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martes, 29 de noviembre de 2011

Lía Bermúdez


Biografía y obras:
Nació en Caracas el 5 de agosto de 1930. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas entre 1944 y 1946. Residente en Maracaibo desde 1947, continuó sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Julio Árraga, donde tuvo por profesor a Jesús Soto, con quien trabajó en sus primeros tiempos. Desde 1952 adscribió a la corriente abstracto-geométrica, que ha tenido en ella a uno de sus principales representantes del arte zuliano; en este sentido se ha ocupado, entre sus labores como escultora en hierro, del problema de la integración artística, realizando obras para la arquitectura. Desempeñó durante muchos años la cátedra de diseño en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad del Zulia y preside actualmente la Fundación del Centro de Arte de Maracaibo, donde funciona el museo que lleva su nombre. Exposiciones individuales más importantes: Centro de Bellas Artes, Maracaibo, estado Zulia, 1957; Ateneo de Valencia, estado Carabobo, 1966; Galería de Artes Visuales, Universidad del Zulia, Maracaibo; Museum of Modern Art of Latin America, Washington, D.C., 1979; MACC, 1989. En 1992 este mismo museo presenta una retrospectiva de su obra. Recompensas: segundo premio del Salón D'Empaire, Maracaibo; Premio Shell, Salón D'Empaire, Maracaibo; Premio Universidad de Carabobo, XXIV Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo; Premio Ejecutivo del Estado Zulia, Maracaibo, 1969; Premio Julio Morales Lara, XXXI Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, estado Carabobo, 1977.
Bibliografía: www.bcv.org


























martes, 22 de noviembre de 2011

Eugène Delacroix


Biografía y obras:
(Charenton-Saint-Maurice, Francia, 1798-París, 1863) Pintor francés. Aunque nacido en el seno de una familia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben, que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, se da prácticamente por seguro que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia.
Se formó en el estudio de Pierre Guérin, pero debe sus rasgos estilísticos a Géricault y Gros, coetáneos a los que admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue también un gran admirador de la pintura inglesa.
En 1822 presentó por primera vez una obra en el Salón, La barca de Dante, y en 1824 compareció de nuevo en el certamen con La matanza de Quíos, cuadros ambos que fueron adquiridos por el Estado francés, a pesar de la fuerte polémica que provocaron. El pintor se inclina en estas primeras obras por temas que le permiten expresar una gran intensidad emocional, plasmada con colores brillantes y gran libertad expresiva.
Son estas creaciones las que lo convierten en la gran figura del Romanticismo francés, estilo del que se consideran obras particularmente significativas La muerte de Sardanápalo y La Libertad guiando al pueblo. En ambas, las figuras dibujan una línea diagonal, que constituye el eje compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando una intensa sensación de movimiento y vitalidad.
Su viaje a Marruecos en 1832 marca el inicio de su segundo período estilístico, en el que abundan los temas marroquíes (Mujeres de Argel), en composiciones mucho más pausadas aunque también típicas del Romanticismo por su carácter exótico y por el uso del color, que adquiere un protagonismo constructivo y compositivo inhabitual hasta entonces.
Al final de su vida se convirtió en el gran decorador de interiores de París, con obras relevantes para el palacio Borbón, el palacio de Luxemburgo, el Louvre y la iglesia de Saint-Sulpice. Fue uno de los personajes más ilustres de su tiempo, amigo de Charles Baudelaire y Victor Hugo entre muchos otros, y dejó un Diario que constituye una interesante y valiosa fuente de información respecto a su vida y su época.
























martes, 15 de noviembre de 2011

Correggio


Biografía y obras:
Correggio es el representante principal de la denominada Escuela de Parma.
La producción del pintor Antonio Allegri, llamado El Correggio, se corresponde en estilo con esa etapa del periodo del arte cinquecentista italiano colindante con el Manierismo, que ya durante la primera mitad del s.XVI habría comenzado a despuntar (será el primero en ejecutar en la Lombardía obras "a la maniera moderna", como muy bien dejó escrito Vasari)
Conocedor de la obra de Mantenga (es posible apreciar esta circunstancia en el tipo de composiciones elegidas, además de en el tratamiento que confiere a la anatomía de sus personajes) y Leonardo, la fusión de ambas influencias con las recibidas de la dulzura propia de la pintura de Rafael y del movimiento miguelangelesco dará como resultado el surgimiento de una personalísima autoría, caracterizada por lo que se vendrá en llamar posteriormente "morbidez" y un estilo cuidado, poético, rico en contrastes lumínicos, vibrante colorido y delicadeza.
Poco es lo que se conoce acerca de las circunstancias personales de Antonio Allegri, al igual que sucede con su etapa de formación, respecto de la cual existen diversas hipótesis.
Oriundo de la localidad de Correggio (su sobrenombre va a derivar de este hecho), nace a finales del s.XV (las fechas de 1489 y 1493 son disputadas como posibles, aunque hoy día se considera más probable la primera debido a la datación de sus encargos iniciales), disfrutando de una breve vida cuyo término se producirá en el año de 1534.
La obra más antigua documentada de Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de los franciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla es conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modelo iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de un esquema piramidal completamente clásico. Sin embargo, ya se puede apreciar en la misma el uso de la luz destinado a la consecución de una atmósfera envolvente y al destaque de determinados puntos de la escena, tan propio de la producción posterior del maestro.
Además, las influencias apreciables en esta obra, junto con otra serie de circunstancias, han suscitado diversas teorías acerca del hecho de que Correggio pudiera haber efectuado un viaje a Roma alrededor de esta fecha (1513 o 1518), llegando a conocer de primera mano la obra de Rafael y Miguel Ángel. A donde sí es seguro que realizará un viaje es a Mantua, llegando a conocer así de primera mano la obra de Mantegna y sus discípulos.
Para una capilla de la misma iglesia de San Francisco de Correggio realizará un poco más tarde, en 1517, un gran cuadro conocido como Descanso en la huída a Egipto, en el cual es posible apreciar una intensificación, con respecto a la obra anterior, del uso de claroscuro y el "sfumatto", técnicas deudoras de Leonardo. A esta etapa inicial pertenece asimismo, entre varias otras tablas, Virgen con el niño y San Juan. Será sin embargo un poco después (a partir de 1520), cuando acometa la realización de una de sus principales obras: la decoración de la cúpula de la Iglesia de San Juan
Bautista, en Parma (ciudad a la que se trasladará en 1523 y donde habría realizado con anterioridad una serie de frescos para el Convento de San Pablo, el primer encargo que le procurará éxito).
Es posible apreciar en el tratamiento otorgado a los personajes una escala más monumental, junto con un escorzamiento de las figuras, que evocan forzosamente las creadas por Miguel Ángel y Mantegna, aunque en clave dulcificada. Su pintura ha evolucionado hacia tratamientos prebarrocos, como se puede apreciar en la inestabilidad de las figuras, la dramática expresividad de los rostros, el tratamiento de los ropajes y la composición a base de una superposición de figuras (similares características se pueden apreciar posteriormente en la que será su más ambiciosa obra: los frescos para la Catedral de Parma, 1526-1530).
En esta iglesia de San Juan pintará asimismo sendos lienzos que representan el Descendimiento de la cruz de un "escultórico" Cristo y el Martirio de los santos Plácido, Flavio, Eutiquio y Victorio. En ambos se aprecian, nuevamente, influencias de Mantenga y Leonardo (imprime una mayor agresividad al empleo de escorzos y claroscuros).
Pertenecientes ya a la considerada como su etapa de madurez son obras tan representativas de su estilo evolucionado hacia presupuestos manieristas prebarrocos como la Adoración de los pastores, llamada también La Noche (donde repite el modelo iconográfico ya empleado en la Virgen adorando al Niño, actualmente en la Galería Uffizi), una Sagrada Familia con Santos (o Virgen de San Jerónimo, 1530) o la exquisita Virgen de San Giorgio (hacia 1530).
La fama de Correggio se consolida a partir de de estas fechas (tercera década del s.XVI), recibiendo encargo por parte de grandes mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico II Gonzaga, de ejecutar diversas obras de temática principalmente mitológica, en las cuales Correggio despliega toda la sensualidad, gracia, colorismo y movimiento propios de su pincel (Mercurio instruyendo a Cupido; Venus, el Amor y un sátiro o la serie dedicada a los amores de Júpiter son un ejemplo de ello). Una de sus últimas obras será la bíblica tabla del Noli me tangere (1534), encargada por el Duque de Medina de las Torres.













martes, 8 de noviembre de 2011

Henri Matisse


Biografía y obras:
(Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888, en la Universidad de París, que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedad que le retiene en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empieza a pintar, y en 1891, ya recuperado, vence la oposición de sus padres y abandona la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde estudia bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, donde cursa estudios de pintura durante cinco años. Es allí donde conoce a Rouault y a Manguin. Asiste también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, donde entabla amistad con Marquet. Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. Ese mismo verano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. En 1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner; también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asiste durante algunos meses a las clases de Carrière, en cuyo taller conoce a Derain y a Puy. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las Tres Bañistas). Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.
1905 es el año de la presentación de una nueva tendencia que el crítico Vauxcelles bautizaría como Fauve, es decir, fieras, en el Salón de Otoño. Los Stein adquieren en ese momento la obra Mujer con Sombrero. Su obra Retrato de la Sra. Matisse causa, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón debido a la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utiliza aquí el color en todas sus posibilidades expresivas.
En 1906 expone de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realiza su primer viaje a África, donde le impresionan los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. Pinta Naturaleza muerta con tapete rojo. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso y realiza su primer viaje a Italia. En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África.
En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La Danza y La Música; la primera, puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto;... las fuentes de este mural son variadas, desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. También en 1910 esculpe su primer altorrelieve, La Espalda .
En 1910 realiza una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911, viaja a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarán a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello El Estudio Rojo, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.
Poco después viaja a Marruecos con Camoin y Marquet; pasa en el Norte de Africa los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data Jardín Marroquí, una composición casi abstracta de verdes y rosas. En 1913 participa con varias obras en el Armory Show neoyorquino y en la Secesión berlinesa. El estallido de la guerra provoca el traslado de él y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoce a Juan Gris. En 1915 realiza una exposición individual en la galería Montross de Nueva York.
En 1916 pasa el invierno en Niza por primera vez. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultan ser muy de su agrado y decide pasar allí la mayor parte del tiempo. Comienza en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes. En 1919 realiza su primera muestra individual en Londres, en las Leicester Galleries. En 1920 colabora con los ballets rusos de Diaghilev realizando las escenografías de obras de Stravinski.
En 1925 realiza un nuevo viaje a Italia y su estilo se hace mas robusto, como muestra Figura Decorativa, que es considerada la obra culmen de la preocupación de Matisse por el desnudo en un decorado oriental: la figura se presenta esquemática y monumental. Empieza a alcanzar un éxito evidente (en 1927 obtiene el premio del Carnegie International de Pittsburg, y vende prácticamente todo en la exposición de Dudensing Gallery en Nueva York).
Data de estos años Odalisca con pantalones grises, donde retoma la temática orientalista fuera del lugar de origen, en el estudio de París. Entre 1929 y 1933 se le organizan exposiciones retrospectivas en Berlín, Basilea, Nueva York y París. Recibe encargos del coleccionista americano Barnes para su fundación en Merion, Pennsylvania. Estos murales retoman el tema de la danza, en un esquematismo que se adapta perfectamente a su función decorativa.
En 1940, tras la derrota francesa, Matisse piensa en emigrar a Brasil, pero finalmente retorna a Niza; en 1941 sufre una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación retoma el trabajo con fuerzas. En 1944 su mujer es arrestada y su hija deportada, Matisse se vuelca en su arte. Al finalizar la guerra, expone con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres; después presenta una gran retrospectiva en el Salón de Otoño de París. Entre 1948 y 1950 trabaja en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence (donde residía desde 1944). Se publica Jazz, una colección de reproducciones de los famosos papiers découpés (papeles recortados), acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hecha con papeles recortados es La Piscina de 1952, donde las figuras están distorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua. En 1949 vuelve a Niza. El Museo de Lucerna le organiza su primera gran exposición antológica, con más de trescientas obras. En los últimos años de su vida, los reconocimientos a su trabajo se suceden con la concesión del premio de la Bienal de Venecia (1950), la retrospectiva del Museo Nacional de Tokio (1951), la apertura de un museo dedicado a su obra en su ciudad natal y la individual en el Museo de Arte de San Francisco (1952). Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.
Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueron Poussin, Chardin, Watteau, Courbet, Manet y Cézanne. Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso, con quién mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio).
















martes, 1 de noviembre de 2011

Willem de Kooning

Biografía y obras:
(Rotterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.
Los padres del pintor, Leendert de Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenía unos cinco años de edad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en el barco británico SS Shelly, hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, de Boston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.
Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.
Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas.
En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para la WPA, un proyecto de arte del gobierno federal. Fue contratado por este programa hasta julio de 1937, cuando se despidió al igual que su compañero Santiago Martínez Delgado, debido a su estatuto de extranjero. Este período de unos dos años le permitió al artista, que se había mantenido a lo largo de la Depresión gracias a trabajos comerciales, la primera oportunidad de dedicarse plenamente al trabajo creativo. Varios murales que diseñó nunca se realizaron.
En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male), al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas, tales como Pink Landscape y Elegy.
En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego conocida como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943. También ella fue una artista significativa.
Durante los años cuarenta y después, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los años cuarenta. Este período incluye las representaciones bastante geométricas de Woman yStanding Man, junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta. Alrededor de 1945 las dos tendencias parecieron fusionarse perfectamente en Pink Angels. En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones; de estas obras, Light in August (c. 1946) y Black Friday (1948) son esencialmente negras con elementos blancos, mientras que Zurich (1947) y Mailbox (1947/48) son blancas con negro. Tuvo su primer exposición individual, que consistía en composiciones en blanco y negro, en la Charles Egan Gallery de Nueva York en 1948.
A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística. Su trabajo se orienta hacia las abstracciones complejas, agitadas, tales como Asheville (1948/49), Attic (1949), y Excavation (1950; Art Institute, Chicago), que reintrodujeron el color y parecían resumir con firme decisión los problemas de composición por libre asociación con la que había luchado durante años.
Dio clases en los cursos de verano del Black Mountain College de Carolina del Norte con John Cage, Buckminster Fuller y Josef Albers, y en la Escuela de Yale de Arte en 1950/51. Viajó a Roma y San Francisco.
De Kooning había pintado mujeres con regularidad a principios de los años cuarenta, y de nuevo entre 1947 y 1949. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarse como símbolos femeninos. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre, cuyo tema eran las mujeres. Comenzó con Woman I (Mujer I) (Museo de Arte Moderno, Nueva York), que pasó por innumerables metamorfosis antes de que fuera terminado en 1952. En el mismo museo se encuentra Woman II (1952).
Concebía el arte de como "acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Lengerke), se trabaja con una intensa concentración dirigida en exclusiva al acto creativo sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas, con espesas capas de óleo. Esta action painting produce una pintura abstracta y vigorosa, de gran densidad y muy intensos desde el punto de vista cromático. Hacía una pintura "representativa y gestual a la vez, algo parecida, salvando las distancias, a la del español Antonio Saura" (J. A. Ramírez Domínguez).
Las distintas pinturas de mujeres se mostraron en la galería de Sidney Janis en 1953 y causaron sensación, principalmente porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones y por su descarnada técnica. Las composiciones son planas, impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer. El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. Amplias sonrisas, dientes brillantes, pechos desmesurados más grandes que las cabezas, y bamboleantes, grandes ojos vacíos, muslos opulentos, parecen representar las más oscuras percepciones freudianas. Se trataría de "una representación simbólica de la mujer como madre nutricia, depredadora y abusiva, una mujer de boca inmensa y mirada implacable, imagen fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres" (Carrassat-Marcadé).
También mostró algunas pinturas que parecían volver a las obras primitivas mesopotámicas y acádicas, con los ojos enormes, casi "que lo ven todo".
Durante más de diez años, de Kooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer, una exagerada caricatura, "un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y los clichés" (Lengerke). Las pinturas Woman de la II hasta la VI (1952-53) son todas variaciones sobre el mismo tema, así como Woman and Bicycle (1953; Whitney Museum of American Art, Nueva York) y Two Women in the Country (1954). La deliberada vulgaridad de estas pinturas recuerda a la serie Corps de Dame (1950), del pintor francés Jean Dubuffet, no menos cruda, en la que lo femenino, formado por una rica topografía de colores terrosos, se relacionan más directamente con símbolos universales.
En 1955, no obstante, de Kooning parece haber vuelto a este aspecto simbólico de la mujer, como sugiere el título de su Woman as Landscape, en que la figura vertical parece casi absorbida por el paisaje abstracto. Siguieron luego una serie de paisajes tales como Police Gazette, Gotham News, Backyard on Tenth Street, Parc Rosenberg, Suburb in Havana, Door to the River, y Rosy-Fingered Dawn at Louse Point, que muestra una evolución desde la complejidad colorista a una simplicitad pictórica.

Sobre 1963, el año que se instaló de forma permanente en un estudio de Springs, Long Island, de Kooning volvió a representar mujeres en pinturas como Pastorale y Clam Diggers. Reexploró el tema a mediados de los años sesenta en pinturas que fueron controvertidas como sus tempranas mujeres. En estas obras, que se han interpretado como ataques satíricos a la anatomía femenina, de Kooning pintó con extravagante lubricidad.
Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras, tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III; en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido por Henry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.
El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue premiado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.
En los años ochenta de Kooning fue diagnosticado de Alzheimer, y un tribunal lo declaró incapaz para la administración de su patrimonio, estando bajo la tutela de su hija desde 1989. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby Pink Lady (1944) alcanzó los tres millones seiscientos mil dólares en 1987 y nterchange (1955) veinte millones seiscientos mil en 1989. Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón a los setenta años, en 1989.
Se debate mucho sobre la relevancia y significado de sus últimas pinturas, que se hicieron claras, casi gráficas, aunque seguían aludiendo a las líneas biomorfas de sus primeras obras. Algunos dicen que su estado mental e intentos de recuperarse de una vida de alcoholismo lo habían incapacitado para consumar la maestría que apuntaban sus obras tempranas, mientras que otros ven en sus últimas obras el precedente de los pintores de los años noventa de líneas claras, y con una relación directa con pintores contemporáneos tales como Brice Marden. Otros que conocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se las quitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas.
La primera biografía del artista, titulada de Kooning: An American Master, se publicó por Knopf a finales de 2004. Sus autores, Mark Stevens y Annalyn Swan, recibieron el Premio Pulitzer de biografía.