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miércoles, 27 de febrero de 2013

Lee Bontecou


 Biografìa y obras:
Escultora y grabadora. Estudió desde 1952 hasta 1955 en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York y realizó dos visitas prolongadas a Roma en 1956 y 1958 sobre las becas Fulbright. A su regreso a los EE.UU. estableció su reputación con relieves escultóricos muy personales, como Sin título (1099 × 1309 × 305 mm, 1960; Buffalo, NY, Albright-Knox AG), que consiste en una disposición similar a una red de tiras de lienzo unido a un marco de acero soldado alrededor de un vacío central ovalada. Una de estas obras fue incluida en el influyente arte de Assemblage exposición celebrada en el MOMA de Nueva York, en 1961.

A principios de 1960 relieves Bontecou se hizo más agresiva en tres dimensiones, sigue basándose en gran medida en el uso de formas ovoides, como en Socorro (hierro soldado y lino, 1,84 × 2,20 × 8,10 m, 1962;. Basilea, Kstmus). Su importancia fue reconocida a través de la puesta en marcha de un relieve mural para el Centro Lincoln para las Artes Escénicas en Nueva York en 1964 y por el premio otorgado por primera vez a ella en 1966 por el Instituto Nacional de las Artes y las Letras. En su trabajo posterior ella tomó formada al vacío de plástico como material para estructuras grandes, midiendo tanto como 3 m de extensión, que incorporan formas naturales, tales como peces y flores de su invención; también produjo relieves de yeso. Después de su matrimonio en 1967 y el nacimiento de una hija que se limita en gran parte a dibujo y grabado.












































































miércoles, 20 de febrero de 2013

Piero Manzoni


Biografìa y obras:
(13 de julio de 1933 - 6 de febrero de 1963) fue un artista italiano célebre por su arte conceptual irónico, como respuesta a la obra de Yves Klein.
Artista del nuevo realismo francés, aunque perfectamente podríamos ubicarlo dentro del arte conceptual o el arte de acción. También podríamos decir que el arte de Manzoni es una especie de body art interior, ya que con el producto del cuerpo realiza muchas de sus obras. Kurt Schwitters dijo: "Todo lo que escupe el artista, es arte", así pues, Manzoni consideró el cuerpo del artista como productor de arte, por tanto todo lo que saliera de él sería una obra, ya fuera su aliento, sus excrementos, o su firma colocada en el cuerpo de una persona.
En sus inicios realiza obras prácticamente minimalistas como su obra "Achrome" (1958-1959). Se trataba de unas telas impregnadas en yeso y extendidas sobre un soporte rígido, pero dejando las arrugas de la tela, para realizar, sin pintura, un juego de diversas tonalidades. Experimentó en sus cuadros con múltiples pigmentos y materiales. Una vez usó pintura fosforescente y clorato cobáltico para que los colores cambiaran continuamente. Aunque también tenía ideas más extravagantes, como hacer esculturas de algodón blanco, fibra de vidrio y piel de conejo.
En 1958 creó "esculturas neumáticas", 45 membranas que eran usadas como válvulas. El comprador también podía llevarse el aire de Manzoni dentro de una de ellas. Intentó crear una especie de "animal mecánico" como si fuera una escultura dinámica usando energía solar como fuente de energía
Durante toda su carrera artística realizó algunas de sus obras que siempre se mantuvieron en la misma línea, como por ejemplo sus obras de las líneas o de los globos (iniciadas alrededor de 1959). En su obra de las líneas, se coloca delante de un rollo de papel de distinta longitud y lo hace girar, colocando un pincel en el centro de este rollo, dejando así una huella. Y en las obras de "Aliento de artista" hincha globos con su aire.
En 1960 Manzoni marcó su huella dactilar en varios huevos duros y los consideró obras de arte. Aplicaba su huella dactilar en el huevo, con ello el huevo obtenía un carácter artístico, después dejaba al público comerse esos huevos, que seguían siendo obras de arte y ahora las personas que los habían comido, también lo eran, y por tanto cuando estas lo expulsaran en forma de excremento, seguiría siendo arte. También vendía fotocopias de sus huellas dactilares. Designó a varias personas "obras de arte andantes", entre ellas Umberto Eco.
En mayo de 1961 Manzoni puso sus excrementos en 90 latas de metal de 5 cm de alto y un diámetro de 6,5 cm y las etiquetó lateralmente con las palabras "Mierda de Artista" en los idiomas italiano, francés, inglés y alemán: Merda d’artista, Merde d’artiste, Artist’s shit y Künstlerscheiße. Vendió cada lata al peso teniendo en cuenta la cotización de oro del día. Algunas latas están en Galerías de arte famosas, entre ellas se cuentan el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el centro Georges Pompidou de París, la TATE Gallery de Londres y el MOMA de Nueva York. Algunas latas han explotado por la expansión de los gases. Supusieron una de las críticas más radicales sobre la valoración de las obras de arte. En el año 2007 se llegó a subastar un ejemplar en 124.000€.
El mismo año firmó en el cuerpo desnudo de gente para que fuera exhibida como obras de arte (incluso dió certificados de autenticidad), ya que al firmarlas, éstas se convertirían en obras de arte. También creó su obra "Base mágica-escultura viviente" (1961), que fue una alusión crítica al tema del pedestal en las esculturas, ya que si éstas no estaban encima de un pedestal no eran nada; así pues cualquier persona que se colocara encima de esta base, se convertía en una obra de arte.
Piero Manzoni murió a causa de un infarto de miocardio en su estudio de Milán en 1963.


















































































miércoles, 13 de febrero de 2013

George Segal ( 1924 - 2000)

Biografìa y obras:

George Segal (1924-2000)
Escultor estadounidense, famoso por sus obras figurativas, realizadas a tamaño natural en yeso blanco. Nació en Nueva York, y en la década de 1950 trabajó primero como pintor, iniciándose como escultor después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados de personas, están instalados en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas de venta de billetes, cafés o autobuses, cubiertos con objetos y accesorios que proceden de depósitos de chatarra. Sus figuras blancas con un acabado tosco o incompleto, de formas vagas e imprecisas, crean un ambiente de desolación o misterio. Su afición a incluir objetos de uso cotidiano en sus escenas triviales, como accesorios de baño y una navaja de rasurado en Mujer afeitándose una pierna (1963, Colección Mayer, Winnetka, Illinois), han hecho que algunos críticos lo clasifiquen como un artista pop, pero su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que transmite, va más allá de la impersonalidad del Pop Art.
                                                                                             











































































miércoles, 6 de febrero de 2013

Gerard Ter Borch


Biografía y obras:
 (Zwolle, diciembre de 1617 – Deventer, 8 de diciembre de 1681), fue un pintor neerlandés de la época barroca.
Ter Borch nació en la provincia neerlandesa de Overijssel. Recibió una excelente educación por parte de su padre, también artista, y desarrolló su talento muy pronto. La inscripción en un estudio sobre una cabeza prueba que Ter Borch estaba en Ámsterdam en 1632, donde estudió posiblemente con C. Duyster o P. Codde. La influencia de Duyster puede reconocerse en un cuadro que lleva la fecha de 1638, en el Museo Victoria y Alberto. En 1634 estudió con Pieter Molyn en Haarlem. De este periodo de Haarlem es la Consulta (1635) en la galería de Berlín.
En 1635 estaba en Londres, y posteriormente viajó por Alemania, Francia, España e Italia. Es seguro que estaba en Roma en 1641, cuando pintó pequeños retratos sobre cobre de Jan Six y Una joven dama (Colección Six, Ámsterdam). En 1648 estaba en Münster durante el encuentro del congreso que ratificó el tratado de paz entre los españoles y los holandeses, y ejecutó una célebre pequeña pintura, pintada sobre cobre, de los plenipotenciarios unidos -una obra que, junto con la Lección de guitarra y un retrato de un Hombre en pie, representa a este maestro en la colección nacional de Londres. El cuadro fue comprado por el marqués de Hertford en la subasta Demidoff por 1.280, y presentada a la National Gallery de Londres por sir Richard Wallace, a petición de su secretario, sir John Murray Scott.
En esta época, Ter Borch fue invitado a visitar Madrid, donde recibió empleo y el honor de ser nombrado caballero por parte de Felipe IV, pero, debido a una intriga, se dice, se vio obligado a regresar a los Países Bajos. Parece haber residido durante algún tiempo en Haarlem; pero finalmente se estableció en Deventer, donde se convirtió en miembro del consejo municipal, tal como aparece en el retrato que actualmente está en la galería de La Haya. Murió en Deventer en 1681.
Ter Borch es un excelente retratista, pero aún es mejor como pintor de género. Representa con admirable verdad la vida de las clases acomodadas y cultivadas de su época, y su obra está libre de cualquier toque de la grosería que muchas veces se encuentra en el arte holandés. Sus figuras están bien dibujadas y resultan expresivas en sus actitudes; su cromatismo es rico y claro, pero su mejor habilidad radica en su inigualada representación de las telas, lo que se ve con gran facilidad en cuadros como La carta y en La admonición paterna (también conocida como el vestido de satén) grabado por Wille -que existe en varias repeticiones en Berlín y Ámsterdam, y en la galería Bridgewater. Las obras de Ter Borch son comparativamente escasas; sólo hay unas ochenta catalogadas. Seis de ellas están en el Hermitage, otras seis en los museos de Berlín, cinco en el Louvre, cuatro en Dresde, y dos en la colección Wallace. En España, hay dos retratos en el Museo Thyssen-Bornemisza y uno en el Prado.