pintura, utilizando fotografías de paisajes, retratos o bodegones como base de sus pinturas. A finales de los sesenta comenzó su fase «constructivista», que incluyó trabajos como Color Charts, Inpaitings, Gray Paintings y Forty-eight Portraits, así como un trabajo con espejos.
A inicios de la década de los años setenta, evolucionó para una pintura monocromática sobria que evocaba la corriente minimalista, pero con una diferencia significativa en lo que respecta al objetivo y al sentimiento. A finales de la década y principios de los ochenta, las pinturas sobre lienzo de colores brillantes y atrevidamente delineadas sugerían mas también diferían de la pintura pirotécnica neoexpresionista que estaba entonces en boga. A lo largo de toda su carrera, Richter ha cultivado en su trabajo un estilo sutilmente romántico y aparentemente antimodernista.
La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías: figurativa, esto es, todas las pinturas se basan en la fotografía o la naturaleza; constructivista, trabajo más teórico como tablas de color, paneles de vidrio y espejos; y abstracta, casi todo el trabajo realizado desde 1976 excepto bodegones y paisajes.
Ha ganado, entre otros, el Praemium Imperiale en 1997, el Premio Wolf de las Artes en Jerusalem en 1995, el Premio Kokoschka en París, el de la Academia de Artes y Letras en Nueva York, el Arnold Bode Preis de Dokumenta y el León de Oro de la Bienal de Venecia






























































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martes, 16 de julio de 2013

Rembrandt Van Rijn

Biografía y obras:
(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.
En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens (quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo
En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia.
Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt van Rijn se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco.
A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.
En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.

Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.



















































































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miércoles, 10 de julio de 2013

Valentina Torado


Biografía y obras:
Se ha formado tanto en Uruguay como en Alemania, no sólo en Artes plásticas sino también en Comunicación, posibilitándole el trabajo en diferentes
niveles. Torrado actúa en espacios abiertos, crea instalaciones y realiza acciones artísticas. Lo
importante es establecer siempre una estrecha relación entre la vida y el trabajo, así como
entre productor y receptor.
En uno de sus proyectos, la intención creativa de la artista a través de la obra es provocar la
acción, el movimiento, la construcción de un nuevo multiespacio, cuestionando la linealidad
espacio-tiempo propuesta desde las estructuras de la cultura occidental.


El arte debe influir en la sociedad aportando elementos lúdicos e interactivos, estimulando
un diálogo entre el artista y el público.
Torrado comenzó en Uruguay con esta forma de trabajo. Así creó en la Estación Central de
Montevideo en 2004 la instalación “La siesta”, destinada especialmente a los niños, quienes
preferían jugar a descansar durante la siesta.
Este año realizó varias acciones en Europa como por ejemplo: Answer the phone, una
Performance en Hungría en la que el público tenía la posibilidad de vestir prendas
extravagantes y utilizarlas en el espacio urbano cotidiano. Sobre el marco del proyecto “La
ciudad como escenario” surgió Let’s make people, una acción en la ciudad de Görlitz, en la que se abordó la problemática del cambio demográfico. Se repartieron pegatinas con
nombres convirtiendo a los peatones en objetos de arte, teniendo como plataforma
comunicativa el centro neurálgico de la ciudad.
La acción “Espacio cielo-tierra” se desarrolló en un contenedor, en su interior colocó
colchones que invitaban al público a la interacción y que recordaban al antiguo juego de
niños “La Rayuela”. Esta instalación conectada “arriba y abajo”, en el más estricto sentido de la palabra, es al mismo tiempo un puente hacia el trabajo pictórico de la artista. Se trata de
obras (la mayoría sin marco) independientes, conclusas, aisladas, pero que en serie
conforman una notoria presencia escénica, un todo, un espacio que se descompone en
varios niveles para ser recorridos por el ojo humano.
Sirve como ejemplo la instalación Es riecht nach Montevideo (Huele a Montevideo), en la
que el observador se incluye como actor visual.
Se crearon de manera monumental y a modo de friso cubriendo el espacio, una serie de
lienzos sobre acrílico de igual estructura y dimensión. Las líneas irregulares en sentido
horizontal en tonos desde los gris-azulados hasta los negro-grisáceos recuerdan a las ondas
del mar. Se tiene la sensación que el agua te envuelve y cuanto más se contempla y mayor es el estado de meditación en el mundo de sus formas y sus colores, más pareciera que todo se
pone en movimiento. En efecto se cree sentir el olor y el ritmo monótono de sus olas. Un
trabajo comparable fue el proyecto teatral Morgen. Metamorphosen en el que la artista
presentó una Video-Instalación dentro del espacio de una iglesia. Imágenes de seres
suspendidos en el agua se proyectaron hacia el cielo del templo.


La pintura mural de Torrado “Montevideo”, así como el resto de la obra en lienzo o en papel,
guarda correspondencia con la corriente del expresionismo abstracto en su forma lírica
simbólica, como la que desarrolla actualmente el artista estadounidense Cy Twombly.
Torrado crea sus obras a partir del color. Prevalecen y dominan los tonos claros, en los que
se inscriben tonos oscuros y/o fuertes formas en colores fosforescentes. Materia dispuesta
por el pincel en capas de distintos espesores que en forma de velos de color, parece
ingrávida o pesada, transparente u opaca, densa como el espesor de la maleza u oscilante y
dinámica. El color crea su propia dimensión, superponiéndose paso a paso, enlazándose para
trascender.
El color emerge también como forma. Se insinúan códigos figurativos, algunos de carácter
orgánico y otros que vuelven a referirse a la construcción humana. Asociaciones con la
naturaleza nos recuerdan a extensos paisajes, a campos y a mar, a nubes y a lluvia, a cielo y a
tierra, y en ocasiones a espacios cósmicos. Contornos geométricos y entes como metáforas
perdidas de una historia recóndita, emergen desde las profundidades y se asoman a la
superficie, muchas veces sólo insinuadas como despojos de un mar pictórico.
Otro elemento integrante en la obra es la escritura. Títulos específicos como Je suis sans


histoire, Das ist vergänglich o Just a crime contienen frases cortas, escritas de una
manera desarticulada y que impactan como mensajes utópicos y enigmáticos o quizás como
un presagio. Son inspiraciones intuitivas a menudo en alemán, idioma que la artista aprendió
en Montevideo. Están en relación con la composición total, originan su especial atmósfera y
serenidad interior.
En una serie de obras surge la palabra Catastrofe, ligada a una sucesión de números
respectivamente. Absolut catastrofal parece llevar a término dicha sucesión. Evoca una
catástrofe total a pesar de su sutil inexactitud idiomática.
Aporta una cierta nota humorística subliminal o de irritación, quizás una alusión
inconsciente, relacionada con la publicidad de una conocida bebida de “alto valor espiritual”.
Como en todas las obras, ambas palabras aparecen escritas en mayúsculas, lo que confiere


un mayor énfasis a su significado. La lectura de Catastrofal resulta casi indescifrable, sus
caracteres varias veces intervenidos disminuyen la intensidad de la amenaza.
Más compleja resulta la lectura de Miss gun and vulkan, dominada por un orificio negro
delimitado por blanco. También se encuentran en otras obras formas craterianas, en parte
coronadas por columnas de humo que nos recuerdan a erupciones volcánicas. Estructuras de
red aluden a (ventanas) rejas. Azul como el agua, rojo como la sangre, quizás. Sombras
negras engendran vacío.
Algo inesperado se aproxima. Una tensión indisoluble domina la escena.
La contemplación de la obra de Torrado se iguala a la aventurera exploración de un campo
de minas del que se suele salir a salvo. Es fascinante adentrarse en el mundo de los miedos y
fantasías de uno mismo hilando historias, intentando liberar secretos, desentrañando
misterios, volviendo a surgir siempre otros nuevo


                 http://www.valentinatorrado.com/





































































martes, 2 de julio de 2013

Clifford Still

Biografia y obras:
(Grandin, 1904 - Baltimore, 1980) Pintor estadounidense. Sus composiciones, realizadas sobre enormes telas, comprenden grandes zonas irregulares con pocos colores y totalmente abstractas, animadas por intensos contrastes cromáticos y lumínicos que se sitúan entre la action painting y la color field abstraction. Utilizó la aplicación de pintura opaca en capas gruesas (empaste) en formas dentadas y expresivamente moduladas, a fin de retratar el poder bruto y agresivo.
Estudió en la Universidad de Spokane y en el Washington State College, en el que posteriormente ejercería la docencia. Entre 1941 y 1943 trabajó en la industria bélica y fue luego profesor en Richmond. Residió en Nueva York y en San Francisco, donde fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de California.
Después de experimentar con diversos estilos, se vinculó al expresionismo abstracto. Fue el primero de los expresionistas abstractos en ser consciente de la importancia del tamaño del lienzo para lograr un impacto psicológico sobre el espectador. Sus cuadros parecen el resultado de un desbordamiento de ríos de color que resbalan sobre la superficie hasta casi cubrirla y parecen arrastrar a su paso pequeñas masas de otros colores, que quedan en sus márgenes como depósitos residuales.
Queda así rota la uniformidad de la gran masa cromática por el deshilachado de sus bordes, un recurso del que se sirve Still para introducir en las composiciones sutiles relaciones entre forma y color sin que pierdan su carácter de campos cromáticos. Pero para Still, estos juegos con el color no son simples ejercicios formales; el arte es para él una forma de entender la vida, la pintura es la expresión de los grandes temas, de los símbolos eternos que hermanan al hombre primitivo con el moderno. "El arte es algo más que pintura -afirmó-, cualquier idiota puede poner color en el lienzo."